Power Pop Station

Top 50 Álbuns 2011

2012-01-16T09:47:00.002-02:00

1 – “After Nights Without Sleep” – CURTAINS FOR YOU
2 – “Uplands Park Road” – CIRRONE
3 – “Nada Pasará” – ROGER SINCERO
4 – “What Every Rose Grower Should Know” – SECRET POWERS
5 – “Vessels” – BRYAN ESTEPA
6 – “Always On The Run” – AN AMERICAN UNDERDOG
7 – “How Strange It Seems” – BRENT CASH
8 – “Time Cuts The Ties” – DROPKICK
9 – “As Far As Yesterday Goes” – THE RED BUTTON
10 – “Give A Tree Your Name” – FEEDBACKS

11 – “Playing Into Your Hands” – KELLY’S HEELS
12 – “Tomorrow Never Knows” – PETER BALDRACHI
13 – “Dudes” – DAVID MEAD
14 – “Hum, Sing… Repeat” – GARY RITCHIE
15 – “Hidden Symphonies” – MARCO JOACHIM
16 – “Longplayer” – LONGPLAYER
17 – “Volume II” – SMITH & HAYES
18 – “In Transit” – THE WELLINGTONS
19 – “Rockin’ For A Living” – KURT BAKER
20 – “People And Places” – PHIL ANGOTTI

21 – “World-Class Faker” – JOHN LAPRADE
22 – “Ocean Blue Sky” – GREG POPE
23 – “Illustrated Bird” – THE HANGABOUTS
24 – “Pretty Escape” – DELETED WAVEFORM GATHERINGS
25 – “On The Way” – TONY COX
26 – “Beatlesque Three” – ALAN BERNHOFT
27 – “S.O.S. Songs From Outter Space” – THE BRASS BUTTONS
28 – “Electro De Perfecto” – MIKE VIOLA
29 – “Make Up” – WIRETREE
30 – “Better Here” – SHANE LAMB

31 – “October House” – JODEE PURKEYPILE
32- “Thirty People Away” – TAMAS WELLS
33 – “Above The Blue” – VEGAS WITH RANDOLPH
34 – “A Life In Letters” – THE FIRE APES
35 – “Mi Universo” – COOPER
36 – “The Last Place” – ARMY NAVY
37 – “Sky Full Of Holes” – FOUNTAINS OF WAYNE
38 – “Wellgreens” – THE WELLGREEN
39 – “The Kids Don’t Wanna Bop Anymore” – THE BREAKDOWNS
40 – “Soundtrack” – DWIGHT TWILLEY

41 – “Bigger Than This” – MIKE BARNETT
42 – “Out Of This World” – BUBBLE GUM ORCHESTRA
43 – “Some Hope” – DC CARDWELL
44 – “A Moment Away” – THE BEAGLE RANCH
45 – “Noises From The Cat Room” – VIE
46 – “Yin & Yanxiety” – MICHAEL OLIVER & THE SACRED BAND
47 – “Secret Place” – BABY SCREAM
48 – “Peace City West” – STEVE CRADOCK
49 – “Who Do You Think You Are?” – MEYERMAN
50 – “Things That Shine And Glow” – TROLLEY

"Time Cuts The Ties": DROPKICK!

2011-07-28T11:16:00.002-03:00

E os meninos da Bretanha do norte continuam sonhando... imaginando que suas melodias podem atravessar o Atlântico, impregnar o mundo, e porque não, levar algo de alento a quem precisa. No seu nono álbum, os escoceses do Dropkick voltam inspirados e inspiradores, embebidos na sua doçura habitual e confirmando uma capacidade impressionante para produzir belas canções. Ainda mais se considerarmos que o trio lança, religiosamente, um CD por ano.

“Let Down Again”, que abre o disco, parece uma encarnação do finado e saudoso Elliott Smith: de beleza estonteante, tem a maciez questionada pelo ataque das guitarras. Os irmãos Andrew e Alastair Taylor e Ian Grier, como bons escoceses que são, gostam da lapidação perfeita do seu arsenal de canções pop. Capricham nas melodias e entregam refrãos memoráveis como em “Everything Changes” e, na acetinada balada acústica “Home”, os vocais angelicais acalmam corações.

“Nowhere Land” vai na batida dos violões, pontuada por notas de piano e aeradas harmonias vocais. É clara a influência dos conterrâneos do Teenage Fanclub, e, na dúvida, só conferir a perfeição pop de “Hold On” ou “Two Of Clubs”. “It’s Time” imprime pegada power pop e a belíssima canção título nem consegue destaque em meio a profusão de beldades sonoras.

E, como dizem, se sonhar não custa, os ventos sopraram e as melodias do Dropkick sobrevoaram um oceano para, suavemente, aportar por aqui.

http://www.dropkickmusic.co.uk/

"Beatlesque Three" - ALAN BERNHOFT!

2011-06-22T17:39:00.000-03:00

Não que o título esteja querendo um abrigo para justificar a semelhança; ele é deliberado e apenas deixa claro que preza a homenagem. Você pode dizer que os Beatles não precisam de mais uma prova de admiração, mas eu te digo que a força de um legado é irrefreável. Beatlesque Three, algo como “À La Beatles Volume 3”, emula sim os quatro de Liverpool, parece sim o som que faziam... mas, e daí? Alan Bernhoft gosta de compor inspirado pela cartilha beatle e nós adoramos ouvi-lo. Ponto.

No terceiro disco da série Beatlesque, o músico de Los Angeles – que toca todos os instrumentos e grava tudo no A.I.M Studios (que fica no... seu quarto!) - continua dando de ombros para a crítica mainstream (que o chamaria de ‘pastiche’), para os puritanos (que o chamaria de ‘copista’), e, sinceramente, eu faço trancinhas virtuais com minhas rugas de preocupação. O que importa aqui não é medir relevância artística, grau de ousadia ou as doses de inovação. Simplesmente sentir o quanto as melodias podem dizer algo a você.

E não se importe com a qualidade da gravação, porque o registro é caseiro, sem grandes produções. Procure o quanto os raios de “Sunny Sky” – faixa que abre o álbum – podem iluminar seu dia entediante: a simplicidade de seus coros vocais, a ingenuidade saudável da sua melodia e o estalar de dedos ritmado, podem colocar as coisas no lugar. Já “Everybody Smiles” eleva o tom emocional com uma certa graça: é o que seria a faixa de Ringo Starr do disco.

Em “Civilization” baixa a incrível força melódica e emocionante de John Lennon, a modo de “Mind Games”, com a diferença que o mundo a se mudar é do tamanho da sua sala de estar. “Miss Vonnie” vem macia na batida do piano, na voz doce de Bernhoft e, de repente, encaixa um refrão adorável e irresistível no meio do seu queixo. Jogos de vocais vindos diretos dos anos sessenta exercem o poder de ficar ecoando algumas horas no seu cérebro em “So Shine Away”.

Um terno vibrafone traz a balada - quase uma canção de ninar - chamada “Chun Li” (a versão chinesa de Yoko Ono?) antes do piano de Alan mostrar outra linda canção inspirada em Lennon: “Colliding Circles”. Podem dizer que simula “Imagine”, mas eu não estou interessado, conheço muito bem a obra dos Beatles e de John Lennon solo.

Estou bem mais preocupado em deixar que estes acordes e melodias - descidos dos céus - preencham algumas lacunas emocionais que estão lá, só esperando por isso. Ah, e antes que eu me esqueça, o álbum se encerra com “Honey Love” que sim, parece com “Honey Pie”. E daí?

http://www.alanbernhoft.com/

"Vessels" - BRYAN ESTEPA!

2011-06-13T15:45:00.000-03:00

Hoje é uma inspiradora e agradável manhã de um domingo outonal, em uma cidade encravada entre os trópicos. É meu aniversário de casamento, o que não faz necessária qualquer sugestão de que seja um dia especial. Então estou aqui, sentado de frente para um jardim que balança ao sabor do vento e que parece fazer questão de combinar seu verde esmeralda com o azul profundo do céu. Mas eu resolvi trapacear a natureza e pus um disco para tocar e sugerir assim que a vegetação ali fora dança enfeitiçada pelo ritmo das canções.

Eu coloquei o novo álbum de Bryan Estepa, porque se é para justificar que as plantas se dispõem a acompanhar as nossas músicas, que seja algo especial.Vessels se apresenta como o terceiro disco do Australiano de Sydney, e, sem dúvida, seu trabalho mais inspirado. E eu convido a todos para sentar em círculo e ouvir o cantor-compositor aplicar suas doses de pop sessentista, de folk, de soft rock, de power pop.

A encantadora “Won’t Let You Down”, com seu refrão memorável e um Fender Rhodes trocando passos com o piano, só precisa de duas audições para você sair cantando por aí. E o mundo volta a girar para ouvir guitarras acústicas sendo cortejadas por um órgão Hammond sem pudor, só para Estepa oferecer o belo refrão em “Hard Habits”. E eu vejo lá fora, claramente, as árvores acompanhando com os galhos, os arbustos batendo palmas e o vento soprando junto as harmonias vocais de “Tongue Tied”.

O difícil para o coro verde vai ser acompanhar o tom emocional que Estepa dá às suas canções: ele canta com o coração, e isso já é raridade levando em conta que metade da população mundial carrega uma pedra dentro no peito. Ouça então a beleza de “Purple Patch”, que é amplificada pelo Hammond de Tim Byron e pela gaita de Jadey O’regan. Mas vamos deixar Bryan tocar a sua balada sentimental “Pull Ourselves Together”, porque ele tem muito a dizer mesmo que você não entenda uma palavra de inglês.

“Alone” contagia na batida energética, backings perfeitos, órgão invocado, palminhas sixtie e esperto jogo de guitarras. E vamos passeando pela delicadeza eloqüente de “Let It Go”; pela doçura com toque country e refrão colante de “First Impressions”; e o classicismo em tons norte-americanos de “Shade”. “Instincts” vem nos lembrar que Bryan Estepa conhece muito bem os meandros de como dar poder ao pop e “Unglued” simula a sensação universal da desilusão amorosa, que pode não ser uma realidade agora, mas certamente um dia já foi.

“Ball And Chain” fecha Vessels em altura suficiente para meu jardim acompanhar animadamente o ritmo empolgante da canção. E eu reparo que não há vento nem brisa lá fora... apenas uma onda de canções vindas de longe em um dia muito, muito especial.

http://www.bryanestepa.com/

www.myspace.com/bryanestepa

"City Love": THE BAUDELAIRES!

2011-05-30T17:27:00.000-03:00

Por Daniel Arêas

O pop dos sixties, óbvio, exerceu e ainda exerce forte impacto nas gerações que se seguiram. Para quem ainda tem dúvidas quanto a isso, basta ver os recentes e concorridíssimos shows de Paul McCartney e Teenage Fanclub no Rio e em São Paulo. O culto ao pop sessentista, atualizado pelas guitarras do power pop, atravessou as décadas seguintes e, sem fronteiras, espalhou-se pelo mundo. Chegando eventualmente, claro, ao Brasil. Há – felizmente - ótimas bandas power pop espalhadas pelo país, e aqui estamos falando de uma delas, The Baudelaires, vinda de Belém do Pará, e de seu mais novo trabalho, o EP City Love.

Andro (vocal e guitarra), Marcelo (vocal e guitarra), Ariel (baixo) e Bruno (bateria) vêm demonstrando em seus trabalhos - Lonely Youth, de 2009 e School Days, de 2010, ambos lançados em formato físico, e o EP Little Rino, de 2010, em formato digital – que possuem todas as virtudes indispensáveis para uma banda power pop: capacidade pra compor melódicas canções pop que cativam o ouvinte de cara, e a competência e a alma necessárias pra tocá-las. E acertam nas influências e referências. Tudo isso pode ser percebido em City Love.

A ótima faixa que abre City Love, “Say You Want Me”, tem um refrão tão potente que é por ele que a canção se inicia, e deverá agradar tanto a fãs dos Posies (fase Dear 23) quanto a seguidores do Superdrag. A seguir, vem “Pam”, que caberia perfeitamente em algum disco do Weezer. Possivelmente a melhor do disco, “Time” inicia suave, com belos vocais emoldurando a letra sensível, segue num crescendo até desembocar no poderoso refrão, apoiado em uma parede de guitarras abrasivas.

A balada acústica “Oh, Girlfriend” remete às contribuições de Raymond McGinley para os discos do Teenage Fanclub. Outra canção acústica, “Teletransportation Now” tem uma irresistível inclinação beatle e excelentes vocais em falseto. Depois da bela faixa-título, o disco fecha com uma boa faixa bônus, “Proud Losers”.

Os rapazes pretendem lançar outro EP no final do ano, e juntá-lo ao City Love para formar um disco completo. Mas você não precisa esperar até lá: ao fim deste post, você encontra um link pra baixar, gratuitamente, o City Love. Pra você que já conhece e curte o som dos Baudelaires, é satisfação garantida. E se você ainda não conhece...a hora é essa !!

http://www.4shared.com/file/QRj-xoxD/The_Baudelaires_-_City_Love__2.html

"Time Will Tell": DAVE STEPHENS!

2011-03-15T09:58:00.000-03:00

Quatro anos foi o tempo que o cantor-compositor canandense Dave Stephens nos deixou sem novas canções, desde o belo Stories For Copper, lançado em 2006.

Álbuns de Stephens são sempre sequências de peças emocionais que alternam alegria e tristeza, mas que se preocupam em preservar, intacta, a beleza.

Como nos trabalhos anteriores, em seu terceiro álbum Time Will Tell Dave Stephens compôs, tocou e cuidou dos arranjos, com a presciosa e precisa colaboração de alguns bons amigos. Também manteve a independência para deixar voar livre sua delicada inspiração artística.

“Time Will Tell” abre o disco com orquestração, piano, guitarras distorcidas, jogando no ar a sugestão para o clima épico e emocional. Cordas de violino choram e a voz doce de Stephens comanda a explosão instrumental emendadando direto no riff pesado da canção seguinte “Mr. Wonderful”, que daságua, mais à frente, na melancolia espacial de “Hagin’on”.

As guitarras falam alto novamente na encorpada e sólida “Tragedy” e, a esperada capacidade de Stephens em escrever as mais belas baladas, reaparece na emocionante “Peace Of Mind”. O refrão fácil e empolgante vem em “You Are Mine, I Am Yours”, enquanto a maciez acústica de “Dealing With The Past” traz junto um belíssimo chorus.

E o que Time Will Tell tem a dizer, aqui e agora, é que Dave Stephens continua disposto a compartilhar a corrente de emoções que emanam de sua música e reverberam em nossos corações.

http://www.davestephens.ca/

TOP 50 Álbuns de 2010

2011-01-20T10:40:00.001-02:00

1 – “Lies And Fairy Tales” – SECRET POWERS
2 – “Watercolor Day” – SETH SWIRSKY
3 – “Music From & Inspired By Noisewater” – TIMMY SEAN
4 – “The Decline” – ELVYN
5 – “Our Little Secret” – EDWARD O’CONNELL
6 – “Blood/Candy” – THE POSIES
7 – “Circles” – “LANNIE FLOWERS
8 – “Oranjuly” – ORANJULY
9 – “C’est La Vie” – RADIO DAYS
10 – “Memphis” – MAGIC KIDS

11 – “Grain & Grape” – TAYLOR LOCKE & THE ROUGHS
12 – “Graydon” - GRAYDON
13 – “No Chocolate Cake” – GIN BLOSSOMS
14 – “Travellers In Space And Time” – THE APPLES IN STEREO
15 – “Shadows” – TEENAGE FANCLUB
16 – “Farrah” – FARRAH
17 – “Epic Handshakes And Bear Hug” – WILD HONEY
18 – “In The Sun” – THE TIMETRAVELLERS
19 – “Fulton Hill” – KNIT DELICATE
20 – “Innocence Is Bliss” – FRANK ROYSTER

21 – “Todo Se Lo Lleva El Viento” – OCTUBRE
22 – “Weird Past” – MAYBE TONIGHT
23 – “Hula” – NUSHU
24 – “Mercury Mine” – GAVIN GUSS
25 – “Once Around” – THE AUTUMN DEFENSE
26 – “Starting All Over Again” – RICH MCCULLEY
27 – “The Sunrise And The Night” – WILLIAM DUKE
28 – “On A Bittersweet Ride” – MISS CHAIN & THE BROKEN HEELS
29 – “Looking For Tomorrow” – THREE HOUR TOUR
30 – “King Of Power Pop” – PAUL COLLINS

31 – “Goodbye, Killer” – PERNICE BROTHERS
32 – “Take A Vacation!” – THE YOUNG VEINS
33 – “Sweet Sounds Of” – THE SUGAR STEMS
34 – “Loveless Unbeliever” – THE SCHOOL
35 – “Ordinary People” – ZOMBIES OF THE STRATOSPHERE
36 – “In Love Field” – THE OFFBEAT
37 – “Release Me” – THE LIKE
38 – “The Britannicas” – THE BRITANNICAS
39 – “Wasted Sun” – ANY VERSION OF ME
40 – “Together” – THE NEW PORNOGRAPHERS

41 – “Pictures” – THE LEN PRICE 3
42 – “Green Fields And Rain” – THE JUNE
43 – “School Days” – THE BAUDELAIRES
44 – “Four” – BLEU
45 – “Pas Net!” – TRUE LOVE
46 – “Galaxyland” – MAPLE MARS
47 – “Time Will Tell” – DAVE STEPHENS
48 – “Deer Park Mirage” – MITTENS
49 – “Intenciones” – COLATONIC
50 – “Post Modern Romantic” – THE WELL WISHERS

Power Pop: The Early Years - BLUE ASH! (Parte 2)

2011-01-14T09:46:00.001-02:00

Por Daniel Arêas

Para ocupar o posto deixado vago por David Evans, os membros remanescentes do Blue Ash (Frank Secich, Jim Kendzor e Bill Bartolin) recrutaram Jeff Rozniata, um dos roadies da banda. Mesmo sem gravadora, a banda seguiu fazendo shows e gravando canções, até que em 1977 a Playboy Records ofereceu-lhes um contrato. Em outubro daquele ano foi lançado Front Page News, o segundo disco do Blue Ash. Estritamente sob o ponto de vista das composições e da forma com que foram gravadas, era consenso na banda que Front Page News era um ótimo disco de rock. Mas o disco entregue à Playboy Records para ser lançado jamais chegou a ver a luz do dia.

Sem o consentimento da banda, a gravadora contratou Mike Lewis (conhecido pelo seu trabalho com K.C. and the Sunshine Band) para adicionar cordas, metais e teclados às canções. Os próprios membros da banda só vieram a conhecer a versão alterada do disco que iria às lojas poucos dias antes do lançamento. A revolta de Secich, Kendzor e Bartolin fez com que a Playboy Records eventualmente re-mixasse o álbum, e o resultado final ficou a meio caminho entre a versão “suavizada” por Mike Lewis e a originalmente imaginada pela banda. Mas mesmo com as guitarras disputando espaço com as cordas e teclados na maior parte do disco, a qualidade das composições se impunha. Tal como foi lançado, em outubro de 1977, Front Page News sem dúvida era um digno sucessor de No More No Less.

E tudo indicava que o momento do Blue Ash havia chegado: puxado pelo ótimo single “Look At You Now”, o disco começou a vender bem. A banda preparava-se para iniciar uma turnê pelo estado do Texas, quando então sofreu um duro golpe: a Playboy International decidiu desativar a Playboy Records, deixando o Blue Ash novamente sem uma gravadora. A banda seguiu fazendo shows e gravando (adicionando no período o tecladista Brian Wingrove à sua formação) e por fim decidiu separar-se, em 1979.

Teria sido um fim injusto e melancólico para a banda, se não tivesse havido um recomeço, anos depois.

A história do Blue Ash tem um reinício nos anos 90, em meio ao revival power pop da época. Com seus dois discos fora de catálogo e relatos envolvendo a potência de seus shows, o Blue Ash tornou-se uma lenda, com farto material inédito gravado durante seu período de existência circulando entre colecionadores. Com o renovado interesse em torno da banda, em 2003 os membros originais Frank Secich, Jim Kendzor, Bill Bartolin e David Evans decidiram reunir-se pela primeira vez em 25 anos para uma série de shows, incluindo uma apresentação na edição daquele ano do festival International Pop Overthrow. No ano seguinte, a Not Lame Records lançou Around Again – A Collection of Rarities From the Vault 1972-79, uma coletânea com 44 músicas inéditas, abrangendo toda a carreira do Blue Ash.

Coletâneas de raridades e outtakes costumam ser mais indicadas a fãs die-hard, e muitas vezes pouco ou nada acrescentam às discografias das bandas e artistas. Não é, definitivamente, o caso aqui. Em síntese, Around Again é uma aula de power pop. Chega a ser difícil de acreditar que esse extraordinário material poderia jamais ter vindo a público. É possível, sem dificuldade, extrair dele pelo menos dois álbuns de excelente nível. A quantidade de ótimas canções torna proibitivo que se cite apenas algumas, mas é suficiente dizer que Around Again é um atestado definitivo do enorme talento da banda e da prolificidade da dupla de compositores Secich e Bartolin.

Em setembro de 2008 No More No Less finalmente ganhou sua versão em CD, através do selo Collectors’ Choice Music, para nova e unânime consagração da crítica, e definitivo reconhecimento do Blue Ash como banda clássica e fundamental para o power pop. A morte de Bill Bartolin em 3 de outubro de 2009 pôs um fim à trajetória do Blue Ash, que saiu de cena deixando um legado inquestionável e uma brilhante obra, obrigatória para qualquer power popper que deseje conhecer as origens desse estilo que tanto amamos.

http://www.myspace.com/officialblueash

http://blueashblog.blogspot.com/

Power Pop: The Early Years - BLUE ASH! (Parte 1)

2010-12-16T14:45:00.001-02:00

Por Daniel Arêas

Antes de ser redescoberta nos anos 2000 e ser reconhecida como uma das mais importantes da história do power pop, a banda americana Blue Ash passou por aquela típica sequência de infortúnios que alteram o destino de uma banda, que não poderia ser outro que não o sucesso comercial.

O Blue Ash foi formado em 1969 na cidade de Youngstown, Ohio, por Frank Secich (baixo, vocais), Jim Kendzor (lead vocals, guitarra), Bill Yendrek (guitarra) e David Evans (bateria). Um ano depois, Yendrek deu lugar a Bill Bartolin. Como acontece com toda grande banda de rock, moldaram seu som e sua personalidade no palco. Entre 1969 e 1972 fizeram incontáveis shows em estados como Pennsylvania, Nova York, Ohio e West Virginia, enquanto a dupla Secich e Bartolin compunha canções em quantidades industriais. Essas canções viriam a se tornar demos e enviadas para as gravadoras. E não há como negar que, para conseguir gravar seu primeiro disco, a banda foi um pouco bafejada pela sorte.

Paul Nelson, executivo da Mercury Records e que havia acabado de contratar os New York Dolls, conversava com um homem da cidade de Warren, Ohio, que estava lhe mostrando a demo tape de sua banda. Ao olhar para uma pilha de demos que estava sobre a mesa de Nelson, o homem reparou em uma em especial: a do Blue Ash. Ao ouvir que se tratava de uma grande banda, Nelson pôs para tocar a demo e percebeu imediatamente o potencial que havia ali. Assim, no fim de 1972 o Blue Ash assinou contrato com a Mercury e em maio de 1973 era lançado seu álbum de estréia, No More No Less.

No More No Less é um título mais que apropriado para o disco: não era mesmo preciso mais do que já há ali. Ou melhor, talvez nem fosse possível obter mais...se existe algum ponto ideal a meio caminho entre o melodismo e as elaboradas harmonias dos Beatles e a fúria rocker do The Who, o Blue Ash parece tê-lo encontrado – e explorou-o até as últimas conseqüências. Em canções como “Abracadabra (Have You Seen Her)”, “Plain To See”, “Here We Go Again”, “Wasting My Time” e outras, os ganchos são ultra-melódicos, mas vêm ancorados em guitarras incandescentes e performances altamente energéticas. O arsenal de No More No Less ainda contém uma nostálgica canção que revela a influência dos Byrds (“I Remember A Time”), duas ótimas baladas (“Just Another Game” e “What Can I Do For You”) e a cover de uma canção dos Beatles mais feroz de que se tem notícia (“Anytime At All”). Resumindo: um clássico instantâneo.

Se os fatos sempre seguissem um curso natural e lógico, No More No Less teria catapultado o Blue Ash para o sucesso. Mas mesmo com a ótima recepção da crítica não foi isso que aconteceu. Na verdade, nem mesmo a tiragem de 20.000 cópias chegou a ser esgotada, mas isso aconteceu pela ausência de divulgação e distribuição adequadas por parte da Mercury Records. Naquele momento a concorrência era ingrata para o Blue Ash dentro da gravadora: artistas como Rod Stewart e New York Dolls estavam lançando novos álbuns e os recursos de divulgação e distribuição disponíveis foram canalizados para eles.

A banda seguiu fazendo turnês (abrindo para artistas como Bob Seger, Aerosmith, Ted Nugent e Raspberries) e se preparava pra entrar em estúdio para gravar seu segundo disco, mas as baixas vendagens de No More No Less fizeram com que a Mercury Records decidisse por liberá-la de seu contrato, em maio de 1974. Pouco depois, David Evans deixava a banda. Era o primeiro revés na carreira do Blue Ash. E não seria o último.

IPO VOLUME THIRTEEN!

2010-12-03T09:43:00.000-02:00

A despeito da má reputação milenar e de ser rebaixado ao nível supersticioso de gato preto, mandinga e saravá três vezes, o número treze sempre trouxe bons fluídos para os power poppers. Treze é o nome de uma canção clássica dos nossos ídolos do Big Star. Treze é o nome de um álbum memorável dos nossos heróis do Teenage Fanclub. E agora treze é o número do novo volume da coletânea tripla do International Pop Overthrow.

Sorte nossa a compilação ter chegado forte, saudável e relevante ao décimo terceiro volume e, conseqüentemente, estar completando os treze anos de vida. Graças ao imenso trabalho do incansável e obstinado David Bash. Mesmo porque não se trata só de lançar uma coletânea dessa envergadura todo ano; trata-se de manter ativo um festival itinerante que percorre cada vez mais cidades nos Estados Unidos (e algumas fora, como Canadá e Inglaterra), e que é, na verdade, de onde deriva esta compilação.

E este volume treze faz as referências e reverências explícitas na arte de capa e contracapa: uma simula a arte do álbum #1 Record (onde está a faixa “Thirteen”) do Big Star e outra a arte de Thirteen, disco do Teenage Fanclub. Bons augúrios, então...

Com 66 faixas de 66 bandas vindas de oito países diferentes, o IPO Vol. Thirteen mantém a tradição de traçar o que de novo vem acontecendo no mundo – seja entre novas bandas ou grupos veteranos - do power pop, pop alternativo e afins.

Os noruegueses do The Royalties abrem o CD1 com a grudenta e radiofônica “Bring It On”, enquanto Seth Swirsky apresenta sua reflexiva e viajante - à La Brian Wilson - “She’s Doing Fine”, faixa pinçada do magistral álbum de 2010 Watercolor Day. Pianos pontuando, melodia memorável, refrão auto-adesivo e o indefectível inglês nipônico emolduram uma das melhores canções da coletânea: “Rain Parade” dos japoneses do The Mayflowers. Chis Richards & The Subtractions contribui com a poderosa e gentil, em doses iguais, “I, Miss July”, tirada do seu último disco “Sad Songs Of The Summer” e Stephen Lawrenson apresenta a adorável e inédita “Thank You”. As meninas californianas do Nushu mostram sua influência sessentista temperada com distorção contemporânea em “Leave Me Behind”, música de seu álbum de 2010 Hula.

Já no CD 2, e honrando a tradição pop da Austrália, vem os Stanleys, com a incrivelmente contagiante “What Are We Gonna Do?”. De Nova Iorque Ed Hale chega com a belíssima acústica “It Feels Too Good” e de Los Angeles Rob Bonfiglio traz a luminosa, de pegada soul e alma pop, “How To Mend a Heart”. Os suecos do Popgun armam a festa com “All Messed Up” e o veterano Jeremy reafirma sua capacidade de escrever canções pop em “Save Me From Myself”. A surf music sessentista vem representada pela canadense Laurie Biagini com “Not The Only Pretty Fish In His Sea”. O Tiny Volcano capricha nas harmonias vocais e melodias macias, no pop orquestral “Emily”. O Golden Bloom (na verdade o multi-homem Shawn Fogel) contagia com seu pop perfeito em “If You Believe”, abrindo o caminho para o pop clássico dominar as ações em “Heartaches Of Love” da Starfire Band. E Buddy Love aperta os botões certos para conquistar através da beleza emocional de seu novo single “Crying Town”.

O britânico Aaron Hemmington e seu Sunchymes estão no disco 3, onde destilam sua doçura sessentista de sotaque Pet Sounds com “Free Rider”. Os artífices texanos do power pop de Austin Blue Cartoon reaparecem com a bela e adesiva “If I Could Do It All Over Again” e os canadenses do The King oferecem sua delicada jóia pop “When Dreams Come True”. O Plastic Soul comparece com “Champion Tragic Boy” e seu refrão cheio de belos acordes. Os galeses do The Afternoons emocionam com a terna “I Want It Anyway”, enquanto Blake Jones & The Trike Shop diverte com “Forestiere Gardens” e seu clima de série de TV/cartoon network – que acaba combinando com a faixa seguinte “Peter Parker”, do The Whethermen.

Depois de mais uma overdose de pop com maiúsculas, só nos resta contar os dias para o IPO Volume 14... e a certeza de que sim, o treze pode ser nosso número da sorte.

http://www.internationalpopoverthrow.com/

http://www.notlame.com/NLIPO13.html

"Wasted Sun": ANY VERSION OF ME!

2010-11-04T09:25:00.003-02:00

Por Daniel Arêas

A linda capa de Wasted Sun, o novo disco do Any Version of Me, mostra a silhueta de uma pessoa, em frente à imensidão do mar, durante um pôr (ou nascer) do sol. A imagem inspiradora diz mais sobre o disco do que palavras. Wasted Sun reúne doze canções que transmitem sensações similares às que a foto da capa sugere: paz, tranqüilidade, aconchego, conforto.

O francês de Paris Guillaume (o homem por trás do Any Version of Me) já havia demonstrado em seus álbuns anteriores – principalmente no magnífico Backward Forever, de 2008 – que traz entranhado em suas veias o pop clássico sessentista. Ouvir seus discos traz uma agradável sensação de familiaridade, não apenas pela atemporalidade dos sons da época que os inspira, mas também pela certeza de que encontraremos melodias apaixonantes à primeira audição. A sensação de que estamos ouvindo discos saídos diretamente dos anos 60 é ainda mais acentuada pelo uso, por parte de Guillaume, de equipamentos vintage em seus trabalhos.

A idéia inicial era a de que Wasted Sun fosse um álbum psicodélico, no qual as canções fossem interligadas por passagens instrumentais, mas essa versão acabou sendo descartada. As composições não datam do mesmo período: das doze canções, duas foram escritas em 2002; três, em 2007 (para um álbum que se chamaria Summer After All, projeto que foi abortado); todas as restantes foram compostas em 2009. Mas isso de forma alguma afetou a coesão do álbum, que soa homogêneo.

Em relação a Backward Forever e Home Alone (2009), as canções de Wasted Sun parecem mostrar que, desta vez, o eixo musical inspirador de Guillaume deslocou-se ligeiramente da Inglaterra em direção aos Estados Unidos (mais exatamente, a Califórnia). A vocação para o pop clássico permanece intacta: ele continua compondo segundo os preceitos sagrados de vários de nossos heróis eternos (Beatles, Zombies, Beach Boys, Brian Wilson, Paul McCartney). Mas em Wasted Sun ele adiciona às canções arranjos mais elaborados, timbres mais suaves, elegantes. O resultado disso tudo é, possivelmente, seu melhor trabalho até aqui.

Há, na maior parte do disco, uma atmosfera que remete ao clássico Pet Sounds. Claro, o pop britânico da segunda metade dos anos 60 ainda exerce forte influência sobre as composições de Guillaume: a faixa de abertura “Monday” e as belas “Don’t Try Too Hard” e “Down To The Sea” são mostras disso. Mas lado a lado com estas há o adorável sunshine pop de “Normal Life” e “Early One Morning”. Nessa mesma linha segue a inebriante faixa-título, com seus leves tons psicodélicos e densas harmonias.

Com seus pouco mais de sete minutos de duração, “With the Moon” é um dos destaques do disco. Magnificamente construída e executada, consiste em uma colagem de fragmentos de canções, abrangendo estilos tão diversos como o folk, o sunshine pop e o psicodélico. A dreamy “Love” é conduzida por um órgão sutil e esparsos acordes de guitarra, e embelezada por deslumbrantes harmonias vocais; poderia ser o equivalente musical a uma caminhada pela orla, num morno fim de tarde de verão. Fecha o disco a linda “This Is Where I Wanna Live”, com seu arranjo de cordas (originadas de um Mellotron) e guitarras invertidas, evocativas da fase psicodélica dos Fab Four.

Ao fim do disco, fica evidente: é o ouvinte (nós), aquela pessoa na capa, em frente ao mar. Há mesmo momentos em que tudo de que precisamos é algo assim: observar o sol surgir (ou desaparecer) por detrás do mar, e nos isolarmos de todo o resto. Ou, alternativamente, ouvirmos canções que despertem sensações equivalentes, ternas e reconfortantes. O local e o momento ideais fica a nosso cargo escolher; as canções encontramos aqui, do princípio ao fim de Wasted Sun.

http://www.anyversionofme.com/
www.myspace.com/anyversionofme

Da Série Clássicos: "Blue Pop" - ADAM DANIEL!

2010-08-02T22:51:00.000-03:00

Por Daniel Arêas

O amor e seus meandros é um tema recorrente no power pop. Não apenas em seus aspectos lúdicos, mas também no seu lado melancólico, amargo – idealmente, abordado com genuína emoção. E claro: ancorado em canções pop, as mais perfeitas quanto possível, a eterna busca inerente ao power pop. Atingido o ápice nesses dois quesitos (ou chegado bem perto disso), o que temos são aquelas obras que definitivamente marcam quem as ouve, que realmente fazem a diferença. É o caso do 8º. disco da Série Clássicos do Power Pop Station: Blue Pop, do cantor/compositor/músico/produtor americano Adam Daniel.

O envolvimento do americano de Santa Monica (Califórnia) Adam Daniel com a música começou bem cedo: aos seis anos de idade aprendeu a tocar piano, aos nove já se aventurava na guitarra. Exposto a doses maciças de pop clássico durante sua infância, através de seu pai (músico) e seu irmão mais velho, Adam se graduou na UCLA (University of California, Los Angeles) em 1995 e começou a gravar demos, que eventualmente lhe renderiam um contrato com a APG Records.

Na verdade Adam exerce várias atividades e sua biografia é um pouco mais extensa do que o espaço permite (quem quiser saber mais, ver comentários). Por ora, falemos de Blue Pop, seu álbum de estréia, lançado em 1999 e para o qual ele compôs todas as músicas, criou os arranjos, tocou praticamente todos os instrumentos (à exceção da bateria) e co-produziu. Já no seu primeiro disco, Adam alcançou um resultado que a grande maioria dos compositores leva a vida toda perseguindo – e não atinge.

Blue Pop é sobre os relacionamentos amorosos e seus vários aspectos. Em algumas músicas, Adam os celebra; em outras, ele os vê pela perspectiva da pessoa rejeitada; em outras, é ele quem dá o adeus. Para narrar essas histórias de amor e desamor (que, ele afirma, em sua maioria realmente aconteceram com ele) Adam se alterna com incrível facilidade entre o mais puro guitar pop e momentos mais introspectivos, quietos. Musicalmente, comparações podem ser feitas com alguns de seus contemporâneos da década de 90 (Michael Penn, Posies fase Dear 23, Elliott Smith, Fountains of Wayne, Steve Ward), mas seu diferencial é a comovente sinceridade e a emoção que ele imprime a essas treze simplesmente soberbas canções.

Se alguém um dia pedir para que você explique o que é um gancho musical, mostre a ele (a) “Breaking Up”, a sensacional faixa que abre Blue Pop. Um inacreditavelmente grudento riff de teclado prende o ouvinte instantaneamente à canção, cuja letra chega a ser cruel em suas palavras de despedida (I’ve got a lot of clothes that you’re never going to see me in/I’ll write a lot of songs that you’ll never get to hear me sing/and I told a couple lies and you’re never going to know which one). Em seguida, o balanço beatle de “Battle Song” parece celebrar a vida a dois (Hold me babydoll/And I held her/Say you’ll be my valentine/And I brought her hearts/And be my soldier boy/And I sent myself to war). Pausa nas guitarras para a suave “Lovebug”, na qual a bela voz de Adam é acompanhada por teclados, delicadas harmonias vocais e uma discreta pedal esteel guitar.

Vem a alegria rocker de “Her Shake” e tudo parece estar bem (She makes good sense/She says “Say what you want to say/Do what you want to do/Go where you wanna go, just take me there”). Em seguida (e em contraste), uma daquelas faixas às quais é virtualmente impossível se ficar alheio: em contraposição à ironia de “Breaking Up”, em “Why I Can’t Be Beside You” Adam anuncia o fim em tom solene, quase épico, iniciando apenas com voz e violão e encerrando com teclados e camadas de guitarras. É mesmo difícil apontar os grandes momentos de Blue Pop (porque só há grandes momentos), mas não os mais emocionantes – e este é um deles.

A contagiante batida de “Guess I Got A Girl” nos remete ao pop clássico sessentista e é acompanhada por uma cativantemente quase ingênua letra, de tão feliz (I guess I got a girl/And she likes to call me “boy” and I want/To be with her forever/She’s like a pill and I need to have it every day). Mas a proposta de Adam é contrapor o ganho e a perda, a alegria e a dor. Em “You Wrecked Me” – outro momento de arrepiar – apenas um violão acompanha sua voz quase sussurrante, enquanto ele discorre sobre a perda da pessoa amada. Aqui ele prova ser um compositor do mesmo calibre de gênios como Elliott Smith e Chris Bell. E por fim, a calma “Say Goodbye” fecha Blue Pop, no mesmo clima bittersweet que permeia o disco inteiro.

Qualquer lista com os melhores álbuns de guitar pop dos anos 90 que se pretenda séria precisa incluir Blue Pop. Seu título pode sugerir que trata-se de um disco essencialmente triste, mas não é o caso. Adam Daniel toca sim, em certos pontos difíceis dos romances, mas usa a linguagem do pop para fazê-lo. Blue Pop tem grande potencial para nos comover – possivelmente até arrancar algumas lágrimas – mas o que temos quando terminamos de ouvi-lo é uma enorme sensação de prazer e bem-estar. Ele nos deixa com um sorriso no rosto. E prontos, claro, para novas audições.

Power Pop - The Early Years: ARTFUL DODGER! (Parte 2)

2010-06-03T21:55:00.001-03:00

Por Daniel Arêas

Honor Among Thieves (1976), o segundo disco do Artful Dodger, igualmente como seu predecessor (lançado no ano anterior) recebeu muitos elogios da crítica, e hoje provoca a mesma perplexidade: por que, afinal de contas, não estourou? As possíveis razões – levantadas pelos próprios membros da banda, em retrospectiva – vão desde a troca do produtor (embora Jack Douglas – produtor do primeiro álbum - curiosamente tivesse recebido os créditos, quem realmente produziu Honor Among Thieves foi Eddie Leonetti) até equivocadas decisões na condução da carreira da banda (como embarcar em uma turnê com o Kiss, tocando em grandes arenas, ao invés de ganhar experiência tocando em locais menores).

Um fato que não suscitava dúvidas, porém, é o de que Honor Among Thieves expandia todos os conceitos que o disco de estréia trazia, e efetivamente o superava. Das power ballads “Scream” e “Dandelion” (esta composta e cantada por Gary Cox) até canções que beiravam o hard rock como a faixa-título, “Keep Me Happy” e “Hey Boys”, passando por uma incendiária cover de “Keep A-Knockin’”, Honor Among Thieves era o retrato de uma banda em plena evolução de sua proposta musical.

Evolução esta que seria bruscamente interrompida no disco seguinte. Àquela altura a banda fazia desgastantes turnês, sem a contrapartida do sucesso comercial (embora tivesse alcançado uma pequena audiência, basicamente concentrada em Cleveland). A prolífica parceria entre Paliselli e Herrewig parecia pouco inspirada naquele momento e várias canções que Cox escreveu - sem a intenção de incluí-las no repertório do Artful Dodger – foram aproveitadas.

Além disso, a CBS começou a privilegiar as canções de Cox (inclusive encorajando-o a tentar uma carreira solo, sem o conhecimento dos demais membros), piorando ainda mais o clima dentro da banda. O resultado disso tudo – Babes on Broadway, lançado em 1977 – não chegava a ser ruim, mas não havia nele nem sombra da força e coesão dos dois discos anteriores. Poderia mesmo ter sido o fim (melancólico) da trajetória do Artful Dodger, que se viu sem gravadora, sem empresários para cuidar de sua carreira e sem Gary Cox, que decidiu deixar a banda.

Mas esse não era o fim da história. Depois de um hiato de três anos, o Artful Dodger se reagrupou para uma última tentativa, com o pianista/guitarrista Peter Bonta ocupando o posto deixado por Cox. Assinaram com a Ariola Records para em 1980 lançarem o disco de suas vidas. Do princípio ao fim, Rave On leva a um nível muito próximo da perfeição a fórmula da banda: ganchudas, irresistíveis canções pop, tocadas com o máximo de garra e intensidade. Mais do que um disco, soa como uma afirmação da convicção que a banda tinha de si própria e do som que fazia. Se os dois primeiros discos eram excelentes, Rave On é a obra-prima do Artful Dodger.

Uma vez mais, a ótima recepção do disco pela crítica contrastou com a indiferença do público, e a banda decidiu se separar. Mas esse ainda não é o fim da história – felizmente.

A história do Artful Dodger continua da mesma forma que a de várias outras bandas power pop da sua época: através do interesse das novas gerações. De 1991 para cá a banda fez vários shows de reunião em Cleveland. O selo Pendulum Entertainment Group (via Sony Music) relançou os dois primeiros discos em CD em 1997. Há um excelente site dedicado à banda (o link está nos comentários) de onde saiu a maior parte das informações contidas nessa biografia. Rave On foi incluído na lista Shake Some Action de John Borack. O reconhecimento veio, enfim. Nada mais justo para uma banda como o Artful Dodger. Para além de “apenas” uma das maiores bandas power pop de todos os tempos – uma excepcional banda de rock n’roll.

Power Pop: The Early Years - ARTFUL DODGER! (PARTE 1)

2010-05-13T22:36:00.002-03:00

Por Daniel Arêas

Se a definição mais concisa e direta para o power pop é a de que nasce da junção das melodias mais pegajosas com a energia primal do rock, então poucas bandas o fizeram com tanto talento, energia e vigor quanto o Artful Dodger. Infelizmente, como no caso da grande maioria de seus pares, para a banda americana também acabou prevalecendo a regra de que fazer o power pop perfeito durante os anos 70 trazia em si o ônus de ser virtualmente ignorado por uma audiência aparentemente desinteressada naquela reinvenção dos clássicos sons da British Invasion (para não mencionar algumas decisões equivocadas daqueles que cuidavam de sua carreira).

O Artful Dodger – formado em Fairfax, Virginia em 1973 por Billy Paliselli (vocais), Gary Herrewig (guitarra), Gary Cox (guitarra e vocais), Steve Cooper (baixo) e Steve Brigida (bateria) – possuía uma rara facilidade para produzir canções pop em série, mas executava-as com a alma e a paixão que o rock pede (tanto em estúdio como em shows); fundia a onipresente influência dos Beatles e o power pop dos Raspberries com o hard rock dos Faces, Rolling Stones e The Who. Dito desta forma, a alquimia soa perfeita; e foi de fato perfeita, em três dos quatro discos de sua curta carreira.

Originalmente utilizando o nome Brat, a banda lançou seu primeiro single (auto-produzido), “Not Quite Right”, tendo como B-side “Long Time Away” (que seria posteriormente regravada para o primeiro disco). Munido de uma demo tape, David Cox rumou para Nova York e conseguiu convencer Steve Laber e David Krebs (que à época tinham em seu cast nomes como Aerosmith e New York Dolls) a cuidar da carreira da banda. Pouco depois um contrato era assinado com a Columbia Records e a banda, rebatizada como Artful Dodger, lançava seu primeiro disco, homônimo, em setembro de 1975.

O termo “clássico perdido” é quase um lugar comum quando nos referimos ao power pop dos anos 70, tamanha é a quantidade de grandes discos que permaneceram na obscuridade na época de seus lançamentos, mas poucos discos se encaixam tão bem na definição quanto Artful Dodger . Produzido por Jack Douglas (famoso por seu trabalho em Toys In The Attic do Aerosmith, entre outros), é uma coleção de soberbas canções, irresistivelmente melódicas (porém executadas com o máximo de energia e intensidade), baseadas em fortes ganchos. Presente em algumas coletâneas de bandas power pop, “Wayside” tornou-se a canção mais conhecida, mas há vários outros esplêndidos momentos no álbum, como “You Know It’s Allright”, “Follow Me”, “Think Think” e “Things I’d Like To Do Again”.

Um erro estratégico da Columbia Records, porém, começaria a selar o destino da banda. A faixa escolhida pela gravadora para ser o primeiro single foi “Silver & Gold”, uma balada assinada por Cox. Essa equivocada decisão contribuiu para que o disco tivesse vendagens decepcionantes, além de gerar certa animosidade no núcleo da banda (embora Cox escrevesse canções, a maior parte do repertório do Artful Dodger nascia da parceria entre Paliselli e Herrewig). Mas isso não afetou a produção da banda, como ficaria comprovado com o lançamento de Honor Among Thieves, em 1976.

"Ragged But Right": MEMPHIS 59!

2010-05-04T22:49:00.001-03:00

Eles são muito modernos para o country. Eles são muito tradicionais para o rock. Eles são pop, mas não necessariamente comerciais. Mas não duvide do seu potencial radiofônico ou apelo popular. ‘Americana’ e ‘alt.country’ são rótulos deveras cool para o Chevrolet enferrujado que estampa a capa de Ragged But Right. O Memphis 59 trafega com sua velha caminhonete laranja pela fronteira de estilos tão díspares como complementares, de sua pequena Arlington natal para o mundo.

Em seu álbum de estreia o trio Scott Kurt, Chris Zogby e Richard G. Lewis poderia ser Paul Westerberg tocando Tom Petty ou o Jayhawks interpretando o Whiskeytown. Mas, de certa forma, o vocal característico de Kurt coloca as coisas no lugar: estamos falando do Memphis 59. E “Me Myself And Eyes”, canção que abre Ragged But Right, logo se apresenta com seu riff de guitarra que consegue remeter ao country com trejeito rock e acento pop. “Black & White TV” ataca com um refrão ganchudo e “Knock Me Out” usa dos serviços uma slide guitar para realçar o clima de raiz.

A envolvente “Girl At The End Of the Bar” coloca chapéu de cowboy e esporas no power pop, enquanto “Hotel Room” tem a missão de decalcar mais um refrão adesivo no cérebro do ouvinte. A bela e cativante “Putting Up A Fight” antecede o sabor clássico de “Quit Kickin My Heart Around” e “Heartbreak Luck”.
Ragged But Right vai do country ao pop como de Arlington a Nova Iorque: porque dá pra ir esvaziando umas Budweiser, em pouco mais de 300 km de distância, entre a pequena cidade na Virginia e o centro do mundo.

www.memphis59.com
www.myspace.com/memphis59band1

"The Curtain Shop And Alterations": THE RIFFBACKERS!

2010-04-26T21:35:00.003-03:00

“Agora é tempo de recomeçar”. A frase que abre The Curtain Shop And Alterations pode parecer genérica se colocada fora de contexto. Mas aqui ela vem carregada de sentido e simbolismo para Fausto Martin e Nacho Garcia. Os espanhóis estiveram no The Winnerys, cujo fim precoce surpreendeu o mundo do power pop e deixou suas viúvas pelo mundo. E o recomeço veio cedo para Martin, que menos de um mês do fim de seu antigo grupo já compunha novas canções.

O sentido de clássico que já permeava a sonoridade do Winnerys permanece no Riffbakers – e as letras em inglês, idem -, mas sob um novo viés. Se antes o foco era o beat sessentista, calcado principalmente nos Beatles, agora fica cristalina a influência setentista no som dos madrilenhos, com referências a The Who, Raspberries, Nick Lowe ou Cheap Trick. Grupos oitentistas também ecoam em The Curtain Shop, como The Knack, Paul Collin’s Beat ou Rockpile.

Lançado de forma independente pelo próprio selo, o Rainbow Lane Records, e gravado no estúdio móvel de Fausto, o álbum surpreende pela boa produção. As guitarras ganham o peso e agressividade quando o rock precisa falar mais alto; as harmonias vocais são leves e doces quando têm de voar sobre o instrumental. Mas se a inspiração para o nome do grupo surgiu de uma Rickenbaker reluzente, o cuidado no entalhe de canções não poderia ser surpresa.

“Não espere por isso, mas as coisas podem mudar”. É a segunda frase de The Curtain Shop And Alterations, já anunciando os novos horizontes pretendidos por Fausto e Nacho com o The Riffbakers pós-The Winnerys. E eis que surge o riff invocado de “Now It’s Fine” injetando adrenalina e pacificando expectativas com a batida envolvente. O forte piano se une ao brilhante dedilhado de guitarra na climática, à la Raspberries, “Do It Again”. Já a batida ‘countryada’ e empolgante de “You’d Do Anything” ainda recebe tratamento especial de um órgão onipresente.

Melódica, ganchuda e energética, a incrível “Sometimes” antecede a ritmada de refrão adesivo “Step By Step”. As reminiscências da infância de Martin aparecem na power-ballad-psicodélica “Rainbow Lane” e, a pegada rocker, domina na irônica e ácida “Stupid Rock Stars Dream”. “Under My Spell” se apresenta macia e animada, em ambiência acústica ao melhor estilo Paul McCartney – não à toa o baixo aqui é um Hofner.

A canção-título soa clássica e vigorosa enquanto a balada acústica “After All These Years” acaricia os ouvidos, como costumava bem fazer o velho Macca. O rock’n’roll “Make Youself At Home” fecha o disco com solo de guitarra cortesia de Otavio Vinck
E se era o passado de Fausto Martin e Nacho Garcia que forçava as altas expectativas, agora é o futuro que se abre aos Riffbackers, porque, neste recomeço, as coisas certamente já mudaram.

http://www.myspace.com/theriffbackers

"Sparks On The Tarmac": D. ROGERS!

2010-04-19T22:31:00.000-03:00

Talvez o som descompassado, rápido e solitário da chuva encontrando os vidros da janela nos traga de volta para nós mesmos. Talvez a paisagem enegrecida por nuvens baixas e carregadas de reflexões nos deixe sensivelmente disponíveis a nos perguntar: é isso que queremos? Talvez as lágrimas que despencam dos céus em torrentes impiedosas nos encolha no escuro aconchego do quarto. Ou nos descubra dispostos a dar mais um passo em direção ao brilho reconfortante do sol.

Talvez o som compassado, lento e bonito de Sparks On The Tarmac nos encontrando, diga mais sobre nossos desejos e sofrimentos – porque são essas as canções que queremos. São essas as canções que o cantor-compositor e produtor australiano D. Rogers talhou para nosso deleite em seu terceiro álbum. Folk pop preparado com extrema sensibilidade e amparado por uma profusão de instrumentos, em arranjos que embelezam a simplicidade das canções.

“Poison Pen” abre o disco em clima de reflexão, sobre a base acústica de violões e alguns interlúdios com vibrafones e teclados que soam como flautas. A ambiência delicada de “Worst Of Your Mind” recebe o adorno generoso de violinos e “To England” remete às singelas canções de Paul McCartney nos Beatles, com seu macio dedilhado e a leve batida na caixa sem esteira. A bela e triste “First To Know” tem os clarinetes de Adrian Whitehead, enquanto a linda melodia de “Firing Line” é afagada com carinho pelos violinos de Fi Claus.

A adorável “Knocked Down The House” explora a veia pop de Rogers e simula jogos de metais; já “Away From The Microphones” anima o ambiente com um country pop contagiante. Fecha o álbum, durando pouco mais de um minuto, a belíssima e emotiva ‘voz-e-violão’ “How Unfortunate...”. Tempo suficiente para descobrirmos que, enquanto olhávamos para dentro, lá fora o sol pintou o céu novamente de azul.

www.drogers.com.au
www.myspace.com/drogersmusic

"Identity Theft": BABY SCREAM!

2010-04-07T21:29:00.002-03:00

O subir e descer constante de aeronaves designadas apenas por números a cumprir horários não pode contar as histórias de quem elas transportam. Destinos que se cruzam em segundos e desaparecem em rumos desconhecidos nos corredores imensos de qualquer aeroporto internacional. E é entre Buenos Aires, Los Angeles, Londres – ou mesmo Dortmund – que o argentino Juan Pablo Mazzola conta as suas histórias e registra seus caminhos e descaminhos em inspiradas canções sob o nome Baby Scream.

Depois do sensacional álbum de 2008 Ups and Downs, Mazzola retorna com este EP gravado entre Los Angeles e Buenos Aires, abordando climas menos ensolarados que no seu antecessor. Talvez fosse hora de olhar para dentro e saber que as idas e vindas anônimas podem interessar a muita gente. E aqui, de alguma forma, a aproximação de Juan com seu ídolo John Lennon apareceu mais cristalina. Identity Theft traz sete faixas em pouco mais de 17 minutos.

A acústica e reflexiva “Be” abre o disco com os vocais doces porém doídos de Juan, com sintetizador e os backings vocals cúmplices de Muddy Stardust. Levada de valsa para “Dead Woman Walking”, onde Mazzola pode falar de si no timbre de Lennon. A bela e triste “Nicole” equaliza percussão e os teclados para o tom confessional fluir sereno. “Memories” traz um mandolin que parece duelar com um som de cítara simulado, levados pela linha do baixo marcante de Stardust.

A rascante “Underground Blues” distorce a voz de Juan Pablo e não dura sequer um minuto e meio. A tropical e macia “Ojos Orientales” é composição do argentino Rinaldo Rafanelli – que aqui aparece manejando baixo, guitarra doze cordas e backing vocals. Fecha o mini-álbum a versão para “Mucho Mungo/Mt. Elga”, parceria de John Lennon e Harry Nilsson. Não importa se as canções de Juan Pablo Mazzola nascem em frios saguões de aeroportos ou sobre retalhos verdes de alguma nação a 10 mil metros de altura. Elas sempre vão nos levar pra algum lugar íntimo e muito, muito familiar.

www.babyscream.com
www.myspace.com/babyscream

Da Série Clássicos: "Big Money Item" - THE GREENBERRY WOODS!

2010-03-30T20:15:00.003-03:00

Por Daniel Arêas

Ainda perdura, por parte de um certo contingente de fãs de música, uma compreensão totalmente distorcida do que signifique o termo “pop”. Expostas durante anos ao lixo pasteurizado que impregna as rádios, para essas pessoas pop é sinônimo de um tipo de música medíocre, descartável, pré-fabricada segundo uma fórmula que visa única e exclusivamente o sucesso comercial. Seguindo essa linha de raciocínio, fazer pop torna-se menos uma questão de aptidão, talento, do que meramente de opção, esta guiada por intenções comerciais, mercadológicas.

Evidentemente isso é um grande equívoco. Fazer música pop (power ou de qualquer outro tipo) de qualidade, que torne nossos dias mais felizes, que renove nossos ânimos, que nos transmita uma sensação de bem-estar, é um dom com que pouquíssimos são agraciados. A tal “veia pop” existe, sim. Com absoluta certeza os membros da banda americana The Greenberry Woods possuíam esse dom, e seu segundo e derradeiro álbum, Big Money Item, é o 7º. disco da Série Clássicos do Power Pop Station.

A curta trajetória do Greenberry Woods é semelhante às de inúmeras outras bandas nas quais a reunião de vários talentos, paradoxalmente, se torna mais uma fonte de problemas do que de soluções. Os vocalistas/guitarristas Matt Huseman e Ira Katz formaram a banda em 1989 na Universidade de Maryland, onde se conheceram. Com o line up completado por Brandt Huseman (irmão gêmeo de Matt) no baixo e Miles Rosen na bateria, a banda mudou-se para Baltimore, e em 1993 assinaram com a Sire Records. Em 1994 foi lançado seu álbum de estréia, o clássico Rapple Dapple. Com o single “Trampoline” alcançando uma significativa execução nas rádios, àquela altura o destino do Greenberry Woods parecia não ser outro que não o sucesso.

Alguns percalços, porém, impediram que isso se concretizasse. Além das pressões da gravadora pela gravação de um imediato sucessor para Rapple Dapple, dentro da banda as relações começavam a se deteriorar, com a dedicação cada vez maior dos irmãos Huseman ao seu projeto paralelo Splitsville (através do qual, anos mais tarde, lançariam o não menos fundamental The Complete Pet Soul). Foi nesse ambiente de tensão que foi gravado o segundo e último disco da banda, Big Money Item, lançado em 1995.

Sobre Big Money Item, é suficiente dizer que se trata de uma obra-prima (power) pop. Não há outra forma de defini-lo. Não soa, nem de longe, como um disco de uma banda se desintegrando ou perdendo o foco (como seria de se esperar). Pelo contrário, captura uma banda tremendamente talentosa num momento de auge criativo, fazendo pop segundo os preceitos sagrados de alguns dos maiores expoentes do gênero, alguns clássicos (Beatles, Badfinger, Big Star, Beach Boys), outros contemporâneos (Matthew Sweet, Posies, Jellyfish).

Não é nem mesmo simples, dentre suas 18 canções, citar uma em especial, ou mesmo algumas, na medida em que não há um único ponto baixo no disco; cada uma das faixas parece ter como intenção se igualar ou mesmo superar a anterior em qualidade. Big Money Item é uma profusão de irresistíveis melodias, letras impregnadas de emoção, ganchos dos quais é melhor nem tentar se desvencilhar, lindas harmonias, poderosos refrões que o ouvinte estará assobiando ou cantarolando – mesmo sem perceber – um bom tempo depois de ouvi-los.

Em 1996 a banda se separou em definitivo, quando a Sire Records liberou-a de seu contrato. Mas a música permanece mais vívida do que nunca; uma única audição de Big Money Item é suficiente para comprovar isso. Aqueles que buscam música pop de qualidade, compreendem seu significado e sabem do seu poder transformador, encontrarão em Big Money Item um perfeito antídoto para aqueles dias difíceis que volta e meia a vida nos reserva.

"Pillowsky": AMERICAN SUITCASE!

2010-03-18T19:02:00.002-03:00

Interferir no seu meio-ambiente é uma vocação inata do ser humano. Que vem se especializando em alterar o que está a sua volta para sua conveniência e bem-estar. E em tempos de “mudanças climáticas”, “aquecimento global” e “desenvolvimento sustentável” eis que noruegueses sugerem uma alteração de clima utilizando apenas ondas sonoras. Não estamos falando de cientistas vencedores do prêmio Nobel, mas de artesãos da canção pop perfeita.

Egil Braekken e Anders Vinnogg querem repetir a experiência de trazer mais sol, luz e calor para gélida terra dos fiordes. Ecos herdados do jingle-jangle californiano brilhando sob o céu da Noruega e aquecendo as paisagens nevadas. Harmonias vocais angelicais sopradas desde a costa oeste americana amenizando o vento frio e cortante da Escandinávia. E o beat sessentista colorindo e descongelando o ânimo invernal.

Pillowsky levou seis longos anos para suceder Summerman na discografia do American Suitcase. Mas deixa a volta dos noruegueses de Oslo luminosa como uma manhã de verão. As influências maiores se repetem, indo de Teenage Fanclub a Byrds, e a independência em nenhum momento limita a qualidade de produção do álbum. O quarto disco do grupo vem recheado de sonoridades límpidas, abençoadas pelas mágicas Rickenbakers e pela maestria de Braekken e Vinnogg.

“Franny” viaja além da atmosfera com sua força psicodélica logo na abertura de Pillowsky. O dedilhado jangle já encanta no início de “Christmas Blues #2” e ganha acento americano com uma pedal steel guitar pontuando. “Miles Apart” e “Pink Shirt” trazem vigor e doçura melódica em doses iguais, enquanto os vocais harmônicos só realçam a beleza desconcertante de “You”. A empolgante “Star(s)” é um power pop perfeito; “Miss Mann” emociona nas harmonizações vocais; e “Harry Dunne” contagia na batida de Alexander Lindback e no seu belo refrão.

Climas de raiz e emocionais se fundem sob o manto de um órgão, até encontrarem os ‘papapas’ de sotaque bossa nova em “Seen It Before”. A adorável “Green Grass” capricha nos dedilhados de Rickenbacker e na melodia adesiva. A canção título traz Birgitte Solberg para um dueto vocal com Egil, e se revela um indie pop radiofônico. E a beleza de “Close” ganha contornos épicos na potência das guitarras que fecham “Pillowcloud”.
A Noruega está mais brilhante, aquecida e receptiva. Nossos corações também.

http://www.americansuitcase.com/
www.myspace.com/americansuitcase

"Pale Morning": DESERTERS!

2010-03-11T21:47:00.002-03:00

Já nos é conhecida a força e exuberância do rock australiano, que recebeu sua herança diretamente da fonte original britânica. Nobre descendência impressa no DNA aussie e que foi reforçada pela importante influência cultural norte-americana das últimas décadas. Então, aqui não se trata de aprender com os mestres; trata-se de carregar na veia o sangue deles. E é dessa linhagem que pertence o cantor-compositor e líder dos Deserters, Luke Thomas.

Pale Morning é o terceiro álbum do projeto de Thomas – que também toca no The Picures e The Ronson Hangup – e, entre outros, conta com frontman dos Wellingtons Zac Anthony na bateria e backing vocals. O disco traz a grandiosidade do rock clássico, aqui condensada e refrescada por agradáveis melodias pop. Thomas é um cuidadoso produtor e assegurou-se de que o álbum soasse consistente, mas não pretensioso. Que os arranjos exalassem beleza sem arrogância e que as cordas adornassem sem grandiloqüência orquestral.

As influências em Pale Morning voam de Beatles a Wilco, de Neil Finn a Teenage Fanclub; mas o que serve de profunda referência é o amor de Luke pelo rock melódico e atemporal, pelas canções bem talhadas e afeitas à emoção. Como na faixa de abertura “Waking Birds”, que coloca lado a lado uma steel guitar e um cello. “Take It As It Comes” vem com força na pegada pop do seu refrão, no que é o primeiro single do álbum. Beleza melódica adornada por um órgão dá tons emocionais a “I Think It’s Alright”, enquanto os contornos épicos da faixa título traz certa carga de dramaticidade.

A grandiosa e ao mesmo tempo grudenta “Race Me Home”, nos presenteia com bonitos acordes e climas oníricos recriados nos teclados. Já “Looking My Way” é sensível balada acústica adornada por jogos de cordas. “Life Goes On” contagia na sua pegada jingle-jangle e tramas melódicas que remetem aos escoceses do Teenage Fanclub. E “Valerian (Goodnight)” encerra o álbum transpirando – pelas mãos de Luke Thomas - o legado do rock clássico com intensidade, competência e paixão.

www.myspace.com/desertersband

"Get Up And Run": THE RECKLESS HEARTS!

2010-03-04T21:55:00.001-03:00

O rock nunca foi bom em assumir papeis sérios, apesar de vira-e-mexe alguém tentar impor-lhe protagonismo em causas sócio-políticas e, mais recentemente, até ambientais. Rock rima com os excessos da juventude, a inconsequência dos imberbes, a urgência dos rebeldes sem causa. Guitarras impacientes duelando com batidas nervosas, como carros velozes nas ruas da cidade grande. Rock combina com diversão e é isso que o quarteto de Milwaukee The Reckless Hearts oferece em Get Up And Run, seu álbum debute.

E se os ‘corações imprudentes’ estão preocupados em correr atrás de garotas queimando borracha de pneu no asfalto quente, também não se esquecem de adicionar à sua energia primária uma boa dose de doçura pop. Eles admitem: querem soar como as usinas de força The Who ou Buzzcocks amaciadas pelas harmonias do Records ou Teenage Fanclub. Então, senhores, os garotos do Wisconsin Thomas Calkins, Ian Lund, Jered Piencikowski e Joel Kopp estão nos domínios do power pop.

Avalanche de guitarras e batidas nervosas desce a encosta escoltada por ganchos melódicos logo na abertura do disco em “Personal Property”. “Yer Blur” adoça nas harmonias e melodias vocais sem falhar na potência instrumental. A candidata a hit “Reckless Heart” é envolvente, energética e direta em seus 1:35m de duração. “Two Runaways” capricha nos vocais harmônicos e guitarras contundentes, enquanto “Memory Lane” procura sem pudores a perfeição pop.

A melodia autocolante de “Don’t Wander (Far From Me)” antecede a power-ballad “Before The Summer Is Gone”; enquanto a pegada furiosa e juvenil de “Kick Down The Doors” contrasta com a batida pop e agradável de “Perfectly Fine”. A bonita e pequena instrumental, na melhor escola Brian Wilson, “Outro” fecha Get Up And Run, mostrando que esses corações podem ser imprudentes, porém, nada insensíveis.

www.therecklesshearts.com
www.myspace.com/therecklessheartsmke

"Evidence": BARNETT-GURLEY!

2010-03-01T00:03:00.003-03:00

Do coração da América brotam os violões de Mike Barnett e Dennis Gurley, vindos do Missouri, a fronteira final para o Velho Oeste. Mas os experimentados músicos unem forças para reverberar sua mescla de folk rock, americana e pop sessentista. E o resultado da alquimia entre o Barnett e Gurley brilha muito além das fronteiras do meio-oeste americano.

Contando com a ajuda de diversos amigos para a gravação de Evidence, a dupla oferece um álbum recheado de canções inspiradas na melhor tradição americana de violões, gaitas e slide guitars. E reza para Tom Petty, Jayhawks, Byrds, Neil Young e Beatles. Abre o álbum a reflexiva e macia “Elusive Smile”, climatizada por um órgão onipresente, enquanto “Need Little A Sunhine” já mostra a graduação de Barnett e Gurley na arte do jangle.

A envolvente “She’s A Mystery” aparece aqui na versão de Mike, caprichando nas harmonias vocais e nas espetadas providenciais da gaita. “Jingle Jangle”, além das guitarras 12 cordas para justificar o título, traz melodia contagiante, harmonias vocais angelicais e uma belíssima gaita. Batida marcial e vocal à la Tom Petty em “I Sat Me Down” e sons de Rickenbaker e refrão pop para “Hard Thing To Do”.

A eloquência sincera de “A Little At A Time” remete à força crua de Neil Young e a beleza doída aparece na balada acústica “You Saved Me”. Mais uma ode ao carisma pop do jingle jangle na adorável “Somebody Else” e a versão de Dennis para “She’s A Mystery” encerra Evidence. A prova que no mundo pós-moderno ainda há espaço para a sensibilidade orgânica e sincera da música tradicional americana.

www.myspace.com/barnettandgurley

Power Pop: The Early Years - BLUE!

2010-02-25T21:45:00.004-03:00

Por Daniel Arêas

O Blue foi formado em 1973 na cidade escocesa de Glasgow (de onde, décadas depois, viriam bandas extraordinárias como Teenage Fanclub, Cosmic Rough Riders e Primary 5), por Timmy Donald (bateria e vocais), Ian MacMillan (baixo, guitarra, vocais) e Hugh Nicholson (guitarra, teclados e vocais). Naquele mesmo ano a banda assinou contrato com o selo RSO Records e lançou seu álbum de estréia, homônimo.

Blue (o disco) é hoje considerado um clássico do power pop, e não são poucos os que o vêem como uma real obra-prima. As influências de Raspberries, Badfinger, Beatles, dos primeiros discos dos Bee Gees e da carreira-solo de Paul McCartney são as bases de um disco que mescla rocks vigorosos (“Look Around”, “Sitting on a Fence”, “Little Jody”) com baladas arrebatadoras, que exalam beleza e melancolia nas mesmas proporções (“Red Light Song”, “Sunset Regret”, “Timi’s Black Arrow”, “The Way Things Are”). Citar uma única canção não é tarefa fácil, mas é impossível ficar alheio ao se ouvir “I Wish I Could Fly”, possivelmente uma das mais belas – e tristes – baladas já escritas. Infelizmente, a impossibilidade de divulgar o disco adequadamente fez com que suas vendagens fossem decepcionantes.

A banda se mudou então para Los Angeles, onde adicionou o guitarrista Robert “Smiggy” Smith à sua formação e lançou seu segundo disco, Life in the Navy (1974), novamente pela RSO Records. Nele, canções como “Sweet Memories”, “Lonesome” e “Sun Sunday” mostram uma aproximação com o country rock de artistas como Gram Parsons, Neil Young e C,S&N, mas o power pop e as baladas emotivas características do disco anterior aparecem em “Atlantic Ocean”, “Love”, “Max Bygraves” e “You Give Me Love”.

No entanto, a saída de Smith da banda prejudicou a divulgação do disco, que acabou não tendo a vendagem esperada, tal como seu antecessor. Após isso, uma nova formação do Blue emergiu de várias sessões realizadas no programa de John Peel, na Radio 1 da BBC de Londres: entraram na banda David Nicholson (irmão de Hugh) e Charlie Smith (em substituição a Timmy Donald). Foi com esse line up que a banda assinou contrato com o selo Rocket Records de Elton John e lançou Another Time Flight Night, em 1977.

Another Time Flight Night (que teve co-produção de Elton John) marcou uma guinada, em termos musicais e comerciais, na carreira do Blue. É na verdade um disco de soft e pop rock setentista, à maneira de Paul McCartney, George Harrison e do próprio Elton John. Nele pode-se constatar que o talento pop da banda permanecia intacto: entre vários bons momentos, estava a irresistível “Capture Your Heart”, única canção do Blue a conseguir uma posição no Top 40 das paradas de singles americana e britânica. Fools Party (1979) viria em seguida, seguindo a mesma sonoridade de seu antecessor, mas foi o último disco da banda nos anos 70.

A rigor, o Blue jamais terminou – há registros do lançamento de dois álbuns de inéditas em 1999 (The L.A. Sessions, contendo canções gravadas pela banda entre 1979 e 1982, e Country Blue) e uma coletânea, 20, todos eles pelo selo The Record Label. Se de fato a banda não voltaria a alcançar o patamar de qualidade de Blue, também é verdade que ela continuou lançando bons discos depois. Sendo o power pop um estilo repleto de artistas e bandas que só obtém o devido reconhecimento com anos de atraso, urge redescobrir e recuperar a obra do Blue, em especial o seu seminal álbum de estréia, com inteira justiça incluído na lista Shake Some Action de John Borack.

"The Smiles And Frowns": THE SMILES AND FROWNS!

2010-02-22T00:04:00.002-03:00

Quando a luz solar alcança a beleza árida e inóspita da Lua, mescla seu dourado incandescente ao prateado gélido do terreno. Ilumina o solo arenoso, mas não consegue pintar de azul o céu lunar. Uma beleza estranha, plácida e surda. Uma calmaria assustadora e contemplativa. Uma paisagem que inspira medos primitivos e sonhos de ficção científica. Assim como o Smiles And Frowns pode desenhar no rosto sorrisos ou carrancas; ser uma tarde de verão tropical ou uma noite de inverno polar.

Adam Mattson e Christopher James juntam em seu álbum de estreia suas afinidades musicais e preparam uma receita sônica com elementos do folk, pop psicodélico, experimentações e efeitos sonoros. Direto do Arizona o duo trabalha no próprio estúdio e lança o primeiro disco pelo seu selo The Peppermint Hill. The Smiles And Frowns, o álbum, é uma sinergia de eras, com sonoridades antigas, instrumentos vintage e efeitos de estúdio modernos formatando sensíveis canções.

A profunda e reflexiva beleza de “Sam” abre o disco, baseada apenas em um solitário banjo e alguns ecos de órgão soprando a cortina do seu quarto escuro. A macia “Cornelius” parece captada de ondas de rádio emitidas há décadas atrás. Gaita, batida de piano e vocal gentil para a singela “The Memory Man”. Como uma peça de fantoches em um teatro fantasma, a atmosfera e o piano de “Huevos Rancheros” e a instrumental, em ritmo de valsa “March Of The Phantom Faces”, assombram.

A balada “Mechanical Songs” flutua pelo espaço sideral e, lá de cima, enxerga a Terra em algum momento dos anos setenta. E, a belíssima “Echoes Of Time”, resume o choque de sentimentos em Smiles And Frowns, com melodias bonitas e tristes em ambiências que hora confortam, hora assustam. Algo assim como o sol brilhando no profundo e negro firmamento lunar.

www.thesmilesandfrowns.com
www.myspace.com/thesmilesandfrowns

"Untitled": DAVID GRAHAME!

2010-02-18T10:28:00.002-02:00

Um artesão precisa de talento, técnica e dedicação. Ter observado com atenção seus mestres, absorvendo o segredo de cada entalhe. E dar às suas obras a capacidade de provocar sentimentos e sensações naqueles que são expostos a ela. David Grahame é artesão da canção pop perfeita. Aprendeu a arte com os mestres maiores – os Beatles – e forjou um acervo de canções admiráveis. O americano baseado em Los Angeles, conduz o seu ofício sozinho e prepara suas canções em processo quase artesanal.

Para quem não conhece David Grahame, podemos apresentar: é o homem que faz as canções que Paul McCartney deveria estar fazendo. O próprio David acha loucura comparar seu talento ao de Paul, mas de fato suas canções lembram muito às de Macca em seus bons tempos – de Beatles e primeiros anos de carreira solo. Mas apesar do fino trato na composição de canções pop, Grahame só chegou às paradas de sucesso uma vez, mas pelas mãos de outros: ele é co-autor do hit do Mr. Big “To Be With You”, que chegou ao número um na Billboard.

Voltando ao presente, Untitled é seu novo álbum de inéditas. Com um conceito pouco usual para discos pop, o trabalho – além de não ter título – traz duas grandes faixas. Divididas em Side A e Side B as faixas são na verdade um conjunto de várias pequenas vinhetas e canções (também sem nome). O “Lado A” traz 10 e o “B”, 18. E, logo na faixa três, encontramos David interpretando a canção mais tocada de todos os tempos e, de certa forma, emblemática para a carreira do artista, já que encarna sua referência maior: “Yesterday”.

Em meio às 28 músicas e interlúdios, brilham diversas pérolas que poderiam figurar em qualquer álbum de Paul McCartney. Sensibilidade melódica extrema e senso pop apuradíssimo se mantêm em Untitled, confirmando o estadunidense como um dos músicos preferidos de power poppers de todo o mundo. Canções servidas como pequenas pílulas, mas que no final saciam nossa necessidade por belas melodias e harmonias – enquanto não sai a nova coleção de gemas do ateliê de Mr.David Grahame.

www.davidgrahame.com

"Killin' For A Livin': 1220!

2010-02-08T00:19:00.001-02:00

O título já sugere que os rapazes de Knoxville não estão pra brincadeira. Com a faca entre os dentes e o vermelho-sangue tingindo a capa do seu segundo álbum, o 1220 não quer perder um microvolt que seja da energia de sua juventude. Nem deixar de evoluir e incorporar novas referências à sua usina sonora. Se os restos de antigas influências – Led Zeppelin e T. Rex - ainda ecoam, a audição de Cheap Trick e The Knack refinaram o som dos americanos.

Formado em 20 de Dezembro (de 2000) – daí o nome da banda – o quinteto do Tennessee deixou a cargo de Don Coffey Jr, membro dos heróis locais do Superdrag, a gravação, mixagem e produção de Killin’ For A Livin’. E, claro, a sonoridade da banda de Coffey Jr. também acabou como influência no resultado final do álbum. Aqui a crueza do rock’ n’ roll visceral se encontra com as harmonias e melodias bem talhadas do power pop, em faixas cuja feitura se revezam entre três compositores – Gibson, Cover e Dover Jr.

O riff rocker de “Local Girls” já chega incendiando as caixas de som, para logo dar espaço ao refrão adesivo cheio de harmonias vocais. Jacob Gibson entrega sua voz juvenil com paixão na ultra-envolvente “Get It Out (Kimmy)”. O pop poderoso cheio de guitarras afiadas e melodia adesiva “The Motor Mile” vem em seguida, mostrando que o 1220 quer ir muito além de Knoxville. “So Far” cadencia o ritmo, realça o baixo de Michael Cover e dá brilho às guitarras de Ricky Dover Jr e Nick Kurtz.

“Feel Young” mostra força e equilíbrio na equação rock+pop enquanto “Just Wait” cativa com sua batida esperta, harmonizações vocais e refrão autocolante. “By The Sea” mescla momentos de maciez à la Brian Wilson/Burt Bacharach com rompantes de alta intensidade.
“Melody Rain” é power-ballad dissolvida num solo de guitarra final e a invocada e vigorosa “Xenobia” fecha Killin’ For A Livin’. Que poderia se chamar Livin’ For A Playin’ ou Playin’ For A Livin’, tanto faz para a gana roqueira da garotada do 1220.

www.myspace.com/knoxvilles1220

Da Série Clássicos: "Cloud Eleven" - CLOUD ELEVEN!

2010-01-31T23:24:00.002-02:00

Por Daniel Arêas

Embora não se saiba com exatidão sua origem, a expressão “estar na Nuvem Nove (Cloud Nine)” significa atingir um estado de êxtase, de felicidade absoluta. Mas o que então significaria alcançar dois níveis acima? Despertar os sentimentos e sensações que isso possa significar parece ser o objetivo da banda americana Cloud Eleven; portanto, ouvir seu fenomenal disco homônimo de estréia, o 6º. da Série Clássicos do Power Pop Station, pode fornecer as respostas.

O Cloud Eleven é essencialmente Rick Gallego, músico/compositor/produtor/arranjador radicado em Los Angeles, Califórnia. Com uma formação musical que incluía nomes como Beatles e Beach Boys, iniciou sua carreira no fim dos anos 70, tocando em várias bandas cover. No fim dos anos 80 Gallego mudou-se para Los Angeles, inicialmente pretendendo estabelecer-se como compositor de canções R&B para outros artistas.

Mas pouco tempo depois ele voltaria para sua verdadeira vocação: o pop. Gravou uma série de demos em uma mesa de gravação de oito canais, cantando e tocando todos os instrumentos. Estas demos eventualmente seriam reunidas em 1996 num álbum intitulado Demolicious, que rendeu a Gallego um contrato com o legendário selo californiano Del-Fi Records. Adotando o nome Cloud Eleven, lançou em 1999 um álbum homônimo, para o qual compôs todas as músicas (à exceção de uma) e tocou todos os instrumentos, menos a bateria, que ficou a cargo de Greg Schroeder.

Uma única audição de Cloud Eleven (o disco) é suficiente para se ter certeza que Gallego escolheu o rumo certo para sua carreira. Seu trabalho se alinha perfeitamente entre os realizados pelos nomes mais importantes do power pop da atualidade, mas suas composições também revelam uma profunda influência do pop psicodélico que teve seu apogeu durante a segunda metade dos anos 60. O resultado é um soberbo disco, que soa moderno ao mesmo tempo em que se mantém fiel às suas referências musicais, vindas de décadas anteriores.

Canções como “Tokyo Aquarium”, “Take Control” e “Superfine” – que compõem a ótima sequência inicial do disco – injetam no power pop contemporâneo (de artistas como Matthew Sweet, Posies, Teenage Fanclub) harmonias e sobreposições de vocais que evocam Zombies e Beach Boys (fase Pet Sounds). A bela “Rainbow Station” é reminiscente de álbuns clássicos como Magical Mystery Tour e Odessey & Oracle. Tão bonita quanto a anterior, “Spiral (Come Way Down)” é o ponto em que o Teenage Fanclub e os Byrds (em sua fase psicodélica) se encontram e convivem harmoniosamente.

Rick Gallego explicita outra importante influência para o álbum – o grande The Left Banke - em “Look Of Sky”, cuja letra é uma colagem de títulos e trechos de canções de Michael Brown, principal compositor da banda novaiorquina de sunshine pop e pop psicodélico dos anos 60. Já “Didn’t Wanna Have To Do It” deixa claro que a Califórnia é bem mais do que apenas o local onde Rick Gallego se radicou. É uma bela cover de uma canção do Lovin’ Spoonful, banda novaiorquina que durante a segunda metade dos anos 60 praticava um folk-rock de tinturas psicodélicas, na mesma linha de várias bandas da Costa Oeste americana.

Revolver ou Rubber Soul são boas referências para se descrever “Hole” (e aqui o timbre de voz de Gallego lembra muito o de John Lennon). Violão, suaves harmonias vocais e a voz de Gallego introduzem a irresistível melodia de “Wish I”; quando as guitarras e a bateria entram com o explosivo refrão, o ouvinte já está definitivamente conquistado. Por fim, Rick Gallego e o seu Cloud Eleven se despedem com a sensacional “Sun Arise”, uma daquelas canções que deveriam ser ouvidas todas as manhãs, com sua mensagem otimista que nos conclama a “ver o sol nascer e trazer outro dia”.

Doze grandes canções e pouco mais de 40 minutos depois, o ouvinte já tem as respostas para as indagações iniciais. Chegar ao Cloud Eleven (disco e banda) significa experimentar aqueles prazeres e emoções que só a música em geral – e o power pop em particular – podem proporcionar.

TOP 100 ÁLBUNS & TOP 10 EPS 2009

2010-01-28T09:52:00.003-02:00

1. Learning Love - BOBBY EMMETT
2. Jupiter Optimus Maximus – THE TOMORROWS
3. Makes Your Ears Smile – THE CAMPBELL STOKES SUNSHINE RECORDER
4. Eager To Please – THE LEFTOVERS
5. Luck – WIRETREE
6. Glass Half Full – DAVID BROOKINGS
7. Secret Powers And The Electric Family Choir – SECRET POWERS
8. Happenings And Other Things – RENO BO
9. Give Me A Look – MARK & THE SPIES
10. In Season – THE TANGERINES

11. Throwback Suburbia – THROWBACK SUBURBIA
12. Dead Air Radio – THE BEAT SEEKERS
13. Change Your Skin... Wash Your Heart – ARMCHAIR ORACLES
14. Desayuno De Campeones – RUBIN Y LOS SUBTITULADOS
15. Killin’ For A Livin’ – 1220
16. Aeropuerto – COOPER
17. I Hate Girls – PARALLAX PROJECT
18. Abelay Hotel – DROPKICK
19. More Help For Your Nerves – ROGER KLUG
20. Confessions Of A College Student – LAMAR HOLLEY

21. Man Overboard – J.P. CREAGAN
22. On The Up Side – THE HUMBUGS
23. Pillowsky – AMERICAN SUITCASE
24. Sad Songs Of The Summer – CHRIS RICHARDS AND THE SUBTRACTIONS
25. The Curtain Shop And Alterations – THE RIFFBACKERS
26. The Kavanghs – THE KAVANAGHS
27. Land – VINYL CANDY
28. Unpublished- TONY COX
29. Postscript – JEFF LITMAN
30. Keeps You Up When You’re Down – THE PERMS

31. Untitled – DAVID GRAHAME
32. How To Choose A Sweetheart – PETER & THE PENGUINS
33. Brooklyn Is Love – CREAKY BOARDS
34. Ghost, She Said – DELETED WAVEFORM GATHERINGS
35. Redemption # 39 – MICHAEL CARPENTER
36. Speaking Like An Elephant – CHEAP STAR
37. Lift You Up – LEWIS WILSON
38. So Long – THE WEBSTIRS
39. Vegas With Randolph – VEGAS WITH RANDOLPH
40. What A Lovely Surprise To Wake Up Here – CURTAINS FOR YOU

41. Evidence – BARNETT - GURLEY
42. Time Is A Wound – THE BRIGADIER
43. Playing Catchup – MARK CRONK
44. Safe & Sorry – WONDERWHEEL
45. Geronimo – FIRST IN SPACE
46. Where You Are – KYLE VINCENT
47. The Smiles & Frowns – THE SMILES AND FROWNS
48. House to House – THE TRIPWIRES
49. Transition – EVAN HILLHOUSE
50. The Seven Seas – ELEPHANT STONE

51. Beginners Luck – RIPCHORD
52. Universal Malcontents – OUTRAGEOUS CHERRY
53. Social Crutch – DIPSOMANIACS
54. The Madd Are Pretty Quick – THE MADD
55. Silent Revolution – LA FLEUR FATALE
56. Rumor 2 – RUMOR
57. Journey To The Center Of The Heart – JEREMY
58. All Haunt’s Sound – THE ALICE ROSE
59. Yeti Boobox – MAPLEWOOD
60. Shifting Sands – THE SUNCHYMES

61. Home Alone – ANY VERSION OF ME
62. Beat Songs – THE ANYDAYS
63. Wow & Flutter – THE TELEPHATIC BUTTERFLIES
64. In TheLate Bright - TOMMY KEENE
65. Solitary – PARASITES
66. Run & Hide – THE FORE
67. Semester At Sea – VALLEY LODGE
68. Is It True – THE PASSPORTS
69. Magic Circles – THE JUNE
70. Shaking Hands – SUINAGE

71. Try This At Home – CHRIS SWINNEY
72. Failing In Biology – SIMON FELTON
73. Floating Aimlessly – RUSSELL CRAWFORD
74. My Old, Familiar Friend – BRENDAN BENSON
75. Pale Morning - DESERTERS
76. Get Up And Run – THE RECKLESS HEARTS
77. Good Enough For You – FATE LIONS
78. Dust Of Rumour – MARC CARROLL
79. The Big Bongo Fiasco – GIDGETS GA GA
80. Goodnight, Bull Creek! – BOB EVANS

81. Telekinesis! – TELEKINESIS
82. Why Ramble? – SONS OF GREAT DANE
83. Sparks On The Tarmac – D.ROGERS
84. Disengage – SHANE LAMB
85. Flotando Alrededor – CHAMPAGNE
86. Ridin’ The Wave – LAURIE BIAGINI
87. Midnight Matinee – BRASS BED
88. How We Survive – GRAND ATLANTIC
89. New Adventures In Full Color – QUANT
90. Nashville Tracks – BRIAN JAY CLINE

91. Walkie Talkie – THE MONTGOMERYS
92. Heart Of The Valley – JEFF LARSON
93. Beautiful Dust – STEVE SIZEMORE GROUP
94. Capturing Clouds In A Bottle – MINSTER HILL
95. Easy Red – YOUR GRACIOUS HOST
96. Displayed In Reflections – BROADFIELD MARCHERS
97. Razzmatazz Orfeum – THE MOOG
98. Meteor – THE SHAZAM
99. Re-Ocurring Dream – JOHN SHAUGHNESSY
100. Beatlesque Too - ALAN BERNHOFT

TOP 10 EPS

1. Pete – GREG POPE
2. O My Stars – THE WEIGHTLIFTERS
3. Hear Here – THE SYRUPS
4. What We Are – BLUE SKY SECRET
5. A Fine Time – CHASE HAMBLIN
6. Three Kids – BANG 74
7. To The Rescue – THE OFFBEAT
8. Blue Whispers – THE GAMILONS
9. And Then Again – SHOUT WITH GRASS
10. Knackered – THE TEARAWAYS

"Journey To The Center Of The Heart": JEREMY!

2010-01-24T23:37:00.001-02:00

Sempre me pergunto até onde pode chegar a capacidade criativa de Jeremy Morris. Sua necessidade insaciável de expressão através da música impressiona. E mais ainda é de assombrar como o artista americano consegue trafegar por estilos musicais tão distintos. Em mais trinta anos de carreira, Jeremy lançou dezenas de álbuns, que passam pelo rock progressivo, guitarra instrumental, piano instrumental até o mais puro power pop. E não satisfeito, ainda comanda o selo Jam Records, direto de Portage, Michigan.

Mesmo depois de incontáveis discos e centenas e centenas de composições, Jeremy ainda consegue preparar canções empolgantes, cheias de ganchos melódicos e energia revigorante ou balada emocionais e sinceras. É isso, fundamentalmente, que oferece Journey To The Center Of The Heart. Que abre com ao rock psicodélico “Home” e engata em “Where There’s A Will There’s A Way” e seu refrão super-ultra-mega adesivo (a canção é homenagem ao promotor de shows, webmaster do IPO e grande amante e incentivador do power pop Wil Woodrowe, falecido em 2008).

As Rickenbakers brilham, as harmonias vocais voam e o vibrafone pontua em “Vanity Fare”. “Sweet, Sweet, Relief” conserva a capacidade emocional de Jeremy na confecção de melodias pop. A belíssima “Church Of Byrds” traz coral quase gospel mesclado ao jangle de uma Rickenbaker e, aí sim, remetendo ao homenageado do título. “No More Lies” dá sotaque bluesy enquanto a ganchuda “The Time Is Now” revela reminiscências de “My Sweet Lord” do mestre Harrison.

A triste e bonita balada ao piano “Sailing Homeward” confirma a sensibilidade intacta de Jeremy depois de todos esse anos. A adorável canção-de-ninar “Sleep Good” embala nossos sonhos até acordarmos ao som do próximo disco de Jeremy Morris.

www.myspace.com/jeremyamorris
http://www.jamrecordings.com/

"I Hate Girls": PARALLAX PROJECT!

2010-01-17T23:34:00.002-02:00

O que esperar de um sujeito que tocou em um dos maiores clássicos do power pop noventista? Michael Giblin era o baixista na obra-prima do Cherry Twister At Home With Cherry Twister, e ainda participou de álbuns da carreira solo do gênio Steve Ward. Assim, como um George Harrison, Giblin saiu da sombra de grandes compositores para provar que ele mesmo também o era. Formou o Parallax Project, no início dos anos ’00, e chega ao seu terceiro álbum com este I Hate Girls – produzido por Don Dixon (REM, Marshall Crenshaw e The Smithreens, entre outros) e com Eddie Muñoz, dos legendários Plimsouls, nas guitarras.

Gravado em apenas três sessões, o disco mostra a evolução de Giblin como compositor, além de revelar momento de alta inspiração. Artesanato pop de primeira grandeza talhando canções, que por vezes chegam a esbarrar na maestria do Cherry Twister. E claro, as influências do passado aparecem reprocessadas aqui e ali, como Squeeze, Faces, Elvis Costello, Kinks e os onipresentes Beatles. O americano da Pennsylvania atingiu seu ápice criativo com I Hate Girls.

Que começa com “All The Same” e seu riff power pop oitentista (encharcado na época pela new nave) cortesia de Eddie Muñoz, para logo desaguar no refrão adesivo e climatizado por um órgão - dando pinta de hit. A power-ballad “The Day After Tomorrow” tem vocação para ondas do rádio com sua adorável melodia e, a macia e doce “Easy”, poderia facilmente fazer parte da discografia do Cherry Twister. A canção-título é para ser celebrada na mesa do bar, ao lado de amigos, cerveja e muita ironia: “eu odeio garotas/ eu odeio os diamantes e as pérolas”.

“Watching The World Revolve Around You” é uma da mais bonitas baladas de 2009, com sua belíssima melodia emocional, seguindo ao violão até explodir em uma apoteótica passagem orquestral. Já a energética “Coming Around” chega ‘espalhando’ com um órgão invocado, enquanto a sessentista “You & Me” oferece um refrão memorável, mais uma vez digno de sua ex-banda. A cover dos Velvelettes “Needle In A Haystack” fecha o álbum.

Junto com I Hate Girls, o Parallax Project lançou o disco de covers Sleeping With The Enemy, que traz 11 clássicos em versões sensacionais, como “News At Tem” dos Vapors, “Telephone Line”, do ELO, “A Well Respect Man”, dos Kinks, “It’s Not True”, do Who, “Cindy Incidentally”, dos Faces, “Candy Says”, do Velvet Underground e “Liza Radley” do Jam. Imperdível.

www.parallaxproject.com
www.myspace.com/parallaxproject

"Happenings And Other Things": RENO BO!

2010-01-10T23:12:00.002-02:00

“Minha música favorita é a antiga”. Antiga, mas não velha; antiga, mas não antiquada; antiga, mas não datada. Antiga, porém clássica; antiga, porém atemporal. É isso que quer dizer a afirmação do novaiorquino radicado em Nashville Reno Bo. Cuja paixão passa pelo pop sessentista e alcança o rock setentista. Passa pelos artistas da Motown, Beatles e chega ao Big Star. É assim que soa seu álbum de estreia como artista solo (Bo é baixista do The Mooney Suzuzi e excursionou com Albert Hammond Jr, do Strokes) Happenings And Other Things.

Canções com sabor clássico, amparadas por uma produção consistente, que acaba por conceder uma ar contemporâneo à sonoridade. A intensa “There’s A Light” abre o disco mesclando algo do soul doído do Big Star e Stax Records com uma forte veia pop. “Higher Tonight” empolga na batida, capricha na energia das guitarras e cola a melodia na memória – o bom e velho power pop. Piano e órgão Hammond climatizam a poderosa “Off Your Back” até encontrar a power-ballad “Shine”.

Gaita e violão para a balada folk “Baby, You’re Not Feeling Me Tonight” e contundência rocker, com cadência bluesy, para “Sugar Suite Blues”. “Shake Me Up” agita e remete aos petardos rock dos primeiros discos do Oasis, com “How Does It Feel” mantendo a pegada na sequência. Se Tom Petty tocasse power pop, a memorável “Here Right Now” seria seu clássico. Outra com vocação para clássico é “You Don’t Know”, com sua perfeição pop sendo cortejada pela guitarra afiada de Bo e harmonizações vocais voando por toda parte.

E a beleza melódica, adornada por guitarras invocadas e jogos vocais bem cuidados em “I See Stars”, não esconde a admiração de Bo pelos escoceses do Teenage Fanclub. Com Happenings And Other Things descobrimos que a nossa música favorita é mesma que Reno Bo escuta. E faz.

www.renobo.com
www.myspace.com/renobo

"Learning Love": BOBBY EMMETT!

2010-01-03T23:38:00.002-02:00

Learning Love é sobre dor e prazer. É sobre tentativa e erro; estar no céu e no inferno; provar o doce e o amargo. Learning Love, de certa forma, mostra que os intervalos entre cair e levantar aumentam ou diminuem de acordo com a experiência que se acumula. E, se se está disposto ao amor, tem de se estar disposto igualmente aos seus momentos de sofrimento e felicidade. Mas Learning Love é também sobre melodias memoráveis e guitarras afiadas que ajudam a forjar algumas da melhores canções do ano.

Bobby Emmett vem de Detroit (onde esteve no The Sights e agora toca com Shooter Jennings) para impressionar com seu álbum solo de estreia. Em Learning Love Emmett não escondeu sua fixação pelas sonoridades setentistas, se esbaldando na utilização de instrumentos da época. O americano além de compor todas as faixas e produzir o disco, cantou e tocou guitarras, baixo, piano, órgão Hammond, mellotron e gaita, ente outros. Na gravação seguiu técnicas usadas por Kinks e Beatles.

O álbum é absolutamente independente – Emmett bancou sozinho processos de gravação, produção e prensagem dos discos – mas soa claro, encorpado e consistente como se houvesse uma grande gravadora por trás. As influências sonoras passam por Beatles e Big Star, Cheap Trick e Brendan Benson e, por vezes, soam muito próximas aos canadenses do Sloan – principalmente as composições de Jay Ferguson (que não por acaso participa do disco).

A guitarra matadora de “Queen Of Hearts” abre o disco como um rock setentista valvulado e invocado e já revelando o vocal dobrado de Emmett, que é ao mesmo tempo energético e amigável. A maestria melódica de Emett dá as caras na adesiva “Broken Hearted” e seu refrão talhado para os dials – nada democráticos - do rádio. A batida esperta, leve e ligeira de “She Can’t Be Mine” cativa de forma irremediável e a sensacional “Still Wanna Be With You” dá o golpe final e domina os sentidos com sua adorável melodia.

Assim como quem está no aprendizado do amor, e vai da tristeza à euforia com uma palavra, um telefonema ou um simples olhar, “Moving Ahn” se arrasta triste e linda para de repente explodir radiante num dos mais contagiantes refrãos do ano. A força rocker de guitarras distorcidas duelando com órgãos retrô e outro refrão m-e-m-o-r-á-v-e-l, são oferecidos generosamente em “Even Through You’re Mine Tonight”. Aqui melhor dar uma pausa para se recuperar do turbilhão de emoções causado por Learning Love. E respirar fundo para o que vem a seguir...

Gaita chorando, órgão dando o tom emocional e a voz de Emmett descendo dos céus a bordo da melodia mais triste e bonita do ano em “November”. “Never Waited So Long” vem com sua slide guitar, batidinha de piano e pinta de clássico eterno dos anos 70. “Love Is Real” desembarca densa e climática para desaguar no incrível e luminoso refrão, encerrando Learning Love. Um disco de amor às guitarras que cortejam melodias perfeitas; à canção clássica que sensibiliza com simplicidade; à ponte emocional – sem intermediários, atalhos ou atravessadores - entre o coração do artista e o coração do ouvinte. Provavelmente o disco do ano em 2009.

www.myspace.com/bobbyemmett

"Luck": WIRETREE!

2009-12-28T11:38:00.003-02:00

O homem é um ser de reminiscências. E uma canção pode ter o dom de acioná-las instantaneamente. Seja o prazer solitário de sentir a brisa fresca acariciar o rosto num fim de tarde nas melhores férias da sua vida ou a dor aguda e profunda quando sua maior paixão se vai sem nem olhar para trás. Mas o homem também é um ser de desejos. E uma canção pode torná-los reais, pelo menos enquanto soar. Sentidos que são tocados pela mágica inexplicável da montagem de notas, acordes, melodias e harmonias, da canção pop perfeita.

E é essa montagem que Kevin Peroni e seu Wiretree fazem com extrema destreza e sensibilidade, tornando Luck – segundo disco cheio do quarteto de Austin, Texas - um dos álbuns mais bonitos do ano. Aqui Peroni conseguiu refinar arranjos, evoluir melodicamente, aprofundar as ambiências emocionais e, ao mesmo tempo, tornar a sonoridade do Wiretree mais acessível. Mesmo considerando-se alguns ecos sessentistas no som da banda, Luck é um disco talhado para a modernidade. Não para os bailes de máscaras e aparências das pistas de dança, mas para o nosso interior despido e autêntico.

Não interessa quem você tem de ser ou representar lá fora. Luck apenas te traz de volta a seus pensamentos de ingênua pureza, sonhos inalcançáveis, ou mesmo as lembranças mais secretas. Assim “Across My Mind” vai chegando com seu violão macio, na sua batida de piano inspiradora e voz doce e confessional de Peroni – algo no clima do mestre Elliott Smith. Vibrafones soam como se viessem da canção de ninar mais adorável e pontuam a melodia celestial da emotiva e belíssima “Back In Town” – e pronto, seus desejos e reminiscências foram imediatamente acionados!

Batida marcial com leve riff rock’n’roll e o vocal angelical de Peroni fazem viajar em “Rail”. “Days Gone By” mescla clima onírico com atmosfera pop com tamanha maestria que me faz perguntar: aonde canções do Coldplay chegaram que esta não poderia chegar? Já a balada “Falling” é de beleza triste e cortante, e pode emocionar tanto quanto “Fake Plastic Trees” do Radiohead. “Information” vem com batida e melodia envolventes, enquanto “Satellite Song” poderia estar tranqüilamente no disco novo de Brendan Benson e ser celebrada mundo a fora.

A bela canção-título soa como clássico pop atemporal e a reflexiva e climática “Heart Of Hearts” encerra o álbum.
Luck é uma coleção de jóias pop de rara beleza, um painel revelando um artista inspirado, uma pílula recheada de boas sensações. Luck nos faz rir e chorar quando ninguém está olhando, quando queremos escutar somente a nós mesmos.

http://www.wiretreemusic.com/
http://www.myspace.com/wiretree

IPO VOLUME 12!

2009-12-21T01:22:00.003-02:00

Acreditar na força da canção pop. Esse tem sido o trabalho de David Bash por mais de doze anos à frente do International Pop Overthrow. Que além de festival – contando com dezenas de shows em três países (EUA, Canadá e Inglaterra) e centenas de bandas todo ano – traz seu nome na coletânea mais representativa do pop underground mundial. Bandas novas e veteranas dividem espaço no CD triplo que sempre privilegia grupos de power pop. Este IPO 12 nos oferece 70 canções de 70 bandas diferentes de todo o planeta, um verdadeiro orgasmo múltiplo e em seqüência durante quase quatro horas de orgia pop.

“Miss I Don’t Understand You”, dos californianos do The Syrups, abre o CD1: não à toa talvez a mais empolgante canção power pop de 2009. O casal de Minneapolis Adam e Kristin Marshall e seu Humbugs vêm com a deliciosa e ganchuda “One More Day”. Os americanos do The Help Desk trazem pianos, mellotron, guitarras acústicas e a harmonizações vocais intricadas na justa homenagem “The Jellyfish Song”. O sueco Luke Jackson contribui com o apelo pop e emocional de “Come Tomorrow” e Bobby Cox e seu The Galaxies entregam a ultra-adesiva “Baby I Believe”.

O Vancouver Nights – que tem Todd Fancey, do Fancey, nas guitarras e sintetizadores – passeia pelo dream pop de batida eletrônica com “Autumn Witch”, enquanto o The Smile Eyes volta ao pop sessentista com “His Vision Of Her”. O Velvet Cadillacs injeta energia rocker com “Gotta Lotta Love To Give” e o novaiorquino Jeff Litman encerra o disco com a envolvente “Anna”, tirada de seu ótimo álbum de estreia.
Os japoneses do Mayflowers abrem o CD 2 com o power pop perfeito “Rubber Sole” para em seguida o australiano Michael Carpenter mostrar seu artesanato pop em “Can’t Go Back”.

Lisa Mychols entrega uma canção do seu próximo disco com a adorável “Hearts Beat In Stereo”, enquanto o power trio de Portland The Leftovers arrasa com a faiscante “Telephone Operator”, tirada da obra-prima punk-power-pop Eager To Please. Os espanhóis do Goodfellows apresentam a pérola pop de acento beatle “Behind Your Smile” e os americanos do 1.4.5. destilam seu punk rock primário com “Can’t Stop Movin’”. Da Grã-Bretanha os The Peppermint Apes trazem a cativante “No One Like Me” enquanto os Shamus Twins mostram seu divertido country pop “See About Me”.

O pop acústico e radifônico “You And I Can Take On The World” é a colaboração do The Dirty Royals e a macia “Blue”, com suas harmonias vocais angelicais e refrão memorável, é cortesia do The Strawberry Jam. De Roma o Soundserif traz seu pop orquestral à la Brian Wilson “Happy Since I Resigned”.
Abrindo o CD 3 reaparece o veterano KC Bowman, em dueto com Andrea Perry, na belíssima “Sorting Out The Rules”. E o garoto prodígio Evan Hillhouse também volta apresentando uma canção de seu segundo álbum Transition, a intensa “Save Yourself”.

A canadense Laurie Biagini comparece com seu surf rock sessentista “Another Old Crazy Lyin’ On The Beach Afternoon” e os suecos do Private Jets revelam a versão estendida da sensacional “Speak Up Speak Out”. Susan Hedges traz o bonito jingle-jangle de “City Song” e Stephen Lawrenson oferece “Ordinary”, outtake de seu álbum de 2009 Somewhere Else. A guitarra suja se contrapõe à melodia bubblegum do refrão em “Where There’s A Will There’s Way” canção do mestre Jeremy. A Rickenbaker brilha em “Rock ‘n Roll Girl”, canção do esperado próximo álbum dos suecos do The Tangerines.

Steve Sizemore Group impressiona com a canção, na melhor escola Jellysfish, “Beautiful Dust” enquanto o Romeo Flynns ataca com o rock’n’roll invocado “Gonna Feel Alright”. Blake Jones & The Trike Shop apresenta a estranha instrumental espacial-fantasmagórica, assombrada por teremins e vibrafones, “Astronauts In Trouble”. O quarteto power pop de New Jersey Meyerman presenteia com sua jóia “Judy’s Out Of Fashion” e os noruegueses do Peter & The Penguins fecham o CD 3 com o que poderia ser um clássico sessentista mas é de 2009: “The Walk”.

Em plena era digital, quando um CD vale menos que uma balinha, ver o lançamento de um CD triplo se repetindo, ano o após ano, só reforça a certeza que certas coisas só podem ser movidas pela paixão. Longa vida ao IPO, festival e coletânea. Porque eu também acredito na força de uma canção pop.

http://www.internationalpopoverthrow/
www.myspace.com/internationalpopoverthrow

"Eager To Please": THE LEFTOVERS!

2009-12-17T00:19:00.002-02:00

Quantos anos de vida nos tomam as ansiedades da vida pós-moderna ou as pressões cotidianas do mundo de competições vorazes? O quanto a crueldade humana nos envenena dia após dia, disposta a nos tirar as esperanças do coração? O quanto precisamos lutar para nos manter de pé, mesmo quando açoitados pelo chicote inclemente do destino? Não há respostas exatas para estas perguntas, mas existem meios de amenizar seus efeitos. E alguns deles você vai encontrar nesse elixir do bem-estar e diversão chamado Eager To Please.

Quarto álbum do power trio de Portland – Kurt Baker, Andrew Rice, Adam Woronoff – que chega para repor os anos que o estresse te tirou, desenvenenar seu coração e curar as feridas dos açoites da vida. Vitaminados pela energia do punk rock e adoçados pelas melodias do power pop, os Leftovers animam o ambiente em canções ultra-energéticas, inspiradas e inspiradoras. Em Eager To Please os rapazes de Portland soam como um Elvis Costello – fase setentista – tocando composições dos Ramones. Ou um Queers experimentando Joe Jackson.

Beatles e Beach Boys também ecoam por todo o álbum, mas aqui os americanos tratam de dar um choque de modernidade nas sonoridades vindas dos anos 60 e 70. Distorção sem parcimônia, guitarras afiadas e bateria nervosa. Canções revigorantes de espírito jovem e feitas para lavar a alma, pelo menos durante seus quase 37 minutos de duração.
E a primeira saraivada de energia vital vem com “Can’t Stop” seguida pela batida envolvente de “Telephone Operator”, que traz o líder do Second Saturday, Wyatt Funderburk, na co-autoria da faixa.

A essa altura você já abriu espaço entre os móveis da sala para dançar, pular, celebrar a vida inundada agora pelas boas vibrações de uma verdadeira canção pop. E a festa continua na junvenil “Girlfriend”, onde Kurt Baker diz que não é feito para ter namorada – “porque é muito difícil manter meus olhos longe das outras garotas”. Melodia adesiva e refrão harmônico para a perfeição pop de “Get To Know You” (que conta com a participação de Kim Shattuck dos Muffs nos vocais). Aqui já está clara a contribuição do produtor Linus of Hollywood na sonoridade conseguida pelo Leftovers, já que o americano é mestre artesão em canções pop de sabor sessentista.

“Think About Her” ventila um ar clássico e entrega refrão memorável para o deleite dos power poppers ao redor do mundo. “I Want You Back” capricha no riff ganchudo e acordes viciantes, enquanto “Untouchable” vem reforçada pela guitarra de Coz Canler dos fundamentais Romantics. A cativante “Lost And Found” soa como se fosse Mr. Costello cantando um dos punk pops mais grudentos do ano e “Get Out Of My Head” realmente não vai sair da sua cabeça, nem adiantar tentar evitar.

Mais dois clássicos instantâneos se materializam com as incríveis “The Only One” e “Dance With Me” e a beleza melódica de “Make You Mine”, contagia os sentidos de imediato. E, representando o espírito de Eager To Please, nada melhor que encerrar o disco com a flamejante “Party Til We Die” dos Rubinoos, com as participações de Jon Rubin, do próprio Rubinoos, Kim Shattuck e Brett Anderson das The Donnas. Uma celebração depois da coleção de petardos pop, que estão aqui posicionados como artilharia contra as agruras e os desencontros da vida.

www.theleftoversband.com
www.myspace.com/theleftovers

"The Kavanaghs": THE KAVANAGHS!

2009-12-14T11:30:00.003-02:00

Ali vão os quatro rapazes. Levando suas guitarras em cases pelas ruas frias de Liverpool. Quebram a esquina de Penny Lane assobiando Help! Param em frente ao portão vermelho de Strawberry Field para observar suas folhas secas voarem até o rio Mersey. Levadas pelas melodias dos fab four que ainda ecoam pelo ar da cidade. Tiago, Alejandro, Diego e Sebastian caminham para o sonho remodelado em realidade. Nove noites no The Cavern Club. Nove shows no palco sagrado: a vez dos Kavanaghs darem seu sopro revigorante na alma de um legado imortal.

Tiago Galindez, Alejandro Pin, Diego Vásquez e Sebastian Cairo viajaram milhares de quilômetros, de Rosário, Argentina até Liverpool. Como uma procissão à terra prometida para reverenciar seus mestres, seus guias, cujas obras se fizeram quando eles nem eram nascidos. E que a influência aparece cristalina na própria obra dos argentinos, em seu disco de estreia homônimo. The Kavanaghs, o álbum, parte da referência fundamental, os Beatles, pare encontrar, destacadamente, Raspberries e Badfinger e, Kinks ou Zombies, nas entrelinhas.

Cantando em inglês, para buscar um tom universal, os quatro de Rosário não se acanham ao querer revisitar sonoridades passadas. Canções bem talhadas têm vocação para a atemporalidade e isso eles sabem bem. “The Wrong Side Of The Way” abre o disco marcando a levada no baixo e bateria para depois chamar a guitarra para a festa e eletrificar o ambiente. Batida envolvente de piano e melodia adesiva para “Friday On My Mind” até a balada orquestral – com uma pequena e criativa incursão de um acordeon de tango – “English Town, English People”.

“You Know” vem bela e macia, desaguando no refrão emocional, feito para capturar corações sensíveis ou não. “The Simple Things” cativa na melodia pop, nas harmonizações vocais perfeitas e no incrível refrão que homenageia “I Wanna Be With You” dos Raspberries. Aliás, Eric Carmen e Jim Bonfanti, ex-membros do lendário grupo, elogiaram os Kavanaghs:“É um prazer ouvir suas canções!”. “It Seems That I’m Not Getting Things Quite Right” traz jogos de metais, piano, acordeons e flautas para adornar e reforçar o imenso poder pop da canção e sua sensacional melodia, transformando-a em clássico do power pop moderno.

“Cat In Town” dá pegada rocker ao pop sessetentista, na melhor escola beatle de canções invocadas, pero no mucho. “Goodbye Chris” fecha o álbum com ar de canção de baile romântico cinquentista/sessentista, para dançar de rosto colado, seja em Liverpool, Rosário ou no escurinho reservado do seu quarto.

http://www.thekavanaghs.com.ar/
www.myspace.com/thekavanaghs

Power Pop: The Early Years - NAZZ! (Parte II)

2009-12-07T14:35:00.003-02:00

Por Daniel Arêas

Após os modestos resultados comerciais do seu álbum homônimo de estréia, o Nazz iniciou as gravações do segundo disco, que a princípio seria duplo, auto-produzido e se chamaria Fungo Bat. Tensões começaram a surgir na banda naquele período. Thom Mooney e Stewkey vetaram parte do material composto, gravado e cantado por Todd Rundgren, que demonstrava uma forte influência da cantora e compositora norte-americana Laura Nyro, distante do garage rock psicodélico que predominava no álbum anterior. Com parte de seu trabalho sendo por fim excluído do disco, Rundgren decidiu então deixar a banda; Van Osten já tinha saído pouco antes. O disco acabou sendo lançado em abril de 1969 como álbum simples e chamado de Nazz Nazz.

Apesar de não ter sido lançado como originalmente foi concebido, Nazz Nazz é o melhor disco da curta carreira da banda e supera o anterior em virtualmente todos os quesitos, da produção às composições (todas assinadas por Todd Rundgren). De cara, as três primeiras canções (“Forget All About It”, “Not Wrong Long” e “Rain Rider”) soam como um aperfeiçoamento da estética que o Nazz perseguia no álbum anterior: são inequivocamente pop, catchy, mas tocadas com energia, urgência. The Who é uma referência que permeia boa parte do álbum, mas ela é mais evidente do que nunca na excepcional “Under The Ice”. A devoção de Rundgren aos Beatles se evidencia nas belas baladas “Gonna Cry Today” e “Letters Don’t Count”, assim como na ótima “Hang On Paul”. Fecha o disco a magnífica “A Beautiful Song”, um épico com quase doze minutos de duração que reunia todas as facetas e influências da banda.

O material que ficou de fora de Nazz Nazz seria lançado em 1970 – com Stewkey pondo sua voz em quase todas as canções cantadas por Todd Rundgren que haviam sido deixadas de lado – sob o título de Nazz III, quando a banda já tinha acabado. Se é verdade que Nazz III não tinha a força dos discos anteriores (embora estivesse longe de ser ruim), fica claro que o disco deve ser analisado em conjunto com Nazz Nazz, como partes de um único projeto – como era a idéia inicial. Há vários bons momentos no disco, mas quase todos eles apontam para o soft rock que Todd Rundgren iria explorar nos primeiros discos de sua carreira solo. E ironicamente, a única faixa em que o lead vocal de Rundgren foi mantido é exatamente a melhor canção do disco: “You Are My Window”, uma comovente balada piano e voz, adornada com orquestrações.

Por que uma banda, aparentemente tão promissora, durou apenas dois anos? Bem, existem algumas possíveis explicações para isso. Uma delas é a de que seu mais talentoso membro tinha ambições artísticas que extrapolavam os limites musicais da banda. Mas o legado do Nazz não é diminuído por sua curta existência. Ouvir seus discos ajuda a compreender o que aconteceu a partir da década de 70, quando inúmeras bandas buscaram inspiração na British Invasion e reinterpretaram os sons daquela época. Quem quiser comprovar isso basta ouvir Big Star, Badfinger, Raspberries, Cheap Trick e tantas outras.

Power Pop: The Early Years - NAZZ! (Parte 1)

2009-11-26T10:01:00.003-02:00

Por Daniel Arêas

Há um consenso em se afirmar que, apesar de ser um daqueles raros artistas que não têm qualquer receio em experimentar novas direções em suas carreiras, Todd Rundgren é figura de grande importância para o power pop. Álbuns clássicos como The Ballad Of Todd Rundgren e Something/Anything? são apenas algumas provas disso. O que nem todos sabem é que suas primeiras – e fundamentais - contribuições para o estilo haviam acontecido alguns anos antes, ainda na década de 60, como membro do quarteto americano Nazz.

Todd Rundgren (lead guitar) e Carson Van Osten (baixo) criaram o Nazz (que muitas vezes é equivocadamente chamado de The Nazz – o nome correto não possui o artigo definido) na Philadelphia em 1967 recrutando Thom Mooney para a bateria e Robert “Stewkey” Antoni para o vocal e teclados. A banda estreou nos palcos em julho daquele ano (abrindo para o The Doors) e alguns meses depois assinavam com John Kurland para este ser seu empresário. Só que logo ficou claro que as pretensões de Kurland para o Nazz eram bem diferentes das da própria banda.

Kurland optava por preservar a banda, evitando agendar shows crendo que com isso aumentaria o interesse e a curiosidade em torno dela. Ele também queria apresentar o Nazz como uma boy band pré-fabricada, direcionada para o público teen (a banda chegou a aparecer em algumas revistas da época, destinadas ao público adolescente). Foi divulgando essa imagem que Kurland conseguiu um contrato para a banda com a Screens Gems Columbia Records, que à época buscava um “novo Monkees”. Mas desde o início o Nazz demonstrou que tinha ambições muito diferentes das que lhe eram impostas.

Nazz, o primeiro disco, saiu em outubro de 1968, apoiado pelo single “Open My Eyes”/“Hello It’s Me”. Embora ambos fossem esplêndidos, tanto o álbum quanto o single não alcançaram sucesso comercial (“Hello It’s Me” anos depois seria regravada por Todd Rundgren e incluída em Something/Anything?, tornando-se um hit). Na verdade o single podia ser visto como uma síntese do disco. Se “Open My Eyes” expunha a faceta rocker, mais pesada da banda (junto com canções como “Back Of Your Mind”, “Wildwood Blues”, “When I Get My Plane”), “Hello It’s Me” - uma linda balada embelezada por cuidadosas harmonias vocais de três partes – era uma amostra do seu lado mais suave (a exemplo de canções como “See What You Can Be”, “Crowded” e “If That’s The Way You Feel”)

Fortemente calcado no brit-rock sessentista (as referências mais claras incluem The Who, The Beatles, The Move, Cream) mas com suas influências mescladas em canções de forte apelo pop, Nazz antecipava o power pop em alguns anos. É também o disco em que o talento e as habilidades de Todd Rundgren (como músico, compositor e produtor) começaram a aflorar. Das dez canções de Nazz, oito eram assinadas por ele, que fez ainda todos os arranjos e remixou o primeiro single da banda. Rundgren naturalmente assumia a condição de líder da banda; e isso em pouco tempo provocaria conflitos com os demais membros.

"Fondness Makes The Heart Grow Distant": CHARIOTS OF TUNA!

2009-11-23T11:01:00.002-02:00

Aqui continuamos nosso trabalho em desencavar os segredos e tesouros mais bem guardados da América. E não estamos falando em procurar nas altas montanhas de picos nevados ou desertos profundos onde só sobrevivem serpentes e bases aéreas secretas. Bandas também se escondem no centro mundo, mais precisamente no Brooklyn, Nova Iorque.

E é de lá que vem o Chariots Of Tuna. Há 10 anos Ben Morss trocou a capital da Califórnia, Sacramento, pela capital do mundo e resolveu trazer seu antigo grupo à vida novamente. Com a ajuda de Shawn Setaro, Rus Wimbish e Dan Davine, preparou este EP de três faixas, onde prevalece o clima de maciez indie pop. Algo entre Belle & Sebastian e Brian Wilson.

“War Hero” abre o EP com placidez acústica, delicados coros vocais e os acetinados falsetes de Morss. “Save Me Maryann” segue por paisagens oníricas e teclados sobrepondo texturas. A brianwilsoneana “Air” é levada por teclados vintage e a voz de Ben apenas cantando um coro, fazendo jus ao nome da faixa. Esperemos que, quando as novas canções do Chariots Of Tuna ganhem vida, não precisemos chamá-los mais de “segredo bem guardado do Brooklyn”.

www.myspace.com/chariotsoftuna

"Redemption # 39": MICHAEL CARPENTER!

2009-11-16T13:54:00.000-02:00

Talento e paixão. Quando um sujeito tem a capacidade - e a benção divina – de unir as duas palavras e reverter o resultado a seu favor, não há quem segure. É o caso do australiano de Sidney Michael Carpenter. O cantor, compositor, multiinstrumentista, produtor, engenheiro de som, fez da música a sua vida e do pop a sua paixão. E Carpenter é do tipo que maneja com a mesma maestria as cordas da guitarra ou os botões de uma mesa de som; consegue surrar uma bateria com a potência inversamente proporcional a que aplica às doces harmonias vocais.

Não é de hoje que Michael Carpenter conhece os atalhos para se chegar à canção pop perfeita. Redemption # 39 é seu oitavo álbum solo – fora seus projetos com outras bandas e artistas – onde o músico escreveu todas as canções, tocou todos os instrumentos, gravou e produziu. Aqui o pop atemporal está a serviço da emoção, onde estórias de relacionamentos frustrados podem ser contadas em meio a belos acordes e climas reconfortantes.

A empolgante faixa de abertura “Can’t Go Back” tem aura de hit sessetista, mas ganha roupagem moderna na energia vital impressa por Carpenter. “Workin’ For A Livin’” é um country endiabrado com pegada blues, enquanto o piano guia a doce e bela “I’m Not Done With You” – pop perfeito para ondas do rádio, trilhas de filme ou seriados de TV. E piano, intervenções orquestrais e harmonizações vocais intricadas à la Jellyfish/ELO para a incrível “The King Of The Scene”.

Segue a balada “Don’t Let Me Down” e o cativante power pop “I Want Everything”; “Sinking” capricha nos falsetes do refrão e “‘Til The End Of Time” fecha o disco com sua base acústica e raiz norte-americana. Redemption # 39 reafirma Michael Carpenter como um dos grandes nomes do power pop atual, tanto dentro de um aquário de gravação como fora, controlando plugs, carrapetas e botões.

www.mcarp.com
www.myspace.com/michaelcarpenter

"How To Choose A Sweethart": PETER & THE PENGUINS!

2009-11-09T11:53:00.002-02:00

Nem o mais arguto analista de cenários futuros, nem o mais charlatão futurologista do mercado poderiam prever. Muito menos as 350 bandas que ensaiavam em porões, tocavam em night clubs e participavam sem saber – em plena Liverpool de 1962 – da criação de um estilo que mudaria, definitivamente, os rumos do rock e do pop. Ninguém foi capaz de antever que, quase cinquenta anos depois, o merseybeat continuaria influenciando gerações. O beat sobrevivendo na era dos bits e bytes.

O rio Mersey nunca banhou a Noruega, mas a batida nascida em Liverpool continua contagiando os escandinavos. How To Choose A Sweeetheart é o primeiro álbum do quarteto da cidade de Moss e revela toda paixão de Eyvind Lindberg, Rune Johnsen, Stig Joraholmen e Fredrik Hagen pelas sonoridades sessentistas. A referência básica são as bandas da invasão britânica, mas as harmonias celestiais dos Beach Boys/Brian Wilson e o brilho inconfundível das Rickenbakers, imortalizado pelos Byrds, também contribuem para a feitura das jóias do Peter & The Penguins.

E a coleção de gemas se inicia com a belíssima “Barefoot”, com suas harmonizações vocais angelicais como prece de elevação. “Sweetheart” já abre com seu refrão incrivelmente colante e memorável, um monumental hit sessentista que, na verdade, nunca esteve lá. “The Walk” contagia no jogo esperto de vocais e decide a partida no refrão auto-adesivo. A energética beatleaneana, fase iê-iê-iê, “I Want You” emenda com a cruelmente divertida “There Goes Pete Best” – que diz ser o primeiro baterista dos Beatles “o bastardo mais azarado do mundo”.

A envolvente “She Took Me By Surprise” condensa Beatles, Beach Boys e Byrds em uma só e perfeita peça. Para o baile sixtie a adorável “If You Wanna Leave Me”. Já a faiscante “Here I Go Again” é cover dos Spongetones.“There’s No Living Here Without You” soa como um clássico eterno dos Beach Boys e “We Don’t Wanna Fall In Love”, levanta defunto com seu pop ultra-ganchudo. Enquanto “That Day Will Come” encanta power poppers com suas doces harmonias vocais e progressão de acordes viciantes.

A power-ballad “Give Me A Clue” encerra How To Choose A Sweetheart, provando que a força replicadora do sixtie pop transcende, pula de ano em ano, e vence o próprio tempo. E continua a avançar em terreno hostil de mundos virtuais e paisagens digitais – enquanto o juízo final das máquinas não vem.

www.myspace.com/peterthepenguins

"Midnight Matinee": BRASS BED!

2009-11-05T10:44:00.001-02:00

Lafayette está encravada no coração da Louisiana francesa. Região onde surgiu a cajun music - tradicional estilo interiorano que utiliza acordeon, violino, banjo, bandolim e promove festas pra lá de animadas. A proximidade com o Texas absorveu elementos da country music vizinha, enriquecendo a experiência e tradição local. E em meio a esse cenário de raiz, três amigos resolveram trazer à tona suas experimentações sonoras.

Christiaan Mader, Jonny Campos e Peter DeHart juntaram suas referências sessentistas como Beatles e Brian Wilson; atuais como Flaming Lips, Wilco e o coletivo Elephant 6; com a herança da sua Louisiana natal. Harmonizaram tudo num caldeirão sônico, transformando-se numa verdadeira orquestra pop-psicodélica-country-espacial. O moderno e o tradicional, o atemporal e contemporâneo, realçando as diferenças ao mesmo tempo que se complementam

A bela “BBC Midnight Broadcast” abre o disco climatizada por pianos, pedal steel, acordeon, tubas e trumpetes. Já a energética “On The Road”, traz o kit tradicional de guitarra, bateria e baixo, com noises e metais adicionais aqui e acolá. A espacial “Intro To Tony” viaja em vibrafones e, “Olivia”, remete ao desleixo genial dos Flaming Lips. “So I Shrugged My Shoulders” vem com belas harmonias vocais e uma steel guitar chorosa com embalo à la Roy Orbinson.

A pequena e refinada instrumental “It Smarts” reflete o legado de Brian Wilson; e o piano voluntarioso de “James Fellows Jr.” cativa. A macia “Make Me Cry” é guiada por piano e bandolim, enquanto o experimento cósmico-noisy-psicodélcio “Killer Bees” encerra Midnight Matinee. Numa amostra concisa de que os garotos de Lafayette gostam de talhar a tradição musical com cortes angulosos, modernos e inusitados.

www.myspace.com/brassbed

"Give Me A Look": MARK & THE SPIES!

2009-10-29T10:57:00.000-02:00

Não precisamos recorrer a filmes de ficção científica, laboratórios especializados em nanotecnologia ou sessões de hipnose regressiva. Nada de micro-chips implantados no córtex cerebral ou plugs ligados direto na nuca. Memórias do que não vivemos podem ser conseguidas numa simples imersão nas sonoridades dos holandeses do Mark & The Spies. O beat-garage do power trio nos carrega, flutuando, para o reino dourado da música sessentista, com um disco lançado em pleno 2009.

Give Me A Look – segundo álbum de Arjan Spies, Mark Wesseloo e Gerrit Sholten – reproduz com fidelidade a aura dos anos sessenta, tanto na gravação/produção, como na utilização de instrumentos vintage. Uma viagem espetacular onde o transporte é alimentado pela energia juvenil e primária do garage e a paisagem pintada nas cores adoráveis do beat. E a primeira parada é a elétrica e contagiante “Gimme Your Love”, seguida por “Ain’t Got No Time” e seu órgão retrô espetando os grudentos “no,no,nos” e “hey, hey, heys”.

A levada de balada sixtie envolve “You Got It” enquanto a crueza garageira de “We Fell In Love” e “Mers To Keep” eletrizam o ar. O órgão vintage e a melodia memorável cativam na sensacional “Please Think It Over” e, o refrão emocional da canção título, sobe para respirar em meio à profusão de teclados. Possível hit sessentista, com guitarra marcada, intervenções de sax, refrão harmônico e colante: “Won’t Work On Me”. Riff adesivo, melodia pop assobiável e coros celestiais para mais um hit em potencial em “It Don’t Matter Yo You”.

A rocker e quebrada “I Want More” antecede o invocado merseybeat “It’s True (I Need You) e, “Give Me A Look (reprise)”, encerra o álbum do Mark & The Spies. Que não é só um disco, mas um bilhete de ida para o mundo encantado do sixtie pop; uma passagem sonora capaz de, no fim do passeio, nos deixar com saudades de lugares onde nunca estivemos.

www.markandthespies.nl
www.myspace.com/markandthespies

"All Haunt's Sound": THE ALICE ROSE!

2009-10-26T00:30:00.002-02:00

Você conseguiria ser sofisticado, sincero, lírico, direto, melancólico, reflexivo, animado e emotivo em apenas três minutos? Ser simples sem ser simplório ou ser complexo sem ser prolixo? O The Alice Rose consegue. Sem esforço e soando natural o quinteto de Austin, Texas, traz seu conjunto de gemas pop, trançadas com arranjos inteligentes e melodias adesivas. All Haunt’s Sound, segundo álbum dos americanos, se inspira em Beatles, mas com um corte Big Star; admira Squeeze, mas também pode se aproximar do Toad The Wet Sprocket.

A inspiração dos texanos respira forte o pop setentista, mas o carisma do vocalista, guitarrista e principal compositor JoDee Purkeypile dá alma e personalidade ao Alice Rose. Sua poesia dolorida e sincera soa verdade pura na emoção de sua doce voz. Sem perder a maciez e a aderência da verdadeira canção pop. Como na abertura “She Did Command”, de bateria quebrada, violões vívidos e teclados climatizando. A batida envolvente conduz a melodia auto-adesiva em “Waste Away” e, o clima acústico e reflexivo de “Agony Aunt”, é emoldurado com delicadeza pelos falsetes de Purkeypile.

“Maybe A Ride” mostra que o pop pode ter arranjos bem tramados e continuar simples e agradável. As cativantes e ganchudas “Slumbrella” e “It’s All Allowed” antecedem a leve e refrescante “Rags Of Autumn”. A balada orquestrada com jogos de cordas “I Know Your Ghost” e a bela “There’s No One In The Theme” mostram que o Alice Rose sabe adicionar com maestria a dose certa de refinamento ao seu pop. E que All Haunt’s Sound não precisa mais do que 38 minutos para provar que o pop poder ser eloqüente, relevante e emocional.

www.myspace.com/thealicerose

"More Help For Your Nerves": ROGER KLUG!

2009-10-22T11:49:00.001-02:00

Prescrever discos para o tratamento de mazelas modernas deveria ser praxe. Mas se os médicos não o fazem, o “cientista pop” Roger Klug sugere Mais Ajuda Para Seus Nervos. O cantor-compositor-guitrarrista de Cincinnati, preparou 17 pílulas pop com princípios ativos familiares e outros bastante peculiares, em seu quarto álbum solo. Klug domina a receita básica da verdadeira canção pop, mas adiciona elementos experimentais com muita personalidade.

A liberdade de gravar em seu próprio estúdio, o Mental Giant, dá a margem que Klug precisa para manipular e direcionar a sua inquietude e criatividade musical. More Help For Your Nerves consegue ser extremamente pop, mesmo contendo passagens inusitadas e inesperadas. No quesito letras, Klug também mostra inteligência, sarcasmo e ironia, sem esquecer da métrica exigida por uma boa canção pop.

Pouco mais de um minuto para a apresentação de Roger Klug, na abertura “Tinnitus” – cuja sonoridade remete diretamente aos discos solo de Greg Pope. O pop poderoso de “Dump Me Hard” é afiado na ponta das guitarras de Klug e “An Artist In The Field” injeta passagens de progressivo, com solo de guitarra hard rock em meio a singelos ‘la-la-las’. A balada “Girl After My Own Heart” realça a capacidade do americano em tecer belas melodias, seguida pela faiscante e adesiva “About Time”.

Riff grandioso e intervenções de piano para a inspiradora “For The Kids” e batida envolvente para a esperta “The Day I Had My Brain Removed”. Baixo distorcido, guitarra invocada e melodia memorável para “Hi-Hat” e milhares de volts escapando para a energética “Bi-Curious”. “When Dreams Dry Up” chega macia e cheia de bossa para explodir raivosa, voltar macia e raivosa e macia. E o jogo vocal a capela, recheado de harmonias vocais beachboyneanas, é ironicamente titulado “My Life Is Sweet”.

O belo pop orquestral “Souls To Heaven” convida a viajar, enquanto “Bogeyman”, contagia na batida de piano e solo de violino. “Man’s Man” acelera e desacelera o andamento sem cerimônia e o épico pop, de oito minutos, “Your Diary”, fecha o álbum.
Você não precisa de receita médica, indicação farmacêutica ou recomendação profissional para comprar More Help Your Nerves: a prescrição de Mr. Roger Klug por si só já basta.

www.myspace.com/rogerklug
www.mentalgiant.com

"Glass Half Full" - DAVID BROOKINGS!

2009-10-19T11:46:00.002-02:00

Hoje, quando David Brookings observa a inquietude curiosa de sua pequena filha, deve lembrar-se de si mesmo. Quando vinte anos atrás, ainda na cidade de Richmond, Virginia, explorava, tal qual um caçador de tesouros, a coleção de discos do pai. Aos nove anos não demorou para dar de cara com o disco que mudaria sua vida: Help!, dos Beatles. Era mais uma nova geração encantada pelo poder mágico da melodias instigantes dos fab four. Nesse mesmo ano, Brookings ganhou seu primeiro violão, e aí, não pararia de buscar inspiração nos mestres eternos do folk, pop e rock.

Na época, talvez, o jovem David não imaginasse que um dia pisaria o solo sagrado do Sun Studio – localizado em Memphis - onde gravaram lendas como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis e Johnny Cash. E, apenas ‘pisar’, seria pouco mesmo: o cantor-compositor americano hoje grava seus discos nos estúdios Sun. Onde é guia turístico, de terça a sábado e pode, ao final dos passeios, vender seus discos aos turistas. A vida não é fácil e Brookings faz, ainda, shows acústicos em bares, noivados e casamentos. Enquanto isso, eu me pergunto: em que mundo David Brookings seria um popstar, escalando paradas de sucesso nos quatro cantos deste planeta?

Porque se você ouve seu quinto álbum, Glass Half Full, percebe a presença do toque divino no senso melódico do artista. A riqueza harmônica que não quer pra si elogios, quer a capacidade de levar prazer aos sentidos. A voz doce e sincera, que pode contar a verdade de um jovem que ainda não chegou aos trinta, e que mostra disposição e alegria pela responsabilidade de prover uma família. E o otimismo transparente aparece no título Glass Half Full (“Copo Meio Cheio”), disco, onde, no fim das contas, não importa qual é a sua ou a minha verdade, importa o bem que as ondas sonoras emitidas farão à alma de cada um.

E Brookings já abre o disco atacando o regulador de serotonina do seu cérebro, com o power pop perfeito da contagiante, adesiva e singela “Don’t Wake Me Up”. A melodia envolvente de “This Time It’s For Real” vem escoltada por violões e órgãos e “Love Goes Down The Drain” oferece levada voluntariosa e refrão memorável. “Hazel” capricha na trama melódica altamente ganchuda e, as guitarras de “We Never Ever Spoke Again”, mesclam música tradicional americana com pegada de pop moderno, desaguando num refrão sensacional.

A bela faixa título é acústica e instrumental e nos leva até a balada “Flashlight Love”, com sua inspiradora e divina melodia. O contagioso pop com cores country “Still Not Crazy Yet”, antecede à energética e afiada “Love And Death In Richmond”. Enquanto harmonizações vocais angelicais elevam a reflexiva “Getting Older”, encerrando Glass Half Full. Agora, o sorriso de Brookings, aberto na capa do disco, se transfere pra nós. E o pequeno fã de Beatles, da Richmond de 20 anos atrás, se pudesse vislumbrar o futuro, estaria sorrindo também. Pode apostar.

www.davidbrookings.net
www.myspace.com/davidbrookings

"A Million Year Picnic": THE TEMPONAUTS!

2009-10-15T10:30:00.001-03:00

23 de maio, The Cavern Club, Liverpool. Sobre o lendário e acanhado palco um quarteto empunha suas armas sônicas, frente a uma audiência sedenta por melodias eletrificadas com energia sixtie. O ambiente pouco iluminado é colorido pelo brilho de uma Rickenbaker vermelha e outra azul, e o ar local é impregnado pela sonoridade clássica das lendas de seis (e doze) cordas. O ano é 2009, o quarteto sob os holofotes são os italianos do Temponauts, em uma apresentação do International Pop Overthrow.

Os Viajantes do Tempo são comandados por Stefano “Pibio” Silva e vêm da cidade de Piacenza mostrar sua paixão-obsessão pelos anos sessenta neste A Million Year Picnic. Transitam também pelo paisley underground oitentista e pelo brit pop noventista. Ou seja, Pibio quer alcançar ambiências que conduzam o pop pelos caminhos das melodias adesivas em busca sem fim do bem-estar.

Por isso a ensolarada “Toxic & Lazy” abre o disco com “pa-pa-paras” e “uh-uuhhs”, soando como uma banda brit pop envelhecida em tonéis sessentistas. A doce “Captain Frustration” conquista na cadência melódica e no frescor das harmonias vocais. “Atomic Fire Sister” exige beleza e potência das Rickenbakers, enquanto “(She’s An) Animal”, não esconde a influência dos britânicos dos Stone Roses.

Guitarras invocadas duelam coma a gaita nervosa na vigorosa “Operation Coroner”. Já a onírica e leve “The Down Bums” navega pelas plácidas águas do indie pop. Levada rock’n’roll para a alma pop de F**k You Everyone” e pegada jingle-jangle para “That’s How Strong My Love Is”. A crueza garageira de “Not In The Morning” contrasta com os “sha-la-las” e o brilho das Rickenbakers da contagiosa e macia “Come Back Saturday”. A psicodelia de “The Return Of Josie Wales” encerra o álbum e nos recoloca de volta, no aqui e agora. Só que cheios de novos ‘sha-la-las’ pra cantarolar.

www.myspace.com/temponauts
www.temponauts.blogspot.com

"Why Ramble?": SONS OF GREAT DANE!

2009-10-08T10:23:00.002-03:00

O sentido da palavra evolução, em música, hoje tem mais haver com modernizar o que já foi feito do que a criação de sonoridades realmente novas. A não ser que se esteja disposto a explorar bizarrias experimentais, basicamente todas as combinações de acordes possíveis já foram testadas. As habilidades pessoais, bagagem musical, referências, influências e objetivos a alcançar, acabam por traçar as diferenças entras as bandas do pop e do rock atual.

E assim funciona o grupo de Kansas City, Missouri, Sons Of Great Dane: um verdadeiro colheitador temporal de influências. Brent Windler, Nolle Bond e Evan John, viajam até a década de 40 para buscar o country; enchem a mão quando passam pelo pop dos anos sessenta, respiram o mesmo ar setentista do Big Star e pincelam tudo com o que aprenderam do alt.country noventista. Why Ramble?, disco de estreia do grupo, mistura tudo em seu próprio caldeirão e apresenta 10 canções do estilo conhecido como americana.

O riff de guitarra da faixa de abertura “Early Train” já indica os ecos de música interiorana, mas, a voz de Windler e sua melodia pop, mostram doses aplicadas de modernidade. A levada western de “Always Wrong Always Right” também recebe suas pinceladas rock e “Bullet Left It’s Barrels Head” se aproxima mais firmemente das bases do power pop. A semi-acústica, guiada por voz e violão “Ballad Of Lou Barker”, antecede o country-rock energético “One Man (Wishful Thinking)”.

A densa “Question” chega acústica, envolve na melodia e explode em uma torrente de guitarras e microfonias finais. “Cut/Paste” mostra os cowboys tentando laçar a canção pop perfeita e a faixa de encerramento “Something”, revela que o rapazes do Missouri também têm vocação para a contundência rebelde do rock. E superam o desafio maior, que é de dar sabor próprio e harmônico à combinação de ingredientes colhidos em campos e estações tão diferentes.

www.myspace.com/sonsofgreatdane

"Failing In Biology": SIMON FELTON!

2009-10-05T10:31:00.001-03:00

Funcionário público, músico profissional, psicólogo, dono de selo, líder de banda.... Quaisquer dessas categorizações serviriam para definir o britânico Simon Felton. Mas, hoje, estamos interessados no amante das melodias e harmonias, no caçador incansável da canção pop perfeita. O cantor-compositor de Weymouth - que também é líder do Garfields Birthday e dono da Pink Hedgehog Records – apresenta seu novo álbum solo, Failing In Biology, onde contou com ao auxílio luxuoso de Alan Strawbridge e do cult-hero californiano Anton Barbeau.

“Mister Magic Eyes” de cara já entrega as influências sessentistas de Felton, suas guitarras jingle-jangle – com o solo cortesia de Mr. Barbeau - e as melodias amigáveis e adesivas. As belas harmonizações vocais voam na sedutora “In The Attic” e o piano e os “la-la-las” ajudam a criar o macio ambiente de “(It’s Not) Rocket Science”. A batida bossa se funde à ambiência psicodélica dos sessenta em “Paisley Man”. Já a letra de “Me” faz referência aos Beachs Boys e ao Bee Gees, mas está mais para o pop britânico dos anos oitenta.

Em “The Latest Thing”, Felton acha o pop perfeito que buscava e ainda conta com a guitarra voluntariosa de Barbeau. Percussão e vibrafone para balada acústica “Goodbye”, enquanto a climática “Neptune’s Fountain” encerra o disco, com as texturas psicodélicas da guitarra de Barbeau e o sons de cítara da autoharp de Strawbridge. E, no fim, nem vamos perguntar detalhes sobre autoironia do título, Reprovado Em Biologia, que conjugada com a arte de capa – poderia dar o que falar. O diploma pop que nos interessa, Simon Felton conseguiu, em Failing In Biololgy, com louvor.

www.simonfelton.com
www.myspace.com/simonfelton

"So Long": THE WEBSTIRS!

2009-10-01T10:16:00.002-03:00

Nove anos se passaram desde o último registro fonográfico dos Webstirs. Tempo que não foi suficiente para dissolver a parceria dos amigos de infância Preston Pisellini e Mark Winkler. Nem seu interesse em sonoridades carregadas de urgência rock, melodias pop e intervenções orquestrais, cristalizadas em seu novo álbum So Long. Com Charlie Short e Jordan Kozer completando a formação, o grupo de Chicago contou ainda com diversos amigos executando os jogos de metais e cordas.

A plácida e instrumental “Summer Fades” abre o disco à base de piano e metais, em clara homenagem a Brian Wilson e o seu Beach Boys – fixação que vem desde o álbum de estreia Smirk, que já fazia reverência ao clássico Smile. Em seguida, guitarras e trumpetes duelam na energética e apoteótica “Wesley Station”. O ataque continua com a empolgante e vitaminada “Somewhere To Start”, até chegar a melodia envolvente e pegada contundente da faixa-título.

O pop orquestral à la “Jellyfish encontra os Beatles”, com sua aura teatral, aparece em “Malaise”. Já os teclados, a levada vocal e a distorção de “Opparition Shrine”, soam muito próximos a Weezer e Rentals. O clima espacial - em batida de pop orquestral via teclados - de “Big Break”, remete diretamente à grandiosidade do ELO. E o rock’n’roll, com sotaque bluesy e refrão assobiável, aparece em “Sister Temptation”.

Guiada pelo piano, a radiofônica “Calendar Faces” antecede “What DoYou Believe”, mais um pop orquestrado com piano, metais e coros vocais cheios de ‘pa-pa-pas’. Outra bela e onírica instrumental presta tributo ao mestre Wilson, “Winter Song”, encerrando So Long. Álbum que nos mostra como uma parceria musical pode por anos sobreviver, tal qual uma inesquecível canção pop atemporal.

www.thewebstirs.com
www.myspace.com/thewebstirs

"Pete": GREG POPE!

2009-09-28T10:28:00.001-03:00

Você conhece Octoberville? Sabe quem vive ali e qual é a produção local? Ou qual o tipo de artesanato é feito na pequena vila? Onde fica Octoberville? O ar da Vila de Outubro está impregnado de notas virando acordes e se sobrepondo em harmonias. E quando a brisa sopra, leva pra longe versos e refrões, versos e refrões. Os botões de Octoberville sabem juntar com perfeição as peças de uma canção. Assim como o artesão que os maneja sabe harmonizar peso e leveza, energia e melodia.

Os sons de Octoberville vão atrás de você onde você estiver. Mesmo que seja a milhares de quilômetros de Franklin, Tenesse, nos Estado Unidos, onde Greg Pope tem seu próprio estúdio de gravação... o Octoberville. E de onde saiu o segundo melhor álbum do ano passado – segundo o Top 100 do Power Pop Station – Popmonster. Pope (que também produz filmes publicitários e animações) volta menos de um ano depois com este Pete, EP recheado com sete magníficas canções e, provavelmente, o melhor mini-CD de 2009.

Greg, como de costume, tocou todos os instrumentos e fez todas as vozes, no conforto da sua Vila de Outubro. E, com apenas dois discos lançados, já criou uma sonoridade própria, tanto na composição como na qualidade da gravação e produção. Uma música é o suficiente para você dizer: “é Greg Pope!”. A ambiência propositalmente lo-fi, as melodias com tintas sixties, uma aproximação do clima do power pop clássico dos anos setenta e a voz amigável, montam uma canção de Greg Pope.

Assim, “Fall Into Your Arms” abre o disco, arrastando o riff de guitarra junto ao baixo sinuoso, pratos de bateria explodindo e a melodia doce sendo cortejada sem cerimônia. A potência das guitarras empresta densidade à bela e emocional “Help Yourself”, enquanto a ultra-envolvente “How Do You Do It” vai do R&B bubblegum da Motown até quase esbarrar na disco setentista. Hit mundial inevitável se jogado nas ondas do rádio.

A doce e adorável “Roll With It” vem com seu refrão memorável aprendido com os mestres Beatles e Badfinger. Já a acústica “Let It Roll Off” encanta na sua batida macia e folky. “Sleeping Dogs” atesta mais uma vez a força e consistência do artesanato pop produzido por Pope. Enquanto “In My Head” traz o peso de um hard rock soturno para ser iluminado pelo pop harmônico e leve do refrão. Agora sabemos que Octoberville e Greg Pope estão, definitivamente, inscritos no mapa do power pop mundial.

www.myspace.com/edmundscrown
http://gregpope.net/
www.octoberville.blogspot.com

Da Série Clássicos: "At Home With" CHERRY TWISTER!

2009-09-21T16:14:00.004-03:00

Por Daniel Arêas

Bandas e artistas de enorme talento e que mereciam ser reverenciados, mas que são quase que ignorados (ou só obtém o reconhecimento devido muitos anos depois); canções que já nascem clássicas, que deveriam ser entoadas em coro por milhares de vozes – mas que são conhecidas apenas por poucos felizardos; discos que deveriam figurar em qualquer lista “best of” decente, seja do ano, da década ou de todos os tempos – mas nunca são lembrados. Salvo raras e honrosas exceções, este é o cruel paradoxo que o power pop enfrenta, desde seus primórdios. Qualquer um que acompanhe o universo power pop já se deparou com inúmeros discos que não podiam ter outro destino senão o sucesso, mas que se tornaram objeto de culto de um grupo reduzido de fãs. Um exemplo que se enquadra perfeitamente nessa descrição é At Home With Cherry Twister, dos americanos do Cherry Twister, o 5º. disco da Série Clássicos do Power Pop Station.

A figura central do Cherry Twister é o vocalista/guitarrista/compositor/produtor de Lancaster, Pennsylvania, Steve Ward, um daqueles artistas que parecem trazer em seu DNA a vocação e o talento para o pop. Em 1993 ele juntou-se ao baterista Steve Sackler para gravar, em seu estúdio caseiro, o ótimo álbum de estréia da banda, homônimo. Mas foi no segundo disco, At Home With Cherry Twister, lançado seis anos depois – quando então o guitarrista Michael Giblin se juntou a Ward e Sackler – que todo o potencial que o disco anterior prenunciava aflorou.

Se tentássemos definir At Home With Cherry Twister – que, como o nome indica, assim como o álbum de estréia foi gravado no home studio de Steve Ward – em uma única frase, poderia ser essa: uma coleção de canções que nos oferece todo o bem-estar e o prazer que o pop pode proporcionar. Alternando momentos suaves com outros de pegada mais rocker, o disco traz tudo de que precisamos para tornar nossos dias mais felizes: ganchos irresistíveis, melodias apaixonantes, refrões pegajosos e harmonias simplesmente sublimes.

Embora Steve Ward e cia. tenham buscado inspiração em vários dos gênios do pop e do power pop de todas as épocas, é evidente o seu fascínio pelos anos 60. Mas isso não faz o disco soar datado; muito pelo contrário, na realidade atesta sua atemporalidade (e, por tabela, a atemporalidade dos sons que lhe serviram de inspiração). É um deleite ouvi-lo hoje, como seria ouvi-lo há 40 anos atrás ou daqui a 40 anos.

O Cherry Twister mostra a que veio já na ótima faixa de abertura, “Don’t Forget Your Man”, uma mescla entre Beach Boys (uma de suas principais influências) e o peso das guitarras. Em seguida, um irresistível clima merseybeat paira sobre “Sparkle” - e a essa altura o ouvinte está definitivamente fisgado. O efeito wah-wah de guitarra pontua “Meteorite”, uma canção que traz à lembrança a doçura pop dos Rubinoos e que tem seu lindo refrão ainda mais embelezado com a sobreposição dos vocais. Palmas (merecidíssimas) ao fim da canção, e então surgem os primeiros acordes de “Charlotte B.”

Pode existir a canção pop perfeita? Se a resposta é sim, “Charlotte B.” não pode ser definida de outra forma. Ao a ouvirmos pela primeira vez, a sensação é de incredulidade: como não sabíamos que isso existia? Quase que diariamente o mainstream nos despeja toneladas de inexpressivos “next big things”; e Steve Ward escreveu uma canção que tem mais valor do que todas as “novidades” – somadas - que nos são empurradas goela abaixo. O ouvinte possivelmente não conseguirá tirar o dedo da tecla Repeat do CD-player, mas basta ouvir a canção uma única vez para que ela permaneça em sua memória por um bom tempo.

O brilho de “Charlotte B.” não ofusca, porém, as outras músicas do disco. O ritmo cadenciado e a jangly guitar conduzem “Leila” até desembocar no belo refrão, como nos melhores momentos do Big Star ou do Teenage Fanclub. Com suas celestiais harmonizações vocais, a suave e delicada “She’s gone”, nos remete tanto às baladas dos discos dos Beach Boys da fase pré-Pet Sounds quanto a Simon and Garfunkel. Em “Maryann” as guitarras recebem uma injeção de energia e a referência que surge é a do Fountains of Wayne.

“Kinda Like A Star” é uma das melhores canções jamais compostas por Norman Blake. Outro ponto alto do disco, “She’s in Love Again” contagia e conquista de imediato, soando como um legítimo hit-single, apenas esperando que o mundo a descubra. Depois da bela balada “Careful (Can’t Fall Again)” – outra com evidente influência do merseybeat britânico – Ward fecha o disco com chave de ouro: em “Why Won’t You Believe In Me” ele se aventura – com total sucesso – pelos caminhos do AM pop, com sua voz soando mais angelical do que nunca, pairando sobre uma camada de teclados e um delicado dedilhar de guitarra.

At Home With Cherry Twister já ganhou, com toda justiça, o respeito e a admiração da comunidade power pop, figurando na lista de John Borack dos 200 melhores discos de power pop da história. Mas isso não basta para um disco tão genial. Talvez ainda chegue o tempo em que discos como At Home With... estejam no topo das paradas, em que canções como “Charlotte B.” ou “She’s In Love Again” sejam as mais pedidas pelos ouvintes das rádios. Mas pensando sob uma perspectiva otimista, é possível identificar certos sinais de que talvez esse tempo não esteja tão distante assim.

A profusão de relançamentos, deluxe editions, versões remasterizadas de discos clássicos que vemos hoje pode ser interpretada como reflexo da assustadora mediocridade do atual cenário pop/rock mainstream. Será então que não é chegada a hora de começarmos a prestar atenção em todos estes maravilhosos artistas que passam quase que inteiramente despercebidos? Se o presente é desolador e o futuro parece sombrio, a salvação pode estar mais próxima do que imaginamos. E iniciar esse processo de descoberta com discos como At Home With Cherry Twister seria uma escolha bem próxima do ideal.

"Dead Air Radio": THE BEAT SEEKERS!

2009-09-17T10:31:00.003-03:00

Kyle recebe os clientes nas mesas de espera do Millard Roadhouse. Benji é o chefe de Ryan K. em uma pizzaria da cidade. Timmy trabalha para uma empresa familiar de tintas e pinturas. Ryan G. ajuda pessoas com necessidades especiais na Madonna School. Keith escreve as canções. Juntos eles são os The Beat Seekers. Banda americana de Omaha, Nebraska, que nos apresenta seu álbum debut Dead Air Radio.

Aqui, Kyle, Benji, Ryan K, Timmy, Ryan G, liderados por Keith, trocam seus apetrechos do trabalho diário por guitarras, baixos, baterias e teclados. Passam de funcionários a guitarristas, de empregados a vocalistas... e, sintetizam a realidade da maioria das bandas power pop do mundo: pessoas comuns que são movidas pela paixão pela música. É claro que o “sonho rocker”, de um dia viver do som produzido pelas suas guitarras, e não das pizzas servidas no balcão, fazem parte do processo, mas não a parte principal.

E como o próprio nome do grupo diz, os rapazes de Omaha estão em busca do ritmo, da batida que traga energia e melodia em doses iguais. Soam como o encontro de um Green Day (menos furioso e mais interessado em diversão do que em política) com o pop clássico e sessentista dos Beatles – influências claras já na faixa de abertura “All Dolled Up” e na canção-título. “Passerby” é hit em potencial, com sua progressão de acordes ganchuda e bela cobertura de harmonias vocais.

“Don’t Blame Me” revela a habilidade de Keith Fertwagner para talhar envolventes canções pop, ou petardos rockers com pegada punk, como em “Personality Overload”. Guitarras faiscantes, batida nervosa e refrão memorável para “Lipstick Crush Delight”. Já a energética “Anything Won’t Do” e a cativante “Birthday Song”, trazem junto as doces melodias dos sixties. Enquanto pop e country são mesclados com perfeição, atingindo ares emocionais no refrão em “Save Tonight”.

A coleção incrível de pérolas pop dos Beat Seekers continua, com os impecáveis coros vocais e a melodia magistral da gema “A Single Sigh Of Relief”, que encontra, em seguida, a balada radiofônica “Better Days (revisited)”. A potente e melódica “Solutions M.I.A” antecede a faixa final, a macia e adorável “Life Long Grave”.

Assombroso o que recepcionistas, pizzaiolos e assistentes sociais podem fazer com uma guitarra nas mãos. Mas é que rockstars são sempre recepcionistas, pizzaiolos ou assistentes sociais... antes de serem rockstars. Que seja um prenúncio para os Beat Seekers, e, se não o for, de todas as formas Dead Air Radio já terá seu registro entre os grandes álbuns power pop de 2009.

www.myspace.com/thebeatseekers

"Secret Powers And The Electric Family Choir": SECRET POWERS!

2009-09-14T15:39:00.002-03:00

Inverter lógicas às vezes pode render bons frutos. Tomar o caminho inverso talvez soe inconseqüente aos outros, mas pode fazer todo o sentido pra você. Porque os objetivos, os sonhos e as fantasias são carregadas conosco onde quer que estejamos. Não sabemos os motivos, mas foi isso que o músico Ryan “Schmedly” Maynes fez: deixou Los Angeles – onde liderava a banda Arlo – e foi para o interior do Estados Unidos. Mudou-se para a pequena cidade de Missoula, Montana, planejando viver como produtor, engenheiro de som e músico. Mas não é Los Angeles a meca da indústria musical?

Pois foi invertendo a lógica e dando ouvidos apenas a seus desejos e inspiração, que Schmed idealizou o incrível Secret Powers. Com seu próprio estúdio, montado no quintal, e músicos de bandas locais, o americano gravou dois álbuns: Explorers Of The Polar Eclipse e, agora, este Secret Powers And The Electric Family Choir. E gravar discos no quintal de uma cidade interiorana só ressalta o talento de Schmed, tanto na composição, como nos arranjos e produção.

E, se foi pra arriscar, Ryan Schmedly não veio pra brincar: suas canções gostam dos arranjos intrincados do Jellyfish e experimentam as viagens orquestrais do ELO, oferecidos com o sabor pop e doce dos Beatles. Como a grandiosa “Orange Trees”, que poderia ser uma colaboração Jeff Lynne/Beatles, com passagens por ambiências elétricas, reflexivas e espaciais. O banjo e o acordeão, na adorável “Maryanne”, dão o toque de interior e a batida do piano animada desemboca no ritmo circense até o emocional grand finale.

“By The Sea” coloca ondas do mar em andamento de valsa e a força do pop orquestral emociona em “Heavy”. “Lazy Men” vem envolta por harmonizações vocais, metais e grand pianos: uma gema pop orquestrada em menos de três minutos. Violinos e violões abrem a balada atemporal “Misery”, que recebe notas de piano e refrão memorável. “Ghost Town” é country pop cativante, com refrão para arenas cantarem junto; e a beleza magistral das harmonizações vocais desce em “Treat Your Mother Nice”, como se recebidas do próprio mestre Brian Wilson.

A perfeição pop continua no que poderia ser um clássico setentista: “Something About Girl”. Vocal rascante, harpa onírica e coros vocais flutuando em “One Less Star”; e coloração psicodélica para “You Know It’s Time”. E o rock, com pegada de blues e coros de hino hippie, “Both Sides Of The Candle”, encerra Secret Powers And The Electric Family Choir. O álbum fruto do desejo improvável e da genialidade de Ryan “Schmedly” Maynes, cujos poderes secretos devem ser revelados ao mundo. Já.

www.myspace.com/secretpowersmt
http://squaretiremusic.com/band.php?b=sp

"Lift You Up": LEWIS WILSON!

2009-09-10T10:50:00.001-03:00

Não é novidade qual é o maior sonho de consumo dos escoceses: o sol da Califórnia. E suas praias, com suas garotas e seus biquínis, e a areia quente, onde quebram as ondas perfeitas. Energia vital que emanou as sonoridades da Califa dourada, dos Beach Boys, de Brian Wilson, dos Byrds e atravessou o Atlântico atingindo em cheio a pequena ilha britânica. Sai geração entra geração, e os filhos da Escócia continuam procurando abrigo no calor revigorante das singelas canções pop, para se proteger do frio cortante do seu país.

E de inverno a inverno, criou-se uma forte tradição pop local. Que agora chega ao jovem Lewis Wilson, que nos apresenta seu álbum debut Lift You Up, título - “Botar Você Pra Cima” – que promete o paraíso pop em plena Escócia congelante. As influências do escocês também passam tanto pelo folk rock de Neil Young e CSN&Y como pelos cowboys espirituais da nova geração The Thrills e Beachwood Sparks.

Mas as referências mais cristalinas vêm de conterrâneos: a incrível faixa de abertura “Holiday In The Sun”, com seus vocais macios, pegada energética e refrão memorável, remete aos heróis locais do Teenage Fanclub. Enquanto o pop perfeito “It’s Amazing” soa muito próximo a Daniel Wylie. Na power ballad “Golden Country” um órgão vintage dá o clima e Wilson não se exime de mostrar emoção. A bela “To All The People” ensina como se produz o melhor pop americano com sotaque genuinamente escocês.

“Stay Longer” traz o verão californiano para Glasgow, junto com as harmonizações vocais celestiais de “Open Your Mind”. Maciez pop para a melodia cativante de “Super Place”, seguida da poderosa e emocional canção-título, que poderia figurar entre as jóias do Cosmic Rough Riders/Daniel Wylie. Lift You Up mostra que a Escócia acaba de revelar mais um grande compositor pop para seu panteão. E que, de canção em canção, às vezes, o inverno pode virar verão.

www.myspace.com/lewilson2

"On The Up Side": THE HUMBUGS!

2009-09-03T11:12:00.003-03:00

Adam e Kristin não dividem apenas o mesmo sobrenome Marshall. Não são apenas um casal vivendo sobre o mesmo teto ou discutindo como pagar as contas no fim do mês. Eles são uma dupla que persegue junta a mesma paixão: a canção pop perfeita. Criaram o Humbugs provavelmente para se divertirem e consolidar a sua cumplicidade pop: que tal uma banda para entreter os pedestres que passam pelo mercado rural de Durango, no Colorado?

Hoje, o grupo de Minneapolis, chega ao terceiro álbum como um quinteto, e com uma respeitada trajetória no mundo do power pop. On The Up Side mostra como soaria um casamento entre Neil Finn e Aimee Man – já que Adam e Kristin alternam os vocais principais – mas com suas veias sessentistas saltadas. Porque se esmeram nas harmonias vocais, se preocupam que as melodias sejam mais memoráveis o quanto possível.

Por isso a faixa de abertura, conduzida pela voz amigável de Adam, “One More Day”, carrega o ambiente de clima emocional, sem perder o foco pop da canção e, ainda, enchendo de texturas as harmonias. Kristin assume o vocal na contagiante, de belo refrão, “Lies Behind The Glass”. Enquanto a perfeição pop de “Employee Of The Month” e “Calico Eyes” iluminam e adoçam o dia.

A belíssima power-ballad “As Long As I Matter” emociona e cristaliza a extrema sensibilidade pop de Kristin nos vocais e de Adam na composição de uma canção. “Walking Home to You” oferece leveza revigorante e “Fireflies” traz energia da new wave oitentista na melhor escola Blondie. A agradável meia-balada “Take A Chance” e a energética “Mic Stand”, encerram On The Up Side, completando sua coleção admirável de alianças, digo, jóias pop.

http://www.thehumbugs.com/
www.myspace.com/thehumbugs

"Vegas With Randolph": VEGAS WITH RANDOLPH!

2009-08-31T10:29:00.002-03:00

A história conta que a vida adulta trata de separar os mais fiéis amigos de escola. Cada um segue seu rumo buscando objetivos e aspirações. Mas existem casos em que uma paixão em comum pode manter amizades por longos anos. É o caso dos americanos John Ratts e Eric Kern, que se mantêm conectados pelo amor a música. Parceiros de longa data, Ratts e Kern passaram por variadas bandas em Washington DC e agora juntam forças – e composições - no Vegas With Randolph.

Com a participação de diversos amigos, Vegas With Randolph, o álbum, traduz o interesse dos parceiros pelo pop e rock atemporais. A começar pela faixa de abertura “Be The One”, onde um piano voluntarioso disputa espaço coma a bateria vigorosa e guitarras energéticas. “Happy” não esconde a tradição melódica da música americana, até explodir no poderoso refrão. “The Same” abusa dos teclados em clima emocional e vai crescendo para desaguar na pegada de guitarras rascantes.

A acústica “Versailles” envolve na batida do violão, melodia pop e gaita onipresente, nos seus quase sete minutos de duração. “Arizona Blue” é bela balada guiada pelo piano e aeradas harmonias vocais. E a macia e doce, com toques country, “Buses Trains & Planes” foi indicada a concorrer a “Canção do Ano” pela Washington Area Music Association. “Longplay” é uma suíte com seis canções, unidas como uma colagem pop, que apresenta algumas pérolas como “All The While”, “Dreams Of The Night” e “Your Own Song”. Que a parceria Ratts-Kern dure muitos álbuns mais.

www.myspace.com/vegaswithrandolph

"Unpublished": TONY COX!

2009-08-27T16:40:00.002-03:00

Clássico, clássico, clássico! O sentido de pop clássico e atemporal está aqui: canções que visitam o pop sessentista, passam pelo soft rock setentista e esbarram em sonoridades oitentistas. A sensação, ao ir mudando de faixa em Unpublished, é a de se estar girando dial por estações de sucessos mundiais da história do pop. E, enquanto tentamos lembrar onde ouvimos estes hits, o título trata de lembrarmos que são músicas não-publicadas anteriormente (apesar de, na verdade, seis faixas de Unpublished já terem figurado, em 2008, no álbum de estreia da banda de Cox, o The Offbeat).

E a intenção do compositor inglês com Unpublished, é despertar o interesse de produtores, artistas e gravadoras para suas pérolas pop. Uma espécie de portfólio sonoro que os power poppers deram um jeito de atravessar e desfrutar para seu bel-prazer. Contando com Nigel Clark nos vocais – frontman da banda britânica Dodgy - e Darren Finlan na bateria, Cox escolheu suas 11 canções preferidas onde, prova-se, não economizou talento no artesanato da composição pop.

“Sweet Elaine” abre o disco já dando a impressão de que alguma vez na vida já repetimos aquele refrão – com seus toques de soft rock dos setenta e pop orquestral. “Feel Real Love” vem marcando forte no baixo, pontuando nos metais e caprichando nas harmonizações vocais. Os sintetizadores de “Life Is Hardcore” remetem às bases do pop dos anos oitenta, enquanto “Jamelia” se espalha por completo pela atmosfera do sixtie pop britânico.

A bela semi-acústica “Fallen” traz mais uma melodia colante em clima macio e ingênuo dos sessenta. “Chills” e “Say The World” poderiam estar por aí, nas ondas do rádio, há anos com suas melodias envolventes e refrões memoráveis – dois clássicos instantâneos. “Show Me Your Love” já alcança o pop contemporâneo e “Can’t Leave Too Soon” volta a atestar a capacidade Tony Cox em criar canções de forte apelo pop. Resta saber o quanto o mundo estará interessado na incrível coleção de clássicos em potencial de Unpublished. Nós estamos.

www.coxymusic.com
www.myspace.com/coxysongs

"Skoober EP": SKOOBER!

2009-08-24T11:49:00.002-03:00

Bandas com garotas nos vocais vêm aumentando a cada dia no mundo do power pop. Mas ainda não são nada comuns. E dependendo da proposta do grupo - e do timbre vocal da vocalista - as moças funcionam melhor que os marmanjos. E, pelo menos no Skoober, a voz feminina de Tawni Bates, deu brilho ao trabalho instrumental do faz-tudo Andy Weaver.

A dupla de Elmira, estado de Nova Iorque, veio ao mundo com o disco de estreia Say!, de 2008, e retorna aos holofotes com este EP homônimo de seis faixas. Que soa como uma cruza de Blondie com Rooney ou onde a new wave encontra o power pop. Ou, de acordo com a bagagem musical do ouvinte, pode soar como um pop rock invocado.

E bota invocado nisso quando as guitarras de Weaver e a voz potente de Bates anunciam “Get It Out”, com sua melodia adesiva e energia faiscante. Enquanto “Sucks To Be You” vem envolvendo na levada até Tawni convidar ao pop grudento do refrão. A poderosa “Don’t Be The One To Leave” dá potência de banda ao duo, com bateria voluntariosa, guitarras espetando e um órgão intervindo perfeito em momentos-chave.

“On And On” apaga as luzes, veste Tawni de diva e traz clima retrô com batida de valsa pop. Já “Parts Of History” tem algo de Rentals na sonoridade, e faz o casamento perfeito das guitarras cortantes de Weaver com os belos falsetes de Tawni no refrão. Fecha o EP a canção acústica com batida bossa “One And Two”, revelando a versatilidade vocal de Bates. Que este EP do Skoober sirva de incentivo para vermos, em breve, mais saias à frente de bandas power pop.

www.skoober.net
www.myspace.com/skoober

"Man Overboard": J.P. CREGAN!

2009-08-20T10:07:00.001-03:00

Os bons tempos estão de volta! Quer dizer, quando se trata de power pop, eles estão sempre por aí... mas existe uma época que, talvez por estar mais próxima, tem sido menos revisitada por bandas e artistas da nova geração. É a fase do power pop clássico, que vai de fins dos anos 70 até meados dos 80, onde tínhamos vigentes os reinados de Elvis Costello, Nick Lowe e Marshall Crenshaw, para citar os mais conhecidos. E são essas sonoridades que ouvimos, modernizadas, em Man Overboard, primeiro álbum solo do guitarrista do Parklane Twin J.P. Cregan.

O americano de Los Angeles - que também é colunista da ESPN, onde escreve sobre basquete – carrega no seu visual uma aura quase subliminar que remete a songwriters clássicos e geniais: os óculos de grau e armação quadrada de Cregan nos fazem lembrar de Buddy Holly e Elvis Costello. E a influência deste último é que salta mais aos ouvidos, principalmente no timbre vocal e modo de cantar – se você considerar o Costello de 30 anos atrás.

“Carolyn (The Pleadge Drive) abre Man Overboard na batida animada de um pub rock de bases fincadas em ambiências cinquenstistas. Piano pontuando, steel guitar miando no fundo, melodia doce e macia para “Count To Three”. “Barbara Is Strange” chega espreitando, harmoniza, com beleza, pontuais “ahahahs” depois capricha no andamento envolvente. “Atmosphere” tem algo de raiz e algo de pop sessentista e um pouco de charleston no refrão.

“Miss Highland Park” traz órgão, palminhas e batidas de violão encorpando a sonoridade, enquanto as guitarras aparecem em “Shouldn’t Take It So Hard”, sem tirar a maciez da canção. A climática “Winter Of ‘85” faz flutuar com seus coros vocais de beleza rara e de aura espiritual. A canção–título é uma balada acústica assombrada por notas de piano que sobem a escala musical em perfeita sincronia com o andamento da canção. A energética “The Underdog” fecha o álbum nos mostrando que as lentes de J.P Cregan não refletem apenas heróis do passado, mas enxergam onde se escondem todas as senhas do pop atemporal.

www.myspace.com/jpcregan

"Roommate": TOTOS!

2009-08-17T11:53:00.001-03:00

Quando o astro-rei brilha na Terra do Sol Nascente, nunca brilha ao mesmo tempo aqui. Um desencontro que sempre foi e sempre será. Mas o homem é mestre em subverter ordens naturais – mesmo que muitas vezes pela sua capacidade de imaginação e fantasia. Então, não há problema em que o sol que ilumina o Japão passe a nos banhar aqui, como se a Terra fosse plana como uma folha de papel. Mesmo que esse fenômeno sobrenatural dure apenas os 42 minutos de Roommate.

Projeto solo do baixista do Brokespace Koyo Fukamizu, o Totos reúne membros de outros grupos japoneses e nos oferece um dos melhores álbuns de power pop da história do país asiático. Lançado em 2008 – e criminosamente fora da lista Top 100 Álbuns do Power Pop Station – Roommate é o primeiro álbum do grupo e vem para confirmar a aptidão japonesa na criação de melodias bubblegum de contágio imediato.

Não é a toa que o power pop tem certa popularidade no Japão: as belas melodias são ali apreciadas como iguaria fina e já se tornaram ingrediente obrigatório da receita de qualquer bom pop japonês. E quando a sensibilidade oriental cruza com a objetividade ocidental; ou a pureza melódica do lado de lá encontra com a energia instrumental do lado de cá, só podia dar nisso: o power pop perfeito.

“1,2,3” abre a contagem das 15 faixas de Roommate, com uma guitarra guinchando e a melodia perfeita, à la Teenage Fanclub, convidando todo mundo a contar (e cantar) junto – em um inglês pra lá de nipônico. Em “From Now” não vai interessar se é dia ou noite, pois os ganchos melódicos, as harmonizações vocais e as guitarras afiadas vão te trazer o sol onde você estiver. E te envolver numa ambiência “eterna enquanto durar” de bem-estar e diversão.

O vocal angelical da guitarrista U-co Sekido embeleza e confere ingenuidade à adorável “Film”. De mansinho e doce chega “Tears No Reply”, para em seguida explodir no refrão ultracolante e emocional, daqueles com progressões de acordes para deixar qualquer power popper sem chances de defesa.. Toques de bateria eletrônica e baixo forte para “Natural Water” e batida e metais cativantes em “Sweet Dream”. U-co volta com voz de gueixa – cantando em japonês – na macia “Good Night”.

Em “What Did You Say” Koyo mistura palavras na língua nativa e em inglês. O que não importa muito porque o refrão é só sensacional – tipo Teenage Fanclub era Bandwagonesque - e você vai cantar, querendo ou não. “For You” é uma vinheta de 35 segundos com um baixo que faz até pedra se mexer. “P.S I Love You” é um pop experimental eletrônico no melhor estilo do conterrâneo Cornelius. “You Disappointed Me” é composição de Duglas T. Stewart, do BMX Bandits, que também fez a arte gráfica do CD.

Um ideograma representa o título da faixa doze, que soa como uma bela canção de ninar japinhas. Inglês e japonês para a canção que é praticamente um refrão memorável “Thank You For Goodbye”. A bonita balada “Ticket” confirma Koyo como um artesão das melodias colantes e “Set Me Free” encerra com um dueto Koyo-Uco em clima grandioso com orquestração sem quebrar o ambiente de romance.

Roommate deveria ser prescrito como remédio para casos de depressão leve, aguda ou crônica. Seus princípios ativos provavelmente também fariam bem a quem sofre do coração. Mas, o que intrigaria cientistas a valer, é como consegue levar o sol a pontos opostos do planeta. Ao mesmo tempo.

www.totos.jp
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"Social Crutch": DIPSOMANIACS!

2009-08-13T10:23:00.001-03:00

Os Dipsomaniacs estão nessa por diversão. Mas também gostam de dizer suas verdades. Ironias que podem alfinetar mais que mil palavrões: a começar pela arte de capa – que mostra um garçon servindo drinks sob o título do álbum Social Crutch, (“Muleta Social”), em clara referência ao álcool; e o próprio nome do grupo - que quer dizer algo como “alcoólatras”. Mas é claro que ninguém está aqui pelas gracinhas ou espetadas temáticas do Dipsomaniacs. Os veteranos de New Jersey conhecem como poucos a receita de unir a crueza do garage rock com a sensibilidade melódica do pop.

Seu líder, Mick Chorba, não esconde a admiração por Replacements e The Who, mas deixa claro em suas canções que gosta das coisas do seu jeito. Chorba - que espraia sua criatividade também no The Successful Failures – domina e doma a eletricidade de sua guitarra do mesmo jeito que amacia e embeleza as tramas das suas melodias. Como na sintomática faixa de abertura “Together We Can Rule The World”, que pela força de seu poder pop envolvente realmente poderia conquistar o mundo nos seus dois minutos e dezesseis segundos de duração.

Apesar do título (“Largue Sua Guitarra”), os instrumentos das seis cordas rugem forte em “Drop Your Guitar” – lembrando que o Cheap Trick também é uma influência. A batida em ritmo quase circense de “Blame It On The Gin” não impede o refrão marcante e uma bela ponte melódica no meio da canção “Not Waiting Around” é pontuada por um órgão sobre camadas de guitarras e harmonizações vocais bem cuidadas. Já “Loretta After All” é uma power-ballad e “Wake Up Sue” um rock’n’roll envenenado de refrão adesivo.

“Kids On Base” fala dos garotos que ficam nas bases militares americanas mundo afora “aguardando as ordens do seu comando”. Enquanto a pegada cativante e vitaminada de “Oh Jose” contrasta com a maciez não-ingênua de “Wait And See”. E “Halo Around You” fecha Social Crutch, confirmando que, na verdade, os Dipsomaniacs são viciados – e viciantes – é na arte de eletrificar uma canção pop, nada a ver com copos cheios de gelo, tônica e gim.

www.dipsomaniacs.net
www.myspace.com/dipsomaniacs

"Surrender To Love": THE TIMETRAVELLERS!

2009-08-10T11:32:00.002-03:00

Quando Öyvind Ander lançou seu segundo álbum solo, Heaven Is, dissemos que o mundo precisava de pessoas que ainda acreditassem nos bons sentimentos humanos. E que nós precisávamos dos bons fluídos transmitidos pelas canções do cantor-compositor sueco. Ouvindo nossas preces, menos de um ano depois, Ander retorna, agora sob o nome de sua banda, os Timetravellers, e se mostra disposto a continuar seu trabalho de fé e paixão, pela música pop e pela humanidade – ambas carentes de boas intenções.

Surrender To Love repete três belísimas canções de Heaven Is, só que desta vez trazendo Cristina Sipi nos vocais: “Born To Be Free”, “Heaven Is” e “Song For the Earth”. A configuração de banda, para o novo disco de Ander, trouxe mais consistência instrumental e pegada à sonoridade. Mas, de forma alguma, se sobrepõe à intenção primordial das canções do artista, que são as mensagens positivas embaladas por belas melodias a serviço do bem-estar.

O álbum dos Timetravellers soa como uma continuação natural do anterior de Öyvind Ander, como um novo capítulo de um mesmo livro e onde alguns flashbacks ajudam a relembrar acontecimentos passados. A faixa-título abre o disco com base acústica pontuando dedilhados ao violão num clima que passa entre o cancioneiro de James Taylor e o soft rock setentista. E as harmonias celestiais de sempre.

Sob a pergunta existencial que todos nós nos fazemos, vem a macia “Why Are We Here”; já as guitarras aparecem mais ferozes na envolvente “Why” e na contundente “The Secret”. “Do What You Want” é tudo o que queremos: progressão de acordes viciante, melodias adesivas e harmonias vocais angelicais. “We All Need Our Friends” oferece refrão auto-adesivo e a beleza de “Inner Peace” realça que paz interior é o que precisamos. E é exatamente para isso que Surrender To Love, Öyvind Ander e os Timetravellers estão entre nós.

www.myspace.com/thetimetravellers
www.myspace.com/timetravellingsongs
www.myspace.com/oyvindander

"In The Late Bright": TOMMY KEENE!

2009-08-06T10:24:00.002-03:00

A imagem distorcida pelo calor exalado pelo asfalto quente vai sendo revelada aos poucos. A silhueta de alguém que se aproxima - e parece carregar um case de guitarra nas mãos – não transparece cansaço nem desânimo. Traços marcados pela experiência e perseverança começam a aparecer no rosto que se acerca. São mais de 25 anos de carreira, cruzando o Estados Unidos de ponta-a-ponta sem que o grande público realmente reconheça aquelas feições. Mas nós, power poppers, sabemos que quem vem lá é Tommy Keene.

O americano, que influenciou centenas de novas bandas nas últimas duas décadas e meia, com sua voz inconfundível e sua guitarra sempre brilhante e cheia de ganchos melódicos, volta com seu oitavo álbum In The Late Bright. E, tanto tempo depois, Keene continua sendo considerado pela crítica musical como um nome do power pop a se respeitar. Porque consegue forjar canções pop simples, com pegada forte e sempre com algo a dizer com mais profundidade e reflexão.

In The Late Bright foi produzido e gravado por Tommy em sua casa, realçando a força das composições, em vez de valorizar efeitos e truques de estúdio. Assim “Late Bright” abre o disco com o som de um Baldwin Fun Machine (órgão sessentista) emergindo para logo dar espaço à batida marcante e o brilho da guitarra de Keene. “A Secret Life Of Stories” é contagiante no ritmo e na melodia, sem ser exultante – até as canções mais up de Tommy trazem uma carga reflexiva que se projeta claramente na sonoridade.

“Save This Harmony” dedilha guitarras com maciez e leva a plácidas paisagens. Já “Tomorrow Gone Tonight” e “Goodbye Jane” chegam envolventes com suas melodias luminosas para, em seguida, desaguar na power-ballad “Nighttime Crime Scene”. A primeira faixa instrumental da carreira discográfica de Keene, “Elevated”, é uma assustadora e hipnótica sinfonia de guitarras. “Hide Your Eyes” encerra In The Late Bright com seu belo refrão, enquanto a silhueta de Tommy Keene já vai longe, rumo aos próximos vinte e cinco anos.

www.tommykeene.com
www.myspace.com/tommykeeneband

"Desayuno de Campeones": RUBIN Y LOS SUBTITULADOS!

2009-08-03T12:23:00.004-03:00

Sempre estamos disponíveis para admirar os feitos de nossos heróis do passado. E sempre paramos para medir o grau de frustração por não termos feito parte de determinadas épocas, que consideramos, utopicamente, mais afeitas às nossas convicções ou fantasias. Mas a verdade é que estamos aqui e agora dividindo nossa realidade, nosso tempo e nosso planeta com nossos contemporâneos, que também, muitas vezes, têm os mesmos heróis de outros tempos. E que trazem para o presente as influências modernizadas de anos que já se foram.

Então, agora, também estaremos orgulhosos de nossos companheiros de viagem, aqueles que podem sentir o calor do mesmo sol ou uivar para a luz prata da mesma lua. Assim chegamos ao cantor compositor argentino de Buenos Aires – nosso vizinho, por supuesto – Sebastian Rubin, ex-líder do sensacional Grand Prix e que chega ao segundo álbum solo com este Desayuno de Campeones. Carregando em si uma mar de expectativas por ter a árdua tarefa de ser o sucessor do estupendo EsperandoEl Fin Del Mundo.

Mas Rubin não é do tipo que se acanha frente às próprias vitórias passadas e segue disposto a adicionar elementos e descobertas ao seu imenso talento. Contando para isso com os Subtitulados (Manuloop, Juampi Mandelman, Martín López e Cristian Basualdo) que fazem a base para que possa destilar suas inspiradas canções pop – onde Beatles, Elvis Costello e Teenage Fanclub são referências cristalinas. Sebastian, como nós, também admira os feitos de seus heróis do passado e titulou seu disco como o nome de um livro de Kurt Vonnegut (escritor americano morto em 2007).

Desayuno de Campeones (Café da Manhã dos Campeões) segue alinhavando as características conflitantes e complementares da música de Rubin: uma canção de melodia doce pode cantar a frustração e o desamor; uma balada pode ser ácida e carregada de ironia; ou um petardo rocker pode ser uma carta macia de amor. De todas as formas, os temas se submetem à melodia, que é o ponto fundamental na composição do argentino. Se deixar invadir pela inspiração melódica para então saber o que aquela canção vai ser capaz de contar.

E assim abre o disco “Quien Debo Ser Esta Vez”, uma das mais potentes e empolgantes canções power pop do ano: guitarras afiadas, melodia colante e emocional, órgão climatizando, coros vocais celestiais e a pergunta de como se reinventar para que um relacionamento siga em frente. “El Dia Que Nunca Termina” traz riff envolvente e “El Rey De La Ansiedad” revela um insone flutuando em ambiências sixties. “Falling In Love With Myself” vem na batida country-folk, cantando em inglês a confissão de amar a alguém que só sabe se amar.

“Lo Que Ves Es Lo Que Hay” começa com Rubin ao piano com som de cravo e segue orquestrada com cordas - nesta que é a primeira canção com vídeo clip do álbum. O desejo de estar longe da cidade e perto de uma vida natural é musicado pela belíssima “Los Encerraditos”, indo da batida ao piano de música americana à perfeição melódica dos Beatles – passando pelas harmonias vocais beach boyneanas. E a voz agradável de Rubin nos convida e escapar e a mostrar que no fim tudo dá certo na macia “Avenida Del Mar”.

A voluntariosa “Nada” agita na batida cativante e a linda versão para a pérola de Robyn Hitchcock “Flash Number One (Beatle Dennis)” emociona. Neste ponto já fica claro o cuidado na produção e nos arranjos do álbum, no uso de diversos instrumentos vintage para dar o clima que todo power popper sonha, como nas seguintes “Aparecer” e “Menos Es Mas”. Fecha o disco a balada acústica “Quiero Que Me Vengas A Buscar”, que do meio para o fim encerra uma apoteótica explosão de guitarras. E, que agora, nos encontra disponíveis a admirar um contemporâneo chamado Sebastian Rubin, que utiliza sua sensibilidade melódica para oferecer canções que transformam nosso presente num tempo melhor para se viver.

www.rubinlandia.com.ar
www.myspace.com/rubinlandia

"Home Alone": ANY VERSION OF ME!

2009-07-30T11:03:00.002-03:00

Em 2008 ninguém fez melhor do que ele: nos transportar ao mundo do sonho sessentista onde as melodias ajudam a colorir o mais bonito pôr-do-sol e as harmonias sopram junto com a brisa mais reconfortante. Em meio a um mar de artistas que revivem a década de ouro da pop music, Backward Forever mostrou que Any Version Of Me conseguiu, um nível acima, captar a essência de uma época. Uma época cujo legado prova ter força suficiente para atravessar gerações e continuar conquistanto novos adeptos, seja aonde for.

Assim o parisiense Guillaume volta com este Home Alone, ainda com ecos sessentistas e influência de grupos britânicos, mas agora focando as referências, mais solidamente, em artistas americanos. Climas que passeiam pelos anos 70, encontrando o folk e o soft rock. E apesar da mudança de direção, o francês continua um mestre da canção pop com sua sensibilidade apurada e domínio da arte de forjar melodias puras e doces.

Em Home Alone podemos escutar algo de Crosby Stills, Nash & Young, Gene Clark, Simon & Garfunkel, mas também, ainda, os onipresentes Beatles. E as ambiências reflexivas e melancólicas refletem e traduzem, com fidelidade, o título do álbum – ainda que a intenção seja a repercussão do álbum ir além-lar, além-França, além-mar. Por isso, suas canções batem por aqui pedindo para serem compartilhadas. Nem que seja só com você, naquele canto do quarto onde a janela te mostra a desordem mundo ser ordenada temporariamente pelos 35 minutos de Home Alone.

www.myspace.com/anyversionofme

"Keeps You Up When You're Down": THE PERMS!

2009-07-27T19:31:00.001-03:00

Fazer uma promessa logo no título de um álbum de rock, pode ser bastante perigoso. Quando um grupo diz que “mantém você pra cima quando você está pra baixo”, deve confiar o suficiente na sua capacidade de mexer com as sensações, através de letras, melodias, batidas e harmonias. Ainda mais em um mundo onde o estresse é uma constante da vida moderna. Aliás, todo bom disco de power pop deveria vir com a frase estampada na capa – afinal, levar o bem-estar ao ouvinte é a função primordial do estilo. Ou não?

Keeps You Up When You’re Down é o quarto disco do trio canadense The Perms, formado por Shane Smith (baixo e vocais), Chad Smith (guitarra e vocais) e John Huver (bateria). E para honrar a afirmação feita no nome do álbum, o grupo de Winnipeg oferece canções com altas doses de energia primária, servidas com generosas porções de ganchos melódicos (para que os vidros de antidepressivos permaneçam docemente intocados).

A vigorosa “Give Me All Your Lovin” chega metendo o pé na porta com suas guitarras raivosas e o vocal soando como um Paul Stanley de mau-humor (ou com a calça apertada demais...). “As You Were” abre turbinando na distorção da guitarra para logo depois adoçar nos vocais e conquistar no grudento refrão. “Running Away” envolve no brilho das guitarras e na batida dançante – ao melhor estilo das bandas japonesas de power pop.

“The Mess” traz refrão para as massas e “You Don’t Know” é talhada para qualquer rádio pop do planeta. E a fúria gentil e envolvente continua dando o tom dos Perms: “Nightshift”, “Who Are Fooling” e “Big Mistake”. A esperta “Things Left Unsaid” tem acolhida fácil nos iPods da garotada descolada; e a melodia pop escala as paredes de guitarras na faixa final “Salvation” – de onde saiu a frase-promessa feita no título do disco e cumprida com todo louvor.

www.theperms.com
www.myspace.com/theperms

"After School" - JENNY WOLFE!

2009-07-23T12:22:00.002-03:00

De cara, a primeira coisa que chama a atenção em After School é capa: uma menina com a metade dos cabelos pintados de azul se apoiando em uma clássica guitarra Rickenbaker - ladeada por uma arte gráfica com ares retrô. Algo como se a nova geração interagisse com o passado, prestando suas honras e homenagens. E é exatamente disso que se trata o disco: a menina com a Rickenbaker é a texana Jenny Wolfe de 16 anos, e After School traz uma coleção de 12 covers de clássicos atemporais – além de duas faixas autorais.

Wolfe, aos 16, já é considerada uma veterana da cena no Texas. Aos 13 já tinha lançado seu primeiro disco, sob o nome Jenny Wolfe And The Pack e agora, sob os cuidados do produtor Freddie Steady Krc – ex- líder do The Explosives e atual Freddie Steady 5 – chega ao segundo álbum com este After School.

A faixa-título – composição de Wolfe e Steady - abre o disco com clima folk-country e já mostra potente voz de Jenny. Em seguida vem o clássico dos Jackson 5, a sensacional e empolgante “I Want You Back” – que segundo Jenny foi a faixa mais difícil e complexa de cantar. O bom gosto de Wolfe continua a toda a prova com “I Love You” dos Zombies e na bela canção dos Explosives “Lonely Street”, onde o próprio Krc faz os backing vocals com Jenny.

After School é quase uma ode aos anos sessenta, já que grande parte das músicas são daquela década. Como “Game of Love”, de Wayne Fontana & The Mindbenders; “Upstairs Downstairs”, dos Herman’s Hermits; “Dancing In The Streets”, de Martha & The Vandellas; “Baby It’s You”, das Shirelles e “Just A Little”, dos Beau Brummels. “Twisted Smile” é a outra obra autoral do álbum e bota a Rickenbaker da capa, e sua sonoridade jangle, para funcionar.

Interessante aqui ver uma garota de dezesseis interpretar a beleza melancólica de “Thirteen” do Big Star. E perceber que a força das verdadeiras canções pop continuam ultrapassando décadas e sendo, até, transportadas na voz da própria nova geração – como aqui bem faz Jenny Wolfe.

www.myspace.com/jennywolfeandthepack

"Spare Parts": JUNEBUG!

2009-07-20T13:22:00.001-03:00

Desde 2004 a dupla britânica Junebug – formada pelos irmãos Guy e Raph Latham - lança religiosamente um álbum por ano. Discos sempre recheados de canções de alto teor pop, com melodias inspiradas e que revelam a usina de hits que é o duo (hits, por enquanto, restritos aos quartos dos power poppers distribuídos pelo mundo). E com este Spare Parts – “peças sobressalentes” – descobrimos que o Junebug se dá ao luxo de ter uma coleção de músicas não utilizadas em seus discos, revelando que sua produção de canções é mais ‘industrial’ do que pensávamos.

Aqui são 20 faixas em versão demo, gravadas entre 1997 e 2007, e que poderiam estar em qualquer dos cinco discos da banda. Todas com a marca de doçura vocal e melódica que caracteriza o som do Junebug. Difícil destacar músicas, mas podemos falar de “Dial Up”, que é conduzida por uma bateria eletrônica e pelos riffs feitos pelo teclado de Guy ou da melodia celestial de “Genevieve”. Também da batida de valsa na doce “Do The Right Thing” ou da maciez pop de “Turn To Fall”.

“Waiting For A Deam” e “Burning The Blackboards” lembram que a sonoridade do Teenage Fanclub influenciou os irmãos Latham. No sunshine pop “Sun Is Shining” brilha a batida bossa, e a levada de “Song For June”, anima aos amantes do pop sessentista. “Sweet Marianne” - com a devida produção – entraria em qualquer álbum pop mainstream atual e a linda “Will You Ever Come Down?”, tem cacife melódico pra figurar no disco power pop que for.

O pop eletrônico “Miracle Cure” arrebata na beleza da melodia, assim como as emocionais “The Way I Feel” e “Find A Meaning”, que fecham a coletânea. Se essas são as peças sobressalentes do Junebug, podemos esperar um novo colar de pérolas no disco de 2009.

www.myspace.com/junebugtheband

"Speaking Like An Elephant": CHEAP STAR!

2009-07-16T12:33:00.001-03:00

Numa metade da bolacha Ken Stringfellow tocou teclado, tamborim e fez harmonias vocais. Na outra, Jon Auer tocou hammond e mellotron, guitarras e fez harmonias vocais. Juntando as duas partes você tem um álbum do Posies, certo? Errado. Mas com ressalvas. Errado porque é um disco dos franceses de Paris Rémi Vaissière, Thomas Ferrandon e Vincent Tuaux. Com ressalvas porque o disco de estreia do Cheap Star remete diretamente ao som do... Posies.

A dupla americana também foi responsável pela gravação e produção de Speaking Like An Elephant – passando algumas idiossincrasias da própria banda para o Cheap Star. Nome, aliás, que homenageia, às claras, os primordiais Cheap Trick e Big Star. Mas o clima geral do disco se aproxima de ambiências mais reflexivas, explorando paisagens emocionais na linha do mítico grupo de Alex Chilton e Chris Bell.

Independente da profusão de comparações e referências, o trio francês processa com habilidade suas influências americanas e mostram que o power pop começa a se alastrar mais solidamente na França, solo anteriormente pouco fértil para o estilo. E Speaking Like An Elephant está aqui provar isso. “For Saving Grace” abre o disco mesclando um riff de guitarra com batida afiada e o vocal extremamente amigável de Vaissière. A adorável “You Got It All”, e seu refrão viciante, mostram que o Teenage Fanclub também é uma forte influência por aqui.

Os ecos tristes e lindos do Big Star aparecem cristalinos em “Sugar & Candy” e os acordes e as harmonias vocais de “Willing Reason” relembram os melhores momento do Posies. Guitarra dedilhada, com um som de teclado pairando acima, dá o clima belo e melancólico em “Shell” – e que poderia fácil ser faixa do clássico I Am The Cosmos de Chris Bell. A faixa título e “Free To Believe” remetem ao Guided By Voices, enquanto “Make You Cry” joga a melodia pop por cima das guitarras rockers.

O jogo de vocais, a melodia macia e graciosa emociona em “If Your Heart” e a acústica e climática “Explanations”, anula os efeitos da gravidade no corpo do ouvinte. “Louder” encerra o CD confirmando que Speaking Like An Elephant não é um álbum do Posies, mas também que parte da alma da banda de Seattle, inegavelmente, brilha ali.

www.myspace.com/cheapstar

"Who I Am": SpreaderCraig!

2009-07-13T13:41:00.000-03:00

“Cantor-compositor procura ‘casa’ para suas canções”. No mundo da independência, muitas vezes talentosos compositores enxergam em artistas renomados a chance de tornar suas músicas conhecidas do grande público. E usam seus discos como cartão de visitas ou uma espécie de portfólio. Se não der certo, pelo menos fica o registro da paixão pela música pop a ser apreciada por poucos, mas fiéis fãs.

E é mais ou menos isso que o inglês de Sheffield Craig Veitch busca com seu álbum Who I Am, gravado num quarto de casa e recheado de canções pop de potencial radiofônico na linha Neil Finn. Como a ganchuda faixa de abertura “A Million And One Things Unsaid” e seu incrível refrão autocolante. Já a maciez acústica de “Who Am I” antecede o crescendo envolvente de “I’m Gonna Make It” até a batida de violão e vocais harmônicos de “I Need A Friend”.

Palmas e ritmo para a candidata a hit de rádio “It’s A Swizz” e piano e voz para a balada “If I Could Write A Love Song”. “I’m The Top Of The World” capricha no refrão adesivo e a beleza triste de “Chalk And Cheese” fecha o álbum. Que traz pronta uma coleção de canções esperando por maiores audiências, seja pelas mãos de Veitch ou de algum gigante do pop, apequenado, momentaneamente, em sua crise criativa.

www.spreadercraig.com
www.myspace.com/spreadercraig

"Brooklyn Is Love": CREAKY BOARDS!

2009-07-09T12:19:00.002-03:00

Com a infinidade de incríveis bandas pop habitando o underground musical, sempre me perguntei se os monstros do mainstream, vez por outra, não renovavam suas desgastadas criatividades em ideias colhidas sorrateiramente na cena independente. E foi exatamente por uma suposição envolvendo plágio que o Creaky Boards ficou falado no mundo musical, um ano atrás. Andrew Hoepiner, a mente por trás dos Boards, acusou o Coldplay de ter roubado a melodia de “The Songs I Didn’t Write” para usar em “Viva La Vida” – o primeiro single do álbum novo dos ingleses

De fato as músicas são muito parecidas, mas, obviamente, Chris Martin negou que conhecesse previamente a canção de Hoepiner (que afirmou ter visto Martin em show do Creaky Boards no CMJ Festival de Nova Iorque em 2007). Não podemos afirmar se houve coincidência ou má fé, mas a verdade é que, a música do Creaky Boards é muito mais interessante que a do multiplatinado Coldplay. Sem falar na ironia ao revés do título – “As Canções Que Eu Não Escrevi” – na realidade uma homenagem ao mestre Brian Wilson.

O multiinstrumentista Andrew Hoepiner deixou seu Michigan natal, alguns anos atrás, para tentar a sorte em Nova Iorque, aonde chegou a tocar em estações de metrô. Contou com ajuda de diversos amigos para gravar Brooklyn Is Love, que, no fim das contas, soa como uma prova de amor a Brian Wilson e aos Beach Boys fase Pet Sounds. A polêmica e ótima “The Songs I Didn’t Write” abre o álbum com melodia emocional e vibrafones por toda parte. “Now I’m In The City” remete às faixas up dos já citados Beach Boys e “Brooklyn” traz profusão de trumpetes em clima circense/teatral e melodia ultra-envolvente.

Harmonias vocais celestiais e melodia adorável são embaladas com cuidado pelo clima sessentista em “Oh Just Be Silent”. “Lie To Me” é orquestral wilsoneana e, para animar a festa de salão, balançar as mãos e dançar charleston, “Before You Become Me Out”. A balada “I’m So Serious” regride aos anos cinquenta e, na bela “I’m Touching The Electric Fence”, Hoepiner fala de si mesmo enquanto toca notas ao piano. A climática e densa “SOS” encerra o álbum, delineada por um baixo e vibrafones. E antes que eu me esqueça: se você pretende comprar o novo do Coldplay, repense a ideia e invista seu dinheiro em “Brooklyn Is Love”. Prefira sempre o original.

www.creakyboards.com
www.myspace.com/creakyboards
http://www.youtube.com/watch?v=eUhFLiw6h6s
(vídeo para quem quiser comparar “The Songs I Didn’t Write” e “Viva La Vida”).

"Elizabeth Parker": DAVE CARUSO!

2009-07-06T11:53:00.002-03:00

Por mais de meia década Dave Caruso manteve Elizabeth Parker alheia aos ouvidos do mundo. Composto em 2004, o EP de seis canções talvez não tenha tido a devida repercussão na época de seu lançamento original. E agora emerge potente e vigoroso sem deixar de ser cativante e gentil, nas mãos deste cantor-compositor veterano de Trenton, Michigan e ex-líder da banda oitentista Caruso.

“Elizabeth Parker” abre o EP soando como um hino power pop – e que poderia facilmente fazer parte da discografia de Elvis Costello. Riff memorável, guitarras brilhantes, vocal voluntarioso e melodia das mais empolgantes. A energética e adorável “I Can’t Be On Time” segue na linha clássica de Mr. Costello e convida a audiência a repetir o refrão adesivo. “If I Died Today” traz batida macia de bossa e “Letter To My Ex” balança na batida esperta das guitarras e na sonoridade que remete ao nova-iorquino Mark Bacino.

A bela “I’m Not Finished Yet” é balada pop ao piano no melhor estilo Elton John. Encerra o disco a versão demo de “Elizabeth Parker”, canção que, ao final das contas é a representação sonora da ilustração de capa do EP: uma ilha viva de cores em meio ao mar negro e monótono da pop music atual.

www.davecarusoweb.com
www.myspace.com/davecarusoweb

"Makes Your Ears Smile": THE CAMPBELL STOKES SUNSHINE RECORDER!

2009-07-02T10:20:00.003-03:00

“Eu sou muito desleixado para o power pop / porque eu nunca sei quando parar / e todas as minhas progressões de acordes soam iguais...”. Quem ouve tais frases, aqui em tom de confissão, sem saber quem está por trás delas, poderia acreditar. Elas abrem o disco do projeto solo de Andy Morten, líder do extinto Bronco Bullfrog, e só podem parecer ironia. Porque Andy e seu Bullfrog trouxeram alguns dos melhores álbuns da história recente do power pop; e algumas da mais inspiradas canções – que se baseavam no mix da energia primária e juvenil do The Who com o melodicismo pop e universal dos Beatles.

Makes Your Ears Smile - além de resumir em quatro palavras as intenções mais profundas de Morten – traz de volta o espírito e as estruturas das canções pop perfeitas do Bronco. Como se depois de tantos anos o The Campbell Stokes Sunshine Recorder encarnasse uma versão mais depurada, leve e pessoal da ex-banda de Andy. Que não deixou de existir por brigas ou divergências de seus membros. Mas simplesmente porque a dinâmica da vida assim exigiu: novos trabalhos (já que a banda nunca foi um ganha-pão); casamentos, filhos, mudanças para cidades diferentes.

E o próprio Morten diz isso na faixa de abertura “Track One” quando afirma que “está muito atarefado para ter uma banda”. Mas não deixou que sua paixão pela música fosse sufocada por isso. Assim, fez do seu jeito: compôs, gravou, produziu, mixou, cantou e tocou os instrumentos, no conforto de sua casa. Lançou pela própria gravadora – Jacko The Green - e deu novo alento aos fãs do Bronco Bullfrog com um álbum inspiradíssimo, de canções simples e melodias ultra-ganchudas. Como a já citada “Track One”: tom confessional, altamente pessoal e autoexplicativa “essa é a primeira faixa do meu álbum”... e que já cola de cara no cérebro do ouvinte, pedindo, sem cerimônia, um lugar na sua memória afetiva.

É sim a mesma voz doce de Morten; tem sim muitas progressões de acordes já usadas e estruturas de canção com verso-refrão-verso-ponte-refrão. Mas afinal de contas, de que precisamos se não dessas mesmas sensações para fazer do mundo um lugar melhor? E é por isso que o sol parece mais brilhante, o céu profundamente mais azul e a brisa do mar muito mais refrescante quando “She Looks Good In The Sun” invade o ambiente, com sua melodia adorável e seus macios ‘pa-pa-pas’. Na divertida e doce “Tony Hazzard” - onde Andy é Hazzard (compositor inglês por trás de muitos sucessos de grupos sessentistas) ele entoa: “todo mundo vai cantar minhas canções e meus discos serão número um (nas paradas)” – obviamente traduz o sonho de um compositor pop de talento como Morten (e que sabiamente soube não transformá-lo numa obsessão compulsiva), além da homenagem a um nome que nunca apareceu sob os holofotes.

“Bye Bye Mrs Bumble” segue a linha do ex-grupo de Andy, com melodia cativante, harmonias vocais perfeitas e várias passagens que criam um forte clima emocional. Guitarras psicodélicas abrem “Everybody Loves The Good Times”, que soa como uma colagem de fragmentos de várias canções diferentes. Mais uma canção contagiosa e colante: “Feel The Sunshine” – Morten sabe exatamente quais botões apertar para fazer o power pop mais infeccioso do planeta. “Olivia’s Plaything” poderia fácil estar no último disco do Primary 5, no violão com clima de raiz e carisma pop.

“TV Jingle Man” aproveita suas guitarras jingle-jangle para colar uma parte de “So You Want To Be A Rock ’N’ Roll Star”, clássico dos Byrds e “You Can Make Me Smile” traz um dos refrões mais bonitos do ano – especialidade de Andy Morten. Encerra o álbum a balada acústica “No Name # 7”, e o sorriso estará estampado, não só nos ouvidos, mas no fundo do seu coração.

www.myspace.com/campbellstokessunshinerecorder

"Sad Sounds Of The Summer": CHRIS RICHARDS AND THE SUBTRACTIONS!

2009-06-29T16:19:00.000-03:00

Contraponto pode ser a arte de combinar harmonicamente melodias diferentes. Ou a habilidade em harmonizar as guitarras ferozes e energéticas do rock com os climas macios e gentis do pop. Ou ainda, colocar temas desesperançosos e tristes em canções de sonoridades otimistas e radiantes. O título Sad Sounds Of The Summer traz em si uma contradição e ironia. Como diz a letra de “Sunnyday”, “deixe-me levar a chuva para seu ensolarado dia”...

E é nessa arte do contraponto que Chris Richards exercita e nos mostra sua maestria. O cantor-compositor de Detroit entrega seu primeiro álbum com o The Subtractions (Todd Holmes e Larry Grodsky), depois de uma carreira de quase duas décadas com outros grupos e carreira solo. Suas grandes referências são Beatles, Elvis Costello, Posies e Tommy Keene e, seu interesse, oferecer brisa fresca ao power pop contemporâneo.

“I Can’t Quit Her” inicia a seqüência de pérolas de energia instrumental e carisma pop. “Consolation” equaliza o brilho das guitarras com harmonias vocais angelicais e “Sunnyday” traz riffs rascantes e melodias doces. “Oh Canadá (Pt. Deux)” aplica um refrão ganchudo enquanto a cativante “Take It From Me” convida a cantar junto sua perfeição pop.

“I Do Declare” relembra que o power trio vem da motor city e a progressão de acordes de “Beg Or Borrow” não deixa esquecer que e especialidade aqui é o pop poderoso. Os pratos de bateria estourando e melodias adesivas voando em “Southern Belle” resumem que aqui o contraponto favorito de Chris Richards e seus Subtractions chama-se, simplesmente, power pop.

www.myspace.com/chrisrichardsandthesubtractions

"Postscript": JEFF LITMAN!

2009-06-25T11:53:00.002-03:00

Nosso giro sem fim pelo planeta, em busca da canção pop perfeita continua, constatando que às vezes preciosos tesouros estão escondidos nos lugares mais fáceis de serem achados. Da capital do mundo, Nova Iorque, vem Jeff Litman, o guitarrista que trocou o jazz e a música clássica pelo power pop. E imprimiu sua paixão por Beatles, Beach Boys, Jason Falkner e Jon Brion em seu álbum de estreia Postscript.

Onde Litman trata de sentimentos conflitantes e complementares, já que se utiliza do amor pela canção pop para contar histórias de relacionamentos frustrados. Como indica a faixa de abertura “Anna”: envolvente na batida, na melodia e nas harmonias vocais perfeitas. Mas ele provavelmente ficou sem a moça... “Complicate” é guiada pela maciez do piano até explodir no emocional refrão e a balada acústica “Wife” destila beleza em sutis arranjos orquestrais.

Pop clássico e cativante em “Everything’s You’re Not” e pegada rocker de refrão colante em “Detroit Layover”. Dueto descolado com Kelly Jones no country pop “Maine” e a despedida ao piano na emotiva e bonita “It Wasn’t Me”.
Postscript nos revela mais um talentoso e inspirado artista pop que está, ao mesmo tempo, tão perto e tão longe dos holofotes míopes do mainstream.

www.jefflitmanmusic.com
www.myspace.com/jefflitman

"Where You Are": KYLE VINCENT!

2009-06-22T13:25:00.003-03:00

Quando você encontra um herói não deve procurar a capa ou o uniforme. Não peça nenhum favor nem pergunte onde esconde seus superpoderes. Questionar sobre seus truques, então, nem pensar. Apenas agradeça por ter colocado suas habilidades em favor de todos nós. E é isso que faremos aqui, frente a frente com o cantor-compositor californiano Kyle Vincent, veterano da cena que chega ao seu nono álbum com este Where You Are.

Venerado por power poppers do mudo todo, Vincent na verdade traz à tona o soft pop setentista e rememora as sonoridades atemporais da AM radio. O americano compôs, produziu e arranjou todas as canções do disco e contou com a participação, entre outros, de lumiares do power pop como Tommy Dunbar, do Rubinoos e Parthenon Huxley, do P. Hux.

Where You Are carrega no clima emocional das canções e privilegia as baladas com arranjos orquestrais. Ecos da tríade sagrada Badfinger, Big Star e Raspberries estão por toda parte, sintetizados na voz macia de Kyle e sua extrema sensibilidade pop. Que já dá as caras na abertura com a bela “It’s Gonna Be A Great Day”, com suas, harmonizações vocais aeradas e arranjos instrumentais bem tramados.

“In Another Life”, “The World Is Upside Down” e “Where You Are” são baladas clássicas puxadas pelo piano e que poderiam chegar a qualquer posto nas paradas já ocupadas por Eric Carmen – ou a qualquer coração carente de ternas melodias. “Emily Standing” acalma o espírito com seu refrão memorável e “It’s A Lonely World” capricha no falsete de Vincent e nos remete, sem escalas, ao som dos Raspberries. Mais uma balada com melodia envolvente atemporal: “Satellite”.

Nesse ponto a impressão é que os superpoderes pop de Kyle Vicent são infindáveis. Ganchos atrás de ganchos em sensíveis canções que ele parece poder escrever indefinidamente. “Goin’ Down” imprime ritmo mais up e pegada adesiva no refrão e “Sakura Lullaby” homenageia grande audiência japonesa de Kyle. A belíssima “On My Ride” mescla as emoções de Elton John e Badfinger em uma só peça, enquanto o hino pacifista “Petals Of Peace” encerra o disco.
Quando você encontrar Kyle Vincent e suas canções só esteja preparado... para ter um dia melhor.

http://www.kylevincent.com/
www.myspace.com/kylevincent

"Jupiter Optimus Maximus": THE TOMORROWS!

2009-06-18T09:57:00.002-03:00

Talvez haja algo de ironia em uma banda que se chama The Tomorrows e produz sonoridades calcadas em bandas que existiram décadas atrás. Mas talvez haja muito de verdade em querer perpetuar e modernizar ambiências sônicas clássicas e que não podem sucumbir à onda rápida e voraz da modernidade. A certeza é que no álbum de estreia dos canadenses do Tomorrows há muito de beleza. E, se tanto há em mostrar o quanto o pop ainda pode ser relevante, um bocado também em compartilhar canções perfeitas em um dos melhores álbuns de power pop do ano.

Isso mesmo: power pop – aquele real herdeiro dos Beatles, aquele forjado pela tríade sagrada Badfinger, Big Star e Raspberries, aquele solidificado em novos tempos por Teenager Fanclub, Velvet Crush e Matthew Sweet. O ex-integrantes do Roswells Marc Stewart e Scott Fletcher, voltam unindo-se a Tony Kerr e Adrian Buckley para entregar-nos este magnífico Jupiter Optimus Maximus. Um, desde já, clássico dos novos tempos, um protótipo do power pop. Isso mesmo: power pop.

As guitarras brilhantes, a bateria crua, os vocais limpos, que preparam climas certeiros para celebração pop: eis então “Effortless Lee”, que abre o álbum orgulhando os badfingers que lá de cima olham. Já “Love Is Dead” espalha sua profusão de guitarras sobre coros vocais aerados; “Ballad Of A Lesser Man” cadencia o andamento nas notas de piano, sem perder a força na distorção e batida e, a faixa título, é uma balada com contornos épicos.

A distorção fala alto em “Dont’ Worry Me” tanto quanto os vocais angelicais e a melodia envolvente. “Such A Shame” amacia e capricha no refrão perfeito até a chegada de uma das mais empolgantes canções power pop da temporada: “Pity Her”. “There’s Something Wrong” cobre as guitarras rockers com harmonias vocais bem tramadas enquanto “Anime” relembra os melhores momentos do primordial Raspberries. A energia primária de levada contagiante em “Goodbye” deixa a despedida do disco para a grandiosa, cheia de passagens, climas e arranjos “Remember”.
Então, meninos, quando ouvirem Jupiter Optimus Maximus já sabem: isso é power pop!

www.myspace.com/tomorrows1

"Solitary": PARASITES!

2009-06-15T10:14:00.001-03:00

Ainda consigo me lembrar de uma fita cassete que um amigo de um amigo meu mandou dos Estados Unidos em 1993. Entre outras bandas gravadas ali – todas da nova onda do punk pop - havia Green Day (antes do multiplatinado Dookie), Blink 182 (também muito antes do mainstream), Big Drill Car e Parasites. Na época gostei de tudo, adorei o Green Day, mas o vício mesmo veio com o Parasites. Já era o indício do caminho que eu seguiria mais tarde: a busca por canções energéticas e melódicas em partes iguais. Seus dois primeiros álbuns Punch Lines e Pair são clássicos do punk pop, soando como se fossem uma mescla perfeita de Beatles e Ramones.

O grupo americano liderado por Dave Parasite desde fins dos anos 80, volta com um álbum de inéditas mais de 10 anos depois de seu último disco Ratt Ass Pie. Solitary foi lançado pelo selo de Dave o Kid Tested Records. E é emocionante ouvir a voz de Parasite novamente depois de tantos anos; seus riffs nervosos de guitarra; a bateria hiperativa (aqui a cargo de Matt Drastic); os memoráveis ganchos melódicos. Como na fantástica faixa de abertura “All The Time In The World”. Já “Real Real Good Time” é o criador homenageando a criatura, na versão do grupo de New Jersey para o incrível hit dos espanhóis do Feedbacks.

“Stuck On You” esbanja distorção, riffs pontiagudos, pegada punk e o refrão mais colante da temporada – sair pulando é o mínimo que você que pode fazer aqui. “So Wanna Kiss You” é quase como se fosse uma balada emocional – só que sem desacelerar um milímetro. “Say It Again” energiza com estética punk rock o pop sessentista e “Breakage” mostra que o Parasites continua o mesmo de 16 anos atrás – principalmente na emoção pop que Dave continua imprimindo às canções.

Seja em “Maybe I Don’t Know”, “Say You Love Me” ou “The First Day Of Summer” os Parasites continuam sendo os punk poppers de alma mais power pop do planeta.
E se ainda consigo lembrar bem daquele cassete e toda a euforia que os primeiros discos da banda causavam, também posso dize,r com firmeza, que nunca imaginei que 16 anos depois receberia um disco do Parasites do próprio Dave Parasite – um dos indivíduos que mais entende da arte produzir canções energéticas e melódicas. Em partes iguais.

www.myspace.com/officialparasites
www.kidtestedrecords.com

"Change Your Skin... Wash Your Heart": ARMCHAIR ORACLES!

2009-06-10T11:59:00.003-03:00

O segredo mais bem guardado da Noruega está de volta com seu álbum cheio Change Your Skin... Wash Your Heart. Meses depois do lançamento de seu primeiro EP – que figurou no top 10 de 2008 do Power Pop Station – Atle Skogrand, Charles Wise, Jan Ove Engeseth e Kjetil Halsen vêm confirmar as expectativas deixadas pelo primeiro disco. Admiradores das sonoridades clássicas dos anos 60 e 70, os noruegueses trazem a sensibilidade perdida para a geração dos bits e bytes. E, acostumados a temperaturas negativas, aprenderam como aquecer corações com suas guitarras, pianos e vibrafones. A missão de revelar que não há a “frieza nórdica”...

O que há aqui são canções, para chorar, sorrir, cantar junto. Melodias para se emocionar e harmonias para se admirar. Não há espaço para a indiferença quando falamos do Armchair Oracles. Aqui não se trata de fama, fortuna ou sucesso; nem de se alcançar o topo de paradas. Aqui se trata de paixão pela canção bem talhada; se trata de alcançar a alma do ouvinte, esteja ela onde estiver.

As quatro canções do EP reaparecem em Change Your Skin...: as lindas “Never Enough”, “Dreams Ate Their Way Through Mind”, “In The Gamble” e “I’m Afraid I Don’t Know Who You Are”. Abre a contagem do álbum a energia primária de “Palm Of Your Hand” e suas guitarras rascantes, emendando na setentista de refrão emocional “Danish Pastry”. “Stare Until There’s Nothing There” é voluntariosa e melódica em partes iguais e o riff de “Ten Hours Straight” cativa já nos primeiros acordes.

Atle emposta o vocal na bela e emocionante “Rowan Trees” – lembrando as baladas mais inspiradas de Paul McCartney. Progressão de acordes instigante e duelos de metais e guitarras em “Running The Race”, enquanto “Kitchen Window” vem com batida de pop orquestral e harmonias de voz perfeitas. Encerra o disco a linda balada, recheada de pianos, teclados e metais, “The First Boy Died”, confirmando que qualquer ponto sensível do planeta é alvo fácil para a pontaria certeira dos Armchair Oracles.

www.myspace.com/armchairoracles

"Try This At Home": CHRIS SWINNEY!

2009-06-04T14:18:00.002-03:00

Aos doze anos de idade Chris Swinney já tentava isso em casa: o songbook completo do Beatles no violão. Décadas depois, o cantor-compositor de Newcastle, Inglaterra, chega ao quarto álbum Try This At Home, escrito, gravado e produzido por ele mesmo. As sonoridades sixties prevalecem, mas aos ouvidos de power poppers experimentados, Swinney soa próximo a clássicos artistas como Richard X. Heyman, Michael Penn ou Bill Lloyd.

Ganchos e mais ganchos melódicos são a especialidade do britânico, habilidade já impressa no seu subconsciente pelos anos de audição dos fab four. Junta-se a isso sua voz agradável e a preferência por ambiências sempre amigáveis. Mais um artista de talento adepto do “faça-você-mesmo” e que está nessa simplesmente pelo prazer.

“Not Going Down” abre o disco oferecendo guitarras que se entremeiam harmonicamente com violões e desembocam no refrão colante; e o power pop macio de melodia envolvente em “Throw Me A Line”. A balada “Mary Won’t Let Me Go” remete à discografia de Jackson Browne e a ganchuda “All That I Can Hide (I Will)” contribui com mais uma peça no colar de pérolas pop de Swinney. As acústicas e irmãs “It Always Ends This Way” “Don’t Try This At Home” carregam algo de John Lennon solo na melodia.

“Makes Me Feel Good” faz isso mesmo que ela promete: o ouvinte se sentir bem com a melodia cativante e refrão memorável com potencial de hit pop. A climática “Over The Moon” muda a polaridade do disco mas, “The Last Time”, retoma a forte veia pop de Chris. No site do músico “Not Going Down” e “The Last Time” podem ser vistas em vídeo versão voz-violão: gravadas em casa, as imagens retratam a despretensão e o talento – em medidas inversamente proporcionais – de Chris Swinney.

www.chrisswinney.com
www.myspace.com/swinnsongs

"SheBANG!": KELLY JONES!

2009-06-01T12:03:00.002-03:00

Tudo o que o “girlish pop” sessentista podia oferecer está aqui. E o que nunca pôde também: excelência no processo de gravação/produção, já que a modernidade técnica está do nosso lado. Então é simples: a cantora-compositora de Nova Yorque Kelly Jones juntou seu carisma pop e voz de anjo aos melhores músicos do pedaço além das ferramentas ideais para o melhor nível de gravação possível. Só não é o melhor dos cenários porque não se sabe o quanto o mundo está interessado nessas sonoridades. Mas nós estamos e isso é o suficiente.

Tendo como parceiro de composição Mike Viola, Kelly pode assumir fácil o posto de “diva do power pop” com seu terceiro álbum SheBANG! Que vem com arranjos muito bem tramados e produzidos por Viola, mostrando como se pode fazer arte com o puro pop. Como na abertura do álbum “There Goes My Baby”, que estaria no topo das paradas se viesse ao mundo pelas mãos do Pretenders: levada adorável, refrão auto-adesivo, voz angelical, harmonias vocais dos deuses. E, sem perder o fôlego, a perfeição pop de “Same Songs”, com seu riff macio, coros flutuantes e trabalho de ourivesaria musical nas guitarras e baixo de Viola.

Outra peça memorável e apta ao panteão de clássicos do pop é “Fire Escape” – com uma passagem querubínica de ‘pa-pa-pas’no meio da canção. “Crazy Talk” é co-autoria com o mestre Adam Schlesinger e “Lovers” traz groove no baixo e doçura nos vibrafones. “Over Thinking” é mais uma canção campeã no quesito pop atemporal e “Rooftop” balança na levada e conquista no refrão. Fecha o álbum a energética, invocada nos órgãos vintage e de chorus grudento “Girl With The Silver Lining”. O mundo precisa do talento de Kelly Jones. Apenas ainda não sabe disso.

http://www.kellyjones.com/
www.myspace.com/kellyjones

"Wet Behind The Ears": THE BRASS BUTTONS!

2009-05-28T11:55:00.002-03:00

O céu azul se dissolvendo em laranja degradê, o sol espelhado em raios amarelos no verde do mar e a brisa fresca que sopra melodias envolventes nos sugerem o encanto mágico da Califórnia. Mas na verdade estamos em Cádiz, Espanha, com o grupo que tirou o nome de uma canção de Gram Parsons: The Brass Buttons. Sexteto que não esconde sua paixão pela música americana, forjada na costa oeste ianque a mais de quarenta anos atrás.

Maria Palacios, David Ponce, Juanlu González, Antonio Serrano, David Gómez e Victor Navarro (mais Maria Del Mar cantando em quatro faixas) em seu álbum de estreia, também adicionam à mistura sônica os onipresentes Beatles, os fundamentais Byrds e os atuais Teenage Fanclub e Jayhawks, chegando a um country alternativo extremamente pop e contagiante – mais conhecido como americana. Harmonizações vocais perfeitas, guitarras brilhantes e melodias ganchudas impregnam todas as canções de Wet Behind The Ears.

Que abre com a sensacional “American Dream”: o vocal doce de Maria Palacios lapidando a melodia memorável e se desdobrando nas harmonias angelicais do refrão; guitarras distorcidas duelando com bandolins – onde o country encontra o rock e soa pop. “Hollywood Song” traz guitarras acústica e órgãos em clima macio e “For The First Time” atesta a capacidade do Brass Buttons para produzir canções pop perfeitas.

A preocupação com os arranjos aparece transparente no trabalho de guitarras de “Buenas Noches Califórnia”. Já a canção título vem com violões, bandolins, sons de metais, órgãos e ‘uh-uh-uhs’ desaguando no belíssimo e colante refrão. Depois do agradável country acústico de “Roses On The Air” vem o riff e os dedilhados Rickenbaker da grudenta “Rescue Me”. A retrô “Regrets” emula Roy Orbinson – com a participação de Nacho Fernandéz nos vocais - seguida da beleza acústica da balada “I Can’t Sleep”. Fecha o álbum a cativante “Seventeen Girl” e seu refrão adesivo de alto potencial pop.

Wet Behind The Ears engendra tão bem as sonoridades californianas, que parece retroagir até muito mais que os anos sessenta: temos a impressão que, aqui, a Califórnia ainda é território espanhol.

www.thebrassbuttons.com
www.myspace.com/thebrassbuttonsband

"Shaking Hands": SUINAGE!

2009-05-25T11:11:00.002-03:00

Não é fácil identificar exatamente até onde chegam os tentáculos do power pop. Apesar de toda a crítica especializada ter considerado Shaking Hands um álbum do estilo, não acho que possa ser encapsulado aí. O power trio de Milão certamente flerta com o pop poderoso, mas também escapa para outras vertentes. Principalmente pela virulência dos vocais e guitarras de Pilli Colombo, a agressividade da bateria de FlavioTorzillo, acompanhados pelo baixo de Ariel Dotti. Em seu álbum de estreia – depois do EP 99 Things I Ignore - , os italianos podem de ir de Elvis Costello a Buffalo Tom, de Replacements a Husker Dü.

As guitarras incendiárias e o vocal áspero de Colombo abrem o disco com “Toothbrush”. “Don’t Pass Me By” equaliza vigor rocker com melodias pop e “All Eyes On Me” diminui o ritmo entrando na seara de timbres e harmonias do power pop. “July” permanece nos domínios pop com a boa trama vocal e melódica de Pilli. Os riffs invocados de “For A Second” não intimidam o refrão colante e “Blacklist” traz maciez, harmonizações vocais e outro refrão ganchudo – aqui eles são power pop!

Em “Dave” a fúria do power trio assusta; mas a levada em “Chump”, “Underneath The Leaves” e “Spellig Lessons” mostra que no fundo os rapazes gostam é de uma boa canção pop. A faixa título confirma a duas facetas de Pilli que hora se esguela em números de rock selvagem, hora amacia em peças pop cativantes. A intensa balada de batida marcial “There’s No Time” encerra o álbum constatando a versatilidade e a gana dos milaneses na composição de seus petardos sonoros.

www.myspace.com/suinage

"Knackered": THE TEARAWAYS!

2009-05-21T12:09:00.001-03:00

Quando o único membro vivo do Badfinger Joey Molland foi convidado a tocar as músicas do seu ex-grupo no Mathew Street Festival, Liverpool, do ano passado, ele se lembrou do grupo que havia, um ano antes, naquele mesmo palco, executado com maestria as canções dos precursores do power pop. E a banda era o The Tearaways, veteranos de Santa Barbara, Califórnia, que agora nos apresenta seu novo EP, Knackered.

Greg Ballier, Dave Hekhouse, Fin Seth, Perry Benenati e Jesse Benenati, pautaram mais de duas décadas de carreira pela paixão pelos sons sessentistas, pelo cuidado no preparo de perfeitos ganchos melódicos e intrincadas harmonizações vocais, sem perder o vigor na pegada rocker. E assim mantêm-se neste EP: a faixa título valoriza as guitarras e o andamento clássico do rock’n’ roll, sem firulas nem mais-mais.

Já “Not Gonna Make It” é uma peça pop recheada de harmonias vocais, com violões, teclados, e um refrão auto-adesivo. Joey Molland também poderia tê-los chamado por conta desta aqui... “Under The Bus” traz instrumental energético ao mesmo tempo palminhas e vocais harmônicos. De bônus, a bela reprise acústica de “Not Gonna Make It”.

www.tearaways.com
www.myspace.com/tearaways

12 Songs Or Less": ARAN SHAWCROSS!

2009-05-18T15:46:00.001-03:00

Até onde pop riders como nós estão dispostos a ir em busca da canção pop perfeita? Tesouros enterrados em ilhas perdidas, pérolas encerradas sob águas marinhas, gemas encravadas no seio da terra, não importa aonde se escondam, nós iremos encontrá-las. E, dessas jóias pop, só queremos o bem-estar que elas podem proporcionar, extrair o princípio ativo que alivia nossa alma. Assim, colocamos sob o sol para ver como essa pedra preciosa – encontrada na Irlanda do Norte e chamada 12 Songs Or Less - reflete a luz.

Aran Shawcross é o artesão que lapidou as gemas pop do álbum: compôs todas músicas e tocou todos os instrumentos. Se inspirou em mestres como Paul McCartney, Brian Wilson, Todd Rundgren para talhar peças sonoras que beiram a perfeição pop. Não há pretensão aqui maior do que o amor de Shawcross pela melodias envolventes e bem construídas. Ou poder perguntar a você qual a sua verdade, já que a dele está aqui, aberta, sincera, embalada pelas mais cativantes canções.

E ele já te diz tudo o que não é na abertura em “Everything I’m Not”, e, ao mesmo tempo ao que veio: um incrivelmente adesivo riff de guitarra, com uma harmonização vocal celestial por cima, inicia a canção. Clima emocional, melodia memorável que soam como um copo d’água no deserto depois de dias à procura de um tesouro pop. “She Is Leaving” chega com batida sedutora e te aprisiona num refrão absolutamente adorável e grudento: você tem 3 segundos pra memorizar e cantar junto.

E a profusão de pops perfeitos continua. A balada ao piano “All We Need To Know” soa clássica e bela e “If You Fell Like Falling In Love” traz uma progressão de acordes ganchuda que sempre emociona os power poppers e mantém seus dedos no repeat do CD player. A doce “The Only Thing That Matters” ensina o que é um chorus colante e a beleza de “Stop Breaking My Heart” mostra o domínio de Shawcross em equalizar timbres de guitarra com o som de órgãos. Aran encerra o álbum com voz e piano, na bonita “Here Comes That Feeling Again”.

12 Songs Or Less atesta que o verdadeiro pop não tem parentesco com o comercial e o descartável. Não se encontra nas gôndolas dos supermercados da música e o seu grau de pureza não tem haver com seu desempenho nas paradas de rádio. O que seria até natural se os conceitos dessa indústria não tivessem tratado de distorcer os valores intrínsecos à canção pop. Mas se assim o fez, assim os transformou em elementos raros – não em produção, mas em exposição – e, por tabela, nos criou, os pop riders, que andam pelo mundo à caça da canção pop perfeita.

www.myspace.com/aranshawcross
www.power-pop.co.uk

"O My Stars": THE WEIGHTLIFTERS!

2009-05-14T12:10:00.002-03:00

A percepção da beleza pode ser uma experiência espiritual, especialmente se nos for soprada por uma conjunção de notas e progressões de acordes consideradas perfeitas pela nossa sensibilidade. Por vezes pode ser uma sensação universal ou singular, mas que parece intrínseca à memória afetiva da humanidade. As sonoridades que se acoplam com perfeição à sua bagagem musical e cultural e te servem com doses massivas de bem-estar.

Assim funciona o mini-album O My Stars, segundo dos Weightlifters – na verdade projeto do cantor-compsitor de Chicago Adam McLaughlin. E ao saber as principais influências es referências de McLaughlin – Elliott Smith, Big Star e Teenage Fanclub – pode-se ter ideia de por andará nosso conceito de beleza sonora nesse disco. E não é porque as canções trilham caminhos reflexivos, melancólicos ou tristes que não haja alegria aqui. Porque cada nova bela melodia traz a felicidade que procuramos nas rádios do dia-a-dia e não encontramos. Cada acorde inspirado nos leva diretamente a fontes de prazer indescritíveis e nos arremessa a uma espécie de universo paralelo – onde a dor pode entrar, mas nunca irá prevalecer.

A voz doce, macia e reconfortante de McLaughlin – mas que às vezes parece tanto reconfortar como pedir conforto, assim com a de Elliott Smith fazia – também é ponto fundamental para dar aura de pureza às canções. Que têm início com a onírica de título sugestivo e refrão tocante “Perfect”. A guitarra acústica cheia de efeitos prepara o clima para o vocal de Adam na viagem western-espacial de “Bygones”. A melodia perfeita de “Belle Of Wrecking Ball” contagia os sentidos e revela a herança luminosa do Teenage Fanclub. E a beleza se materializa e se entranha imediatamente nas fibras do coração: “To Be A Killer” – a canção mais bela jamais escrita por Elliott Smith.

Como sirenes afinadas, guitarras anunciam “Battlesong”, suas harmonizações vocais e refrão adesivo – lembrando aqui muito outro Adam - Daniel. A balada acústica “Whys And What Fors” vem adornada por órgãos, soando forte nas mudanças de ambiência durante seus mais de quatro minutos. “In The End” valoriza os violões da música tradicional americana, olha para as estrelas, na despedida, a tempo de ainda admirar a maravilha que há em tudo: “O my stars, my stars/ The wonder of it all”. As palavras de Adam agora são as nossas.

www.theweightlifters.com
www.myspace.com/theweightlifters

"Album # 1": THAT SATISFYING CRUNCH!

2009-05-11T12:10:00.002-03:00

Do frio canadense vem Timothy Cameron descendo ondas imaginárias recheadas de riffs ensolarados e melodias instrumentais empolgantes. Seu guitarrista, também imaginário, já que é ele mesmo, Baron Von Rickenbaker, não economiza nas timbragens aprendidas com a surf music sessentista e seus ícones The Ventures (mais conhecidos no Brasil pelo tema de abertura do seriado de TV Hawaii 5-0).

Álbum # 1 traz sete músicas instrumentais, compostas e executadas por Cameron – que também lidera o grupo T.C Folkpunk. “The Age Of Nefarious” abre o disco colando seus riffs cativantes no cérebro do ouvinte e convidando à diversão em uma manhã de verão. O título bem sacado de “Jpegs Of Lily” (em clara referência ao clássico do The Who “Pictures Of Lily”) já valeria a canção.

Segue a seqüência de temas como uma série de ondas perfeitas no Havaí: “Fossil Fools”, “Someone Once Said”, “Whatta Mess”.“Whisky Business” poderia musicar uma divertida perseguição nas ruas de Malibu e “Balaclava” trilha sonora para surf riders reverem suas melhores ondas, nas mais belas paisagens acompanhados das mais bonitas garotas.

www.myspace.com/thatsatisfyingcrunch

"Beatlesque One": ALAN BERNHOFT!

2009-05-07T20:09:00.001-03:00

Não vamos aqui reivindicar posição relevante em parada de sucessos. Nem reconhecimento de crítica e público. Muito menos sucesso de vendas mundo afora. Até porque nem é o objetivo primordial desse projeto. Vamos apenas celebrar a homenagem a um estilo de composição imortalizado pelos Beatles. Como o nome indica, Beatlesque One é uma coleção de canções, ao estilo dos fab four, criadas pelo músico, compositor, ator, produtor e escritor de roteiros, Alan Bernhoft. O americano da Califórnia juntou faixas de projetos, como o filme Desperately Seeking Paul McCartney e do seu disco infantil Playdate, para apresentar sua expertise em recriar, em composições próprias, a aura inigualável dos anos 60.

Bernhoft tocou os instrumentos, gravou e produziu todas as faixas em seu estúdio AIM. Conseguiu a sonoridade exata das bandas sixties, com uma perfeita produção instrumental e vocal. Penetrou os meandros das tramas melódicas e métricas do pop sessentista e produziu algumas das pérolas mais preciosas dos anos sessenta não-nascidas nos anos sessenta. Se algumas canções podem soar como mera homenagem aos Beatles, outras poderiam ter sido gravadas por eles e estar no panteão de clássicos eternos.

A faixa de abertura, a energética e juvenil “Keep Your Hands Off My Baby” emula com perfeição a primeira fase dos Beatles. A linda “Magic Everywhere” é uma preciosidade que não vai importar se foi composta ontem ou se é sobra de Rubber Soul. “Someday” chega quicando na batida do piano, com progressões de acordes que arrepiam qualquer power popper e um refrão absurdamente memorável – difícil acreditar que não foi escrita pela genialidade de Paul McCartney. Seria hino dos anos 60, teria aos seus pés os topo das paradas e os tiozinhos cantariam até hoje, com lágrimas nos olhos, se lembrando dos amores de verão: “Sunshine Girl”.

Escrita para crianças, “Playdate” exala ingenuidade e beleza melódica e é outra que revive a fase ‘yeah, yeah, yeah’, dos Beatles. “Winter Ocean Mary Go Round” viaja ao mundo psicodélico de Jonh Lennon e, a adorável “Springtime Love”, encanta na melodia e harmonias vocais celestiais, lembrando que os Beach Boys também foram ícones sessentistas. Beatlesque One nos faz sentir falta de uma época em que não vivemos; e agradecer pelo interesse de contemporâneos talentosos, como Alan Bernhoft, em perpetuar a arte da verdadeira canção pop.

www.alanbernhoft.com
www.myspace.com/beatlesque1

"Somewhere Else": STEPHEN LAWRENSON!

2009-05-04T10:58:00.001-03:00

A maestria pop do americano Stepehen Lawrenson transformou os últimos cinco anos em longa espera. Desde seu álbum de estreia, Every Summer, não se ouvia nada vindo da pequena cidade de Susquenhanna, Pennsylvania. E, em meio ao mar de artistas independentes que povoam o mundo musical – seja real ou virtual – Lawrenson volta com seu timbre inconfundível, sua heróica Rickenbaker e suas gemas de esmerada lapidação sessentista. Em Somewhere Else, Lawrenson tocou todos os instrumentos, fez todas as vozes e ainda produziu o disco.

A instrumental e climática “Theme From Somewhere Else” abre álbum, com pianos, órgãos e guitarras épicas. “Let’s Go” chega afiada no riff de guitarra e já apresenta as credenciais de Stephen nas melodias ganchudas e harmonias vocais bem cuidadas. Guitarra acústica para a beleza clássica de “Home To Me”, que se composta por George Harrison seria imortal em rádios e corações. O órgão barroco carrega o ouvinte na flutuante “Anybody Else”, e a brilhante sonoridade da Rickenbaker leva até o refrão memorável de “Faith In You”.

A balada “Sucess” exalta que “aprendemos mais com nossos fracassos que com nosso sucesso” e a bucólica e belíssima “Mother Nature’s Daughter”, não esconde a fixação de Stephen Lawrenson pelos Beatles. Com uma intro instrumental dos deuses, a vinheta/interlúdio “Backyard Riverside Stargazer’s Club” antecede a pérola pop “Hey!”. “Truth” embala sonhos ao piano e na sua ambiência envolvente e “Something I Can Hold On To”, salpica o ar de poeira cósmica e reconforta na voz melódica e doce de Lawrenson. O artesão que consegue talhar a obra com técnicas alheias e conhecidas, mas que no fim consegue um resultado único e particular.

www.stephenlawrenson.com
www.myspace.com/stephenlawrenson

"Dig The New Sounds Of": TENNISCOURTS!

2009-04-30T10:07:00.001-03:00

Não é de hoje que Chicago disputa cabeça a cabeça com Nova Iorque a segunda posição no ranking de cena mais importante do power pop americano. Novas bandas continuam germinando da fértil terra que nos deu Cheap Trick, Shoes e Material Issue, perpetuando o legado e honrando as tradições. É dessa cena que vem o músico e compositor Wes Hollywood, que depois de anos com seu grupo Wes Hollywood Show, resolveu montar uma nova banda mirando em um pop mais despretensioso, direto e melódico. Assim surgiu o Tenniscourts, que chega ao seu segundo álbum com este Dig The New Sounds Of.

Que abre com um clássico riff rock’n’roll, climatizado por um órgão e refrão grandioso em “Forever True”. A contagiante “Swimming Pool” é o primeiro single do álbum e “Nicotine Nights” envolve na batida e palminhas, soando como as novas bandas modernistas-retrô. “Love In The Light” entrega as referências new wave do Tenniscourts e a versátil e bela “Falling” cativa com suas mudanças melódicas e climáticas. “Cristal City” tem sotaque psicodélico e “Ordinary Life”, e seu “la-la-la”, soa com uma das grandes bandas do britpop noventista.

“The Grove” traz crescendos até a explosão de belos acordes e refrão ganchudo, enquanto “27b” embala em ritmo de valsa. Guitarras rugem em “In The Scene” e a beleza densa de “Sleepy Animal” fecha Dig The New Sounds Of, avisando que Nova Iorque precisa reforçar a armada se não quiser perder seu posto, definitivamente, para a turma de Chicago.

www.tenniscourts.net
www.myspace.com/thetenniscourts

Da série Clássicos: "Bronco Bullfrog" - BRONCO BULLFROG!

2009-04-20T12:32:00.003-03:00

Por Daniel Arêas

Para uma banda, tão desafiador quanto escrever grandes canções e criar grandes álbuns, é conseguir forjar uma identidade, uma personalidade própria, a partir das influências que a inspiram. O desafio torna-se ainda maior quando os músicos trazem consigo diferentes bagagens musicais. Nessa empreitada de extrair uma marca, uma cara própria a partir da reunião de várias referências musicais, poucas bandas lograram obter êxito com tamanho brilhantismo quanto o power trio londrino Bronco Bullfrog, cujo álbum homônimo de estréia é o 4º. disco da série Clássicos do Power Pop Station.

O Bronco Bullfrog (nome extraído de um obscuro filme inglês dos anos 60) foi formado no fim de 1995, em Londres, por Andy Morten (bateria, vocais), Mike Poulson (vocais, guitarra) e Louis Wiggett (baixo, vocais). Cansados de perambular por bandas psicodélicas e de garage rock da cena local (tais como The Nerve, Vibraphone, The Morticians) decidiram unir numa só banda todos os backgrounds musicais de cada um. O resultado foi mais uma prova da máxima que afirma que o todo é sempre maior do que a soma das partes.

Bronco Bullfrog, o disco, foi lançado em 1998, e é a reunião de sessões de gravação realizadas entre setembro de 1996 e fevereiro de 1998, nos Y Studios, em Leicester. Se as letras das canções em geral giram em torno de temas melancólicos, como a solidão, a nostalgia e fins de relacionamentos, musicalmente o espectro de influências sobre o qual Bronco Bullfrog se ancora é bem amplo. Uma referência que surge recorrentemente no disco é The Who, principalmente da fase Live at Leeds/Who’s Next (em grande parte devido à técnica e à energia dos músicos, em especial Morten, com seu estilo de tocar bateria inspirado no inigualável Keith Moon). A psicodelia sessentista também perpassa boa parte do álbum, mas outras referências e estilos musicais podem ser percebidos ao longo da audição.

Das baladas acústicas ao hard rock, do country rock à psicodelia, todas as canções (em sua grande maioria compostas por Morten, a não ser “Del Quant”, “Poor Mrs. Witherspoon”, “Be My Friend” e “One Eleven”) trazem em si a marca própria, a identidade da banda. Mas de nada adiantaria a mescla de estilos que a caracteriza se não fossem as músicas. Bronco Bullfrog em pouco mais de uma hora nos oferece grandes e inspiradíssimas canções (intercaladas por breves interlúdios), tocadas com grande competência e vigor, e é isso que o torna um clássico.

O disco abre lindamente com “Yesterday’s News”, onde um dedilhado de violão acompanha a sensível interpretação de Mike Poulson (cujo timbre de voz rende comparações com Graham Nash, ex-Hollies e C,S&N). É uma introdução tão bonita e tocante quanto rápida (34 segundos), mas a canção reaparecerá mais à frente no álbum, completa.

Se “Yesterday’s News” apresenta brevemente ao ouvinte o lado mais suave da banda, a canção seguinte, “Together” é um excelente cartão de visitas para sua faceta rocker e energética: une o melodicismo dos heróis do power pop a exatas doses de psicodelia (inspiradas em bandas como The Move, Nazz, The Creation), tocada com a energia incontida tão característica do The Who. “Del Quant” (composta em parceria por Morten e Wiggett) e “Can’t Make My Own Way” seguem a mesma linha e mantêm o padrão de qualidade do disco no alto.

A esplêndida “Poor Mrs. Whiterspoon” (a única assinada em conjunto pelos três músicos) é uma prova da versatilidade e talento da banda: composta por três partes distintas, flerta tanto com o hard rock quanto com o progressivo setentista, e ainda apresenta uma passagem na qual o riff de guitarra se desacelera e ganha em distorção, chegando a evocar o Black Sabbath. Mais à frente, uma bela slide guitar traz ares country a “Be My Friend” (outra assinada por Morten e Wiggett, e cantada por esse último) e evidencia uma referência fundamental na obra do Bronco Bullfrog: The Byrds.

Contrastando com a canção anterior, os quase 8 minutos de “Lazy Grey Afternoon” poderiam perfeitamente figurar em algum disco de qualquer banda psicodélica britânica e de garage rock dos anos 60, com direito a uma longa jam no fim, repleta de guitarras invertidas. E a sucessão de grandes canções não pára: “Down Angel Lane” é (mais uma) prova da capacidade da banda de fundir o vigor das guitarras com irresistíveis ganchos, na melhor tradição do power pop.

“Welfare Snapshot” é a complementação (com pouco mais de seis minutos) da introdução “Yesterday’s News”. Dessa vez cantada emotivamente por Andy Morten (acompanhado de um instrumental mínimo, como na introdução do álbum), a canção comove na beleza da melodia e na melancolia da letra, que narra o cotidiano vazio e sem sentido de uma pessoa. Lê as “notícias de ontem”, acorda apenas para voltar a dormir, não se dirige ao seu (sua) cônjuge. Esse sentimento de desesperança é realçado no belo refrão (“I see a future there/It looks hazy/ But I know there'll be chances on the way/ I see the sun come up/ The seventh time this week/ Or maybe it's the seventh time today”). Uma referência que surge aqui é a do mestre eterno Chris Bell. Desconcertantemente, um álbum em que os músicos esbanjam técnica e energia pode muito bem ter em sua canção mais singela justamente o seu momento mais emocionante.

A curta “One Eleven”, a contribuição de Poulson ao disco, é instrumental e tocada no piano, e adornada por harmonias vocais arrebatadoras. Depois da maravilhosa fúria power popper de “History” (pense no Badfinger chocando-se – de frente - com os riffs raivosos e a bateria alucinada do The Who), o disco chega ao fim com a linda “Paper Mask”, que imediatamente remete aos Beatles (ali por volta de 1968) e na qual Andy Morten encontra em Mike Poulson o intérprete ideal para uma amarga história de um fim de relacionamento.

O Bronco Bullfrog faria ainda outros grandes álbuns (sua discografia completa está nos comentários), e depois de lançar o brilhante Oak Apple Day (2004) decidiu encerrar suas atividades. Por alguma razão, foram mais reconhecidos em outros países da Europa (principalmente a Espanha) do que em seu país natal. Hoje, a banda é reconhecida como uma das mais importantes do power pop em todos os tempos. Se infelizmente não teremos mais novos discos do Bronco Bullfrog, só nos resta celebrar o legado de sua brilhante obra. É o que fazemos aqui, ao reconhecer o status de clássico de sua obra-prima de estreia.

A ENTREVISTA
Por Paolo Miléa

Conversamos com os três ex-Bronco Bullfrog Andy Morten, Mike Poulson e Louis Wiggett, que nos contaram suas impressões, suas histórias e seus sentimentos a respeito do seu clássico álbum de estreia.

PPS: Bronco Bullfrog, o álbum, levou quase dois anos pra ficar pronto. As 16 músicas já estavam compostas ou várias foram aparecendo durante do processo de gravação? Em, “Poor, Mrs. Whiterspoon”, onde os três membros contribuíram e existem tantas partes distintas, como chegou-se ao resultado final?

ANDY: O álbum levou dois anos para ser gravado porque nós estávamos pagando as sessões do próprio bolso. Ensaiávamos três ou quatro canções, depois as gravávamos em um fim de semana como demos. Quando tínhamos 12 canções, a Twist Records nos perguntou se queríamos colocá-las em um álbum, então gravamos os pequenos interlúdios, mixamos tudo e enviamos para eles.

LOUIS: A maior parte das gravações que aparecem na versão final do álbum, eram demos de boa qualidade que começamos a gravar no verão de 96. A gravadora alemã Twist Records gostou tanto das faixas que concordou em lançá-las, disponibilizando, inclusive, capital para mais algumas músicas e, assim, chegarmos a um álbum completo. A partes incidentais foram trabalhadas depois para dar às faixas um clima global de álbum. “Mrs Whiterspoon” é uma canção de Andy, mas foi re-arranjada com alguns riffs influenciados pelo Black Sabbath.

Também tínhamos ouvido In Search Of do Fu Manchu – aquela parte intermediária da canção é definitivamente fruto daquele período.

MIKE: Me lembro que agendávamos o estúdio, ensaiávamos as músicas na noite anterior e depois íamos lá e gravávamos, normalmente, em um take. Era tudo muito natural, três amigos se divertindo a valer. A Twist Records, de algum modo, ouviu algumas faixas e de repente estávamos fazendo um álbum.

PPS: Conte-nos algum fato curioso, inusitado ou mesmo engraçado que tenha acontecido durante as gravações.

ANDY: Para mim TUDO foi interessante, inusitado e engraçado. Foi a primeira vez que me senti feliz com as músicas que eu havia escrito e com a música que nós fizemos no estúdio. A banda era eu e meus dois melhores amigos, então tudo isso foi uma grande aventura, uma luminosa gargalhada.

LOUIS: Fora a comida envenenada durante a sessão de fotos e a subseqüente temporada de três dias na cama com o pior caso de diarréia, assistimos ao famoso Caribbean Carnival de Leicester do balcão do YMCA durante as gravações e foi muito divertido. E eu tocando bateria em uma das faixas foi hilário. Pelo menos um membro da banda teve um pesado fim de relacionamento (isso não teve graça) durante as gravações, então nós empurramos um amplificador sobre algumas rodas, do quarto de ensaio da estação, porque Mike estava convencido de que aquilo soaria bem e eu aprendi como tocar um rudimentar bandolim para satisfazer nossas inclinações ao country. Tudo acima deu “sabor” ao álbum.

MIKE: Eu não lembro de muita coisa, para ser honesto, eu andava meio chapado naqueles dias.

PPS: Oficialmente a carreira da banda começa com o lançamento de Bronco Bullfrog? Quais eram as expectativas do grupo na época em que o disco saiu?

ANDY: Não houve expectativas. Nós três estivemos em diversas pequenas bandas de psicodelia e garage antes do Bronco Bullfrog, mas desta vez introduzimos influências mais amplas, então tentamos powerpop, country, baladas e hard rock. Poderíamos ter feito qualquer coisa naquele álbum e ninguém ficaria surpreso porque era tudo novo. Nós só caímos em uma espécie de trilho posteriormente.

LOUIS: Eu acho que o que esperávamos era continuar bons amigos e estou feliz por poder dizer que nós conseguimos.

MIKE: Nós não tínhamos expectativas. Curtimos sair por aí fazendo música juntos e nos divertindo todos esses anos em algo que nós ainda gostamos de fazer.

PPS: Qual foi a repercussão do álbum em termos de crítica e público?

ANDY: As pessoas que ouviram o disco devem ter gostado porque vendeu bem e permitiu-nos ir para a Espanha e Alemanha e fazer mais quatro álbuns.

LOUIS: As pessoas adoraram e foi considerado nosso melhor álbum. Suas perguntas são um aprova disso, certo?

MIKE: Suponho que as pessoas gostaram tanto que logo estávamos fazendo shows pela Europa como resultado. Contudo, na Inglaterra, teve uma importância diferente, não tenho certeza se aqui alguém esteve realmente interessado em nós.

PPS: Olhando em retrospecto, qual a opinião de vocês hoje sobre o álbum? Vocês têm suas canções preferidas?

ANDY: Eu acho que este é nosso melhor álbum porque era algo novo, com frescor e excitante. Nós estivemos tentando todas as coisas – nenhuma idéia era rejeitada. Minha canção favorita é “Paper Mask” porque apresenta uma maturidade profunda e uma emoção que havia faltado em minhas canções até então. As pessoas vinham até nós depois dos shows e diziam o quanto elas adoravam a canção e ainda continuam falando sobre ela.

LOUIS: Eu adoro, Andy adora, e meu pai adora: “Paper Mask” é a favorita de meu pai e ele diz que a nossa melhor canção. Eu realmente adoro “Lazy Grey Afternoon” porque me lembra o estilo de composição de Andy e Mike e me faz perceber que grande dupla de bastardos decentes eles são.

MIKE: Faz muito tempo que não escuto o disco, eu devo fazê-lo algum dia. É estranho como “Paper Mask” é a favorita do pai de todo mundo! Há uma lição ali, garotos! Ouçam os mais velhos, eles sabem as regras do jogo!

"Long Lost Weekend": JOEY SALVIA!

2009-04-16T12:10:00.002-03:00

Você conhece Joey Salvia? Se a pergunta for feita ao mundo do power pop, a resposta é: “claro, é o líder do Montgomery Cliffs!”, banda que inaugurou o novo milênio com um verdadeiro clássico do gênero, seu álbum homônimo. Já se a pergunta for feita a um novaiorquino, a resposta será: “claro, é o cara das paródias e sátiras musicais da ESPN e Fox News!”. Mas aqui o foco é a terceira faceta do músico do Brooklyn: sua carreira solo.

De qualquer ângulo que se olhe (ou escute) Joey Salvia, você tem a certeza de estar diante de um engenhoso cantor-compositor. Quase como um “repentista do pop”, Salvia treinou seu talento para criar canções ligeiras seja qual for o tema. Mas é claro que o multiinstrumentista guardou suas motivações, indagações e convicções íntimas para suas músicas solo. Ele só quer te ver rir, chorar, bater o pé ou cantar suas canções.

Em Long Lost Weekend, Joey contou com o auxílio luxuoso de Andy Bopp do Myracle Brah, Greg Schroeder e Dennis Schocket do Starbelly. O álbum foi gravado no famoso estúdio de Bopp, o The Cinderblock Mansion. Todos a postos, o disco começa com a ambiência intimista da acústica faixa-título, e emenda no violão, de batida envolvente, de “Invisible Force”. O power pop perfeito bate à porta - ao melhor estilo do mestre Andy Bopp e seu Myracle Brah – na melodia adesiva e levada arrebatadora de “Where Were You?”.

Aqui, mais uma canção com cheiro de clássico: “The Perfect Crime”. Teclados criam o clima emocional em “Dressed To A “T”, que remete novamente às canções campeãs do Myracle Brah. A levada de “Under The Ipod Skies” tem contornos psicodélicos até encontrar a bela balada “Beautiful Sunset”. A reflexiva e acústica “New York Times” realça a forte voz de Salvia e, a radiofônica “Ready For Today”, encerra Long Lost Weekend. Então, se você quiser realmente conhecer Joey Salvia, veja a TV, ouça o rádio e compre o disco!

www.joeysalvia.com
www.myspace.com/joeysalvia

"Full/Filled": POPLORD!

2009-04-13T13:16:00.001-03:00

Bandas que escolhem nomes objetivos, suscintos e sugestivos têm meio caminho andado no trabalho da autodivulgação. Porque parte das intenções já está explícita quando você chama seu grupo de Poplord. Projeto dos californianos, e amigos de longa data, Tom Magill e Stan Schaffer, o conjunto apresenta seu segundo álbum Full/Filled e um novo membro Craig Daniel. Magill e Schaffer, que já tiveram uma banda tributo chamada The Beetles, colocam todo seu esforço, talento e paixão na confecção de canções pop que atingem todas as épocas e permanecem atemporais.

Full/Filled é uma celebração das melodias bem talhadas, harmonias cuidadas, vocais agradáveis, ou seja, um atalho para o universo das boas sensações. Colocar um sorriso no rosto do ouvinte é o máximo de pretensão que o Poplord se permite. Melhor ainda se for numa segunda-feira: “Change Time For Monday” enche o ambiente de melodias empolgantes, sob notas de piano e guitarra duelando e harmonias vocais voando em direção ao sol. “What’s Beneath” traz refrão adesivo, seguida da doce e acústica “Rent One From Jane”.

Batida contagiante para “Wake Up Tired” e “I’d Fall Down”, ambas adornadas por infecciosos vocais múltiplos. Camadas de teclados e efeitos para a tranqüilidade de “Trampoline” e animação suprema no pop setentista de “A Tree Beyond”. A placidez folk pop nos mandolins de “Verdugo Falls” contrasta com e energia juvenil no rock sessentista que encerra o álbum, “Always The King”.

www.myspace.com/poplord

"Dreamtown": CHRIS ENGLISH!

2009-04-09T12:11:00.001-03:00

Ilustrar a capa de um disco segurando uma Rickenbaker, só pode sugerir uma coisa: sonoridades clássicas. E é assim que aparece o americano de Charlotte Chris English em seu primeiro álbum Dreamtown. Que não pode ser considerado uma estreia, já que English é um experiente músico e produtor. Abriu shows para Doobie Brothers e The Smithreens, e trabalhou com estrelas como Joe Strummer e David Bowie, entre outros. Também produz e compõe para programas de TV e filmes de cinema.

É de se admirar que só agora Chris English tenha posto na praça um disco seu. O músico gravou, produziu, mixou e tocou todos instrumentos em seu próprio estúdio, o The Guest Room. Em Dreamtown, English passeia por sua diversa paleta de influências, que vão de Genesis a Beach Boys, de Steely Dan a XTC, de ELO a Todd Rundgren. Assim cria sobre suas referências climas macios, sempre privilegiando o jogo das guitarras acústicas.

O climático prelúdio “Sunrise” abre Dreamtown e emenda na faixa título, recheada de ecos de guitarras e harmonias vocais femininas. Algo de Peter Gabriel soa em “I Can See Everything” e suas destacadas linhas de baixo. Na plácida “Autumn” aparece a admiração por Donald Fagen e Steely Dan, até os divinos ‘pa-pa-pa’ na metade final da faixa. O brilho das guitarras é realçado na bela “Without You” e, a admiração por Todd Rundgren, fica clara em “I Can Take It”.

A doce melodia se entrelaça às aeradas harmonizações vocais em “Summer Revisited” e “Sunshine Routine”, no belíssimo momento Brian Wilson do álbum. “The River” bate em um clima mais up, desenhado por contornos pop. A densa e emocional “The Letter” navega em texturas de teclados, e a onírica e reconfortante balada “God Is In The Silence”, é o tíquete final que Chris English oferece para a viagem definitiva à sua Dreamtown.

www.myspace.com/chrisenglishmusic

"Everybody's Fault But Ours": THE POPRAVINAS!

2009-04-06T12:22:00.002-03:00

O envelope é a embalagem digi-pak. O convite, a bolachinha digital. A festa é no bar e a banda da noite o The Popravinas. Não há como recusar: aqui a diversão é garantida como uma garota cinco garrafas de Budweiser depois. O grupo de Santa Mônica, Califórnia, é liderado pelo veterano Eddy Sill – mais conhecido pelo seu trabalho no The Mutts – e chega ao seu primeiro álbum com este Everybody’s Fault But Ours.

Como um mix da crueza do Replacements e o acento country do Old 97’s, o Popravinas adiciona à receita camadas de melodias pop em ambiência de pub rock. A voz marcante de Sill – que parece ter sido imersa em barris de bourbon – e a guitarra de Johnny Adair, rascante e melódica ao mesmo tempo, dão o toque de personalidade à sonoridade do grupo. E eles também ouviram Stones e Teenage Fanclub...

“Popravina Weekend” abre o disco com guitarras espetando e harmonias vocais celebrando noite adentro. “She’s Got Fashion” tinge o pop com tons country na gaita e pontadas da steel guitar. A envolvente “Do you Think?” capricha na melodia ganchuda e na presença da voz dobrada de Sill. Mandolin, violino e steel guitar para a animada celebração country-pop de “Biggest Shot”.

Guitarras de sotaque punk rosnando em “Temporary Relief” e riffs brilhando em “Johnny’s Gotta Girlfriend”. Já em “Girl With A Workface”, piano, guitarras acústicas e gaita acalmam os ânimos até a saideira – com gosto de “só mais uma” - a contagiante “Nearest Pretty Girl”. Vejo você no bar.

www.myspace.com/thepopravinas

"Lie": MISS CHAIN & THE BROKEN HEELS!

2009-04-02T12:25:00.001-03:00

Música comprimida em latas de sardinha digitais; canções servidas e enterradas sem nome, sem pai nem mãe, tal qual indigente em vala comum; álbuns sem cor, sem cheiro, nem tato, flutuando no ciberespaço virtual; verso-refrão-verso-refrão em fila indiana rumo ao ‘arquivo morto’, ‘delete’, ‘excluir’. Novos tempos, nossos tempos. Mas, nem por isso, bandas novas se entregam ao caminho mais prático e fácil na apresentação de sua música.

Os italianos do Miss Chain And The Broken Heels valorizam a carga sentimental e sensorial que pode haver na relação entre o ouvinte e uma canção. Alimentam todos os sentidos, não só a audição. Por isso nos oferecem seu novo single, Lie, apenas em versão vinil de sete polegadas e 45 rpm. Assim como fizeram em seus dois lançamentos anteriores, duas canções, uma para cada lado da bolachinha.

Miss Astrid Dante, os irmãos Franz e Brown Barcella e Disaster Silva, soam como uma colisão entre Blondie e Nikki And The Corvettes inspirada nas girl groups dos anos 60. No lado A do single, os garotos afiam as guitarras enquanto a voz colegial de Miss Chain hipnotiza nos versos e harmonias vocais sessentistas em Lie. Ocupando o lado B, a energia juvenil e urgente de “He’s Your Boy (But Could Be Mine)”, em um encerramento na melhor escola Ramones. Com a volta do vinil, em plena era iPod, e a fixação do grupo por formatos clássicos, nem é preciso perguntar com que tipo de disco um futuro álbum cheio do Miss Chain & The Broken Heels vai aterrisar.

www.myspace.com/misschainandthebrokenheels

"Run & Hide": THE FORE!

2009-03-30T13:49:00.002-03:00

Quando o quarteto inglês The Fore lançou seu disco de estréia em 2007, Black & White, não ficou dúvidas sobre a maior referência do grupo: os Beatles. Uma conseqüência natural sobre quatro garotos que cresceram ouvindo o som da maior banda de todos os tempos. Mas não apenas na sonoridade o Fore se assemelha aos fab four. Se os Beatles, em início de carreira, tinham que tocar sete horas por dia, sete dias na semana nos clubes de Hamburgo, o Fore também enfrenta maratonas estafantes de shows. Se os Beatles tocaram quase trezentas vezes no Cavern Club, o The Fore também tem seu dia fixo de apresentação no famoso club de Liverpool.

Matt, Spencer, Andrew e Simon são, antes de tudo, uma banda insone e trabalhadora de merseybeat pós-moderno. Amantes das ambiências sessentistas, o The Fore serve tanto a nova geração – que, como eles próprios, nunca esteve nos anos 60 - quanto aos saudosistas – que viveram a época e hoje podem reviver algumas daquelas boas sensações. Por isso, Run & Hide traz 15 canções de puro merseybeat, fase 63-64, talhadas por guitarras Rickenbakers e baixos Epiphones.

Uma coleção de canções tão ingênuas quanto empolgantes e que nunca chegam a três minutos. E nos remetem diretamente a um tempo de sonhos que não vivemos. Difícil destacar faixas em Run & Hide, que podem soar ora como os Beatles (“Have Me Back Again”, “That’s A Lie”, “Leave Me Alone”) ora como os Kinks (“Run & Hide), ou Hollies (“You’ve Got To Choose”, “It’s You Girl”) ou Zombies (“Rumours And Lies”, “Emma”) ou Byrds (“Forgive And Forget”, “Send My Love To You”) mas, sempre, candidatas a hit single. Melodias memoráveis e harmonias vocais perfeitas, do tempo em que artesanato pop era artigo de valor.

Se Deus ajuda quem cedo madruga, é possível que o Fore ainda consiga um selo interessado em lançar seus discos. Provavelmente, nunca venderão milhões de cópias, nem escalarão as paradas do sucesso, mas certamente ganharão o título de “embaixadores do merseybeat para o século 21”.

www.theforeband.com
www.myspace.com/thefore

"Bring On The Happy": ROB BONFIGLIO!

2009-03-26T13:13:00.001-03:00

Bring On The Happy veio para separar as coisas: os esforçados dos talentosos; os amadores dos profissionais; os homens dos meninos. Veio também jogar por terra o velho argumento de milhares de bandas, de que para conseguir gravar seus discos com os melhores recursos técnicos disponíveis, e com isso alcançar um resultado final superior, deveriam assinar contratos com grandes gravadoras. O talento de Rob Bonfiglio mostrou que independência não é sinônimo de amadorismo e que, para se atingir um nível profissional de gravação/execução, não é preciso uma major por trás.

O músico da Philadelfia, radicado há oito anos em Los Angeles, foi membro do Wanderlust – cultuada banda power pop dos anos 90 – e, mais recentemente, lançou um álbum sob o nome Skies Of America. O que transforma Bring On The Happy, oficialmente, como seu primeiro trabalho solo. Aqui Bonfiglio tocou todos os instrumentos e fez todas as vozes. Numa demonstração clara do dom divino para a música dado ao americano, Rob arriscou mais em seu disco solo: guitarrista de formação, se embrenhou nos domínios do piano e do pop orquestral, passando pelas sonoridades mais sofisticadas de Burt Bacharach e Brian Wilson/Beach Boys. E atingiu atmosferas mais intimistas e emocionais.

Mas não deixou de lado o terreno que conhece bem: as canções energéticas cheias de ganchos melódicos e harmonias vocais perfeitas. Aliás, o que impressiona em Bring On The Happy é como Bonfiglio conseguiu chegar à perfeição musical sendo banda-de-um-homem-só. Arranjos com extremo cuidado nos detalhes, timbres sempre adaptados ao clima e intenção das canções e, harmonizações vocais intrincadas feitas pela mesma voz. É o encaixe na medida exata entre talento e profissionalismo, experiência e vigor.

A capacidade de Bonfiglio para compor canções com forte apelo radiofônico, já aparece na faixa de abertura “Nothing Will Hold You Down”, que mescla um balanço R&B com uma pegada pop rock. “That’s Alright” não deixa dúvidas: power pop de refrão perfeito e harmonias vocais flutuando sobre guitarras afiadas. “How To Mend A Heart” martela o pop ao piano e mostra o completo domínio de Rob nos vocais. Mais guitarras contundentes, melodias adesivas e o pop poderoso exercendo o controle em “React” e “What You Need”.

Batidas de piano envolventes, delicadas harmonias, versos encaixados com maestria pela voz amigável de Bonfiglio e refrões memoráveis em “Straight From The Heart” e “The Best Is Yet To Come”. Os riffs de guitarra voltam a rugir na hiperativa “Blow Me Away” até se dissolverem nos vibrafones e pianos da balada que fecha o disco, “Some Days Are Better”.

Bring On The Happy veio para unir as coisas: a rebeldia do rock ao bom-mocismo do pop; temas universais a ambiências íntimas, e, principalmente, a competência técnica ao talento nato e ilimitado de Rob Bonfiglio.

www.myspace.com/robbonfigliomusic